Charles Guilbert

Charles Guilbert
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Je crée des assemblages de fragments narratifs que je présente sous différentes formes : textes, vidéos, disques ou installations. En glissant d’un média à l’autre, j’explore l’étrangeté du quotidien, le pouvoir des mots et les liens entre les personnes.

Mon travail actuel est constitué de dessins à l’encre de Chine auxquels se greffent textes, photos et documents divers. J’y aborde des questions identitaires et existentielles en m’inspirant notamment des essais de Montaigne. « Cela m’advient aussi : que je ne me trouve pas où je me cherche ; et me trouve plus par rencontre que par l’inquisition de mon jugement. »

Mes réalisations, souvent issues de collaborations, notamment avec Serge Murphy, ont été présentées dans plusieurs pays d’Europe, au Mexique et au Japon. Au Québec, j’ai notamment présenté des installations au Musée d’art contemporain de Montréal, à la Biennale de Montréal et à la Manifestation d’art internationale de Québec.

Ma formation, avant tout littéraire, m’a amené à publier trois livres : Les Inquiets, Le beau voyage éducatif et Les bûcherons de l'impossible (chez Sagamie, avec Dgino Cantin).

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Charles Guilbert
Artist in Residence

I use narrative fragments to create assemblages, which I present in various forms: texts, videos, audio recordings or installations. In switching from one medium to another, I explore the strangeness of the everyday, the power of words and the ties between people.

My current work is comprised of China ink drawings to which I add texts and various documents. I explore existential and identity-related issues, notably by drawing inspiration from Montaigne’s Essays. “This also happens to me: that I do not find myself in the place where I look; and I find myself more by chance encounter than by searching my judgment.”

My works—often the fruit of a collaboration, in particular with Serge Murphy—have been shown in many European countries, in Mexico and in Japan. In Quebec, I have notably presented installations at the Musée d’art contemporain de Montréal, the Biennale de Montréal and the Manifestation d’art internationale de Québec.

My training, which is primarily literary, has led me publish three books: Les Inquiets, Le beau voyage éducatif and Les bûcherons de l'impossible (with Dgino Cantin, published by Sagamie).

Marie-Josée Laframboise

                                                       *Photo : Michel Dubreuil
Marie-Josée Laframboise
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Née à Québec, Marie-Josée Laframboise vit et travaille à Montréal. Titulaire d’un baccalauréat en arts plastiques (1987) de l’Université du Québec à Montréal (UQÀM), elle obtient en 2002 une maîtrise en arts visuels de l’Université Concordia. En 2000, au cours de sa maîtrise en arts visuels, elle participe à un échange international à la Glasgow School of Art. Ses œuvres ont été présentées dans le cadre d’expositions individuelles et collectives notamment, la Galerie d’art d’Ottawa, le Musée d’art de Joliette, le centre de diffusion et de production de la photographie VU, la Southern Alberta Art Gallery, Le Quartier; Centre d’art contemporain (Quimper), le Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain (Nice), la Kunstraum Dornbirn (Autriche), le Musée régional de Rimouski, le Centre d’art contemporain (Bruxelles), la Galerie de l’UQAM, le centre Langage Plus, le centre d’exposition CIRCA, l’Espace-musée de Québécor, la Grenfell Campus Art Gallery, et la Art Gallery of Hamilton. On trouve ses oeuvres au sein de collections privées et publiques importantes, dont la collection Prêt d’oeuvres d’art du Musée national des beaux-arts du Québec, le Musée d’art de Joliette, la collection du Cirque du Soleil ainsi que celle de la Fondation Christoph Merian, en Suisse.

Ma démarche sculpturale se caractérise par des installations in situ. L’étendue du lieu, ses contraintes, le matériau, les ressources présentes contribuent à élaborer une intervention concrète. Mes œuvres in situ construisent, dessinent, configurent ou capturent un territoire. Mes installations peuvent aussi être regardées d’un point de vue graphique, dans la mesure où elles relèvent directement de l’acte de tracer sur une surface, des traits destinés à donner une représentation de figures d’éléments en réseau. C’est ce type d’expression que je traduis dans l’espace du lieu d’exposition. Le fil, le tube, le filet, le cerceau, toutes ces formes linéaires viennent envahir graphiquement les volumes architecturaux. Les matières que j’accroche aux parois des espaces, créent des parcours inédits, inhabituels, nous invitant à circuler à l’intérieur de structures ou, au contraire, à dévier certains lieux de passage préétabli.

En plus de mes recherches sur l’appropriation spatiale et la mise en réseau de multiples matières, j’ai développé une pratique du dessin. Cette dernière accompagne la démarche installative dans la poursuite d’un questionnement sur l’espace. De même, ma recherche s’est transposée en photographiant des câbles électriques en contre-plongée, qui compartimentent et hachurent le paysage de notre environnement quotidien. Ces enchevêtrements de fils, capturés sous différents angles sont devenus des compositions linéaires.

*Source : Monographie : 2011 Beaudry, Eve-Lyne; Fatona, Andrea; Stebbins, Joan. Ensembles réticulaires / Network Installations, Joliette : Musée d’art de Joliette, publ. en collab. avec : Southern Alberta Art Gallery, et, Galerie d’art d’Ottawa, 2011, [144 p.].

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Marie-Josée Laframboise
Artist in Residence

Marie-Josée Laframboise was born in Quebec City and lives and works in Montreal. She obtained a BFA from Université du Québec à Montréal (UQÀM) in 1987 and an MFA from Concordia University in 2002. In 2000, while she was studying for her MFA, she participated in an international exchange at the Glasgow School of Arts. Her works have been presented as part of solo and group exhibitions, notably at the Ottawa Art Gallery, Musée d’art de Joliette, Centre de diffusion et de production de la photographie VU, Southern Alberta Art Gallery, Le Quartier; Centre d’art contemporain (Quimper), Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain (Nice), Kunstraum Dornbirn (Autriche), Musée régional de Rimouski, Centre d’art contemporain (Bruxelles), Galerie de l’UQAM, Langage Plus, CIRCA, Espace-musée de Québécor, Grenfell Campus Art Gallery, and the Art Gallery of Hamilton. Her works are part of major private and public collections, such as the Prêt d’oeuvres d’art of the Musée national des beaux-arts du Québec, the Musée d’art de Joliette, the Cirque du Soleil collection as well as the Fondation Christoph Merian, in Switzerland.

My approach to sculpture is characterized by site-specific installations. The expanse of a space, its constraints, the materials, and the onsite resources contribute to the development of a concrete intervention. My site-specific works construct, draw, configure or capture a territory. My installations can also be viewed from a graphic viewpoint, in so far that they are directly based on using a surface to draw strokes which seek to represent elements of figures in a network. It is this type of expression that I translate into the exhibition space. The thread, tube, net, and hoop are all forms that graphically take over the architectural volumes. The materials that I hang on the spaces’ walls create novel and unusual routes which invite us to move inside the structures or, on the contrary, to bypass pre-established passageways.

In addition to my research on spatial appropriation and the networking of multiple materials, I have developed a drawing practice, which accompanies my installation approach in an exploration of space-related issues. In the same vein, my research has been transposed through my low-angle photographs of electrical cables, which compartmentalize and crisscross our everyday environment. These entanglements of lines, captured from various angles, have become linear compositions.

*Source: Monograph: 2011 Beaudry, Eve-Lyne; Fatona, Andrea; Stebbins, Joan. Ensembles réticulaires / Network Installations, Joliette: Musée d’art de Joliette, published in collaboration with: Southern Alberta Art Gallery and the Ottawa Art Gallery, 2011, [144 p.].

Rachel Echenberg

Rachel Echenberg
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Ma practique , principalement en performance, explore les frontières perméables qui existent entre les espaces politique, social et privé. À travers des concepts tels que les transformations physiques, la vulnérabilité et l’intimité, je tente de mettre en lumière le flot débordant des événements quotidiens. Au cours des dernières années, mon travail a notamment porté sur le thème de la maison, en tant que lieu concret autant qu’à titre d’espace psychologique. Je compte donc poursuivre ce travail à Sagamie, en réalisant une série d’images issues de performances, créées plus spécifiquement pour caméra.

Depuis 1992, le travail de l’artiste Montréalaise, Rachel Echenberg, a été exposé, performé et visionné à travers le Canada de même qu’à l’international, soit en Allemagne, en Angleterre, en Belgique, au Chili, aux États-Unis, en France, en Irlande du Nord, en Israël, en Italie, au Japon, au Liban, au Maroc, en Pologne, au Portugal, en République tchèque, et en Suisse. Plusieurs de ses œuvres vidéographiques sont disponibles chez Vidéographe Distribution à Montréal. Echenberg détient un Bac en arts visuels du Nova Scotia College of Art and Design (NSCAD) à Halifax, Canada (1993) et une maîtrise en performance visuelle, du Dartington College of Arts en Grande-Bretagne (2004). Rachel Echenberg enseigne au Département des arts plastiques à Collège Dawson, Montréal.
http://rachelechenberg.net

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Rachel Echenberg
Artist in ResidenceMy work, primarily in performance art, explores the permeable boundaries between political, social and individual spaces. Through physical transformation, vulnerability and intimacy I attempt to highlight the uncontrollable flux of everyday situations. In recent years, I have been exploring the theme of home, as both a tangible and psychological space. At Sagamie, I will be continuing this work with a series of performative images created specifically for the camera.

Since 1992 the work of Montreal artist, Rachel Echenberg, has been exhibited, performed and screened across Canada as well as internationally in Belgium, Chile, Czech Republic, England, France, Germany, Israel, Italy, Japan, Lebanon, Morocco, Northern Ireland, Poland, Portugal, Switzerland and the United States. Many of her videos are available through Vidéographe Distribution in Montreal. Echenberg holds a BFA from the Nova Scotia College of Art and Design in Halifax, Canada (1993) and an MA in Visual Performance from Dartington College of Arts in the UK (2004). Rachel Echenberg currently teaches in the Fine Arts Department of Dawson College in Montreal, Quebec.

http://rachelechenberg.net

Edwin Janzen

Edwin Janzen
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Dans ma pratique en arts visuels, je crée des fictions intégrant des concepts tels que la sécurité, la surveillance et les technologies issues de la Guerre froide. J’étudie les mécanismes de la formation de la personnalité et de la constitution de la connaissance dans un climat de suspicion et de pénurie d’information fiable, alors que, autant le public que les législateurs, déplorent les constructions idéologiques sans issue et une sanction dénuée de véritable esprit critique face aux technologies. Je suis aussi intrigué de voir comment, malgré le climat de paranoïa et le militarisme, les nouvelles perspectives dans les domaines de l'art et des sciences ont réussi à pénétrer et à remodeler l’esprit de la population, de chaque côté du Rideau de fer, bien que ce remaniement se soit produit sous des formes variées. Ainsi, mes projets puisent à la culture du politique et du populaire de cette période, s’appropriant les tropes et les styles, les contenus narratifs et les traditions. À cet égard, je m’intéresse tout particulièrement au corpus du cinéma de l’époque de la guerre froide, à la littérature de science-fiction et aux appareils électroniques utilisés par les consommateurs, et c’est pourquoi son vocabulaire vivant transpire dans l'ensemble de mon travail.

Né à Winnipeg, l’artiste en arts visuels, Edwin Janzen, vit présentement à Montréal, où il explore l’imagerie numérique, la photographie, la vidéo, l’installation, le livre d’artiste et divers autres médias. Ses œuvres ont été exposées dans plusieurs galeries à travers le Canada. Edwin a obtenu une maîtrise en beaux-arts à l’Université d’Ottawa en 2010 et un baccalauréat en arts visuels de l'Université Concordia en 2008. En 1993, il a également reçu un baccalauréat en Histoire (empire Byzantin) de l’Université du Manitoba. Edwin siège sur le conseil d’administration d’Articule, un centre d’artistes autogéré.

http://www.edwinjanzen.com/

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Edwin Janzen
Artist in Residence 
 In my visual art practice, I create fantasies of security, surveillance and technology inspired by the Cold War. My work examines how human character and knowledge are formed in a climate of suspicion and a dearth of reliable information, as public and policy makers alike languish in the grip of irresolvable ideological fantasies and an insufficiently critical embrace of technology. I am also intrigued by how, despite this climate of paranoia and militarism, new possibilities in art and science penetrated and reshaped the public mind—on both sides of the Iron Curtain, albeit in different forms. Therefore, my projects draw upon the political and popular culture of the period, appropriating its tropes and styles, narratives and traditions. In this regard, the fields of Cold War cinema, sci-fi literature and consumer electronics are particularly exciting to me, and their vivid aesthetic vocabularies appear and operate throughout my work.

Winnipeg-born, Montreal-based visual artist Edwin Janzen works in digital imaging, photography, video, installation, artist books, and other media. His work has been exhibited in galleries across Canada. Edwin completed his MFA at the University of Ottawa (2010) and his BFA at Concordia University (2008). He also holds a BA in history (Byzantine Empire) from the University of Manitoba (1993). Edwin serves on the board of directors of Articule, a Montreal artist-run centre.

http://www.edwinjanzen.com/

KARINE PAYETTE

KARINE PAYETTE
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)Utilisant principalement le médium de l’installation, mais aussi ceux de la photographie et de la vidéo, Karine Payette réalise des environnements fictifs qui font office d’arrêt sur image et de narration suspendue.

Dans son travail, elle construit de vastes mises en scène oniriques à partir d’objets banals fabriqués de manière hyperréaliste dans le but de produire quelque chose de narratif qui évoque la précarité du monde qui nous entoure. Par l’utilisation ludique d’objets du quotidien transposés dans des situations extraordinaires, elle joue et déjoue notre vision des choses, afin de nous faire réfléchir sur l’instabilité de la matière et des formes avec lesquelles nous cohabitons. Elle s’interroge sur les notions de confort et de contrariété dans un monde en perpétuelle transformation.

Titulaire d’une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’UQAM, Karine Payette vit et travaille à Montréal. Ses oeuvres ont fait l’objet d’expositions individuelles, notamment à la Galerie de l’UQAM (Confort instable, 2012) et à Le lieu, Centre en art actuel à Québec (L’autre dimanche matin, 2012). Elle a également participé à des expositions collectives, en particulier au 31e Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul qui avait pour thème Agir et à l’exposition inaugurale au Centre Bang de Chicoutimi avec son installation À distance perdue. À l’automne 2014, il sera possible de voir ses nouvelles productions au Musée d’art contemporain de Montréal (MACM) dans le cadre de la série documentaire sur l’art contemporain Artistes à l’oeuvre organisée par Arsenal art contemporain, en collaboration avec le MACM. En novembre 2014, elle exposera en solo à la maison de la culture du Plateau-Mont-Royal.

http://www.karinepayette.com

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KARINE PAYETTE
Artist in Residence
Working primarily in the medium of installation, but also that of photography and video, Karine Payette creates fictional environments that function as freeze frames in which narratives are suspended.

In her work, she uses everyday objects to construct extensive dream-like scenes in a hyperrealist manner. These mises-en-scène serve to hint at a potential narrative which evokes the precariousness of our surrounding world. Through the playful use of everyday objects that are transposed into extraordinary situations, she craftily toys with our vision of things, so as to stimulate reflection about the instability of the materials and forms which are part of our living environments. She questions notions of comfort and displeasure in a perpetually transforming world.
Karine Payette, who holds a MFA from UQAM, lives and works in Montreal. Her works have been displayed in solo exhibitions, notably at the Galerie de l’UQAM (Confort instable, 2012) and at Le lieu, Centre en art actuel in Quebec City (L’autre dimanche matin, 2012). She has also participated in group exhibitions, in particular in the 31st International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul held under the theme of To Act, and in the inaugural exhibition of the Centre Bang in Chicoutimi with her installation À distance perdue. In the Fall of 2014, her new works will be shown at the Musée d’art contemporain de Montréal (MACM) as part of the documentary series on contemporary art put together by Arsenal art contemporain, in partnership with the MACM. In November 2014, a solo exhibition of her work is being presented at the Maison de la culture du Plateau-Mont-Royal.

http://www.karinepayette.com

Caroline Boileau

Caroline Boileau
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Depuis 1995, j’utilise l’installation (dessins, objets et photographies), la vidéo et la performance pour examiner les connexions, les zones d’échanges possibles, entre le corps et son environnement. Je conçois le corps comme une construction sociale et, en ce sens, je m’intéresse à l’influence de la médecine  et de l’espace domestique sur la compréhension de ce qui nous constitue comme êtres humains. À travers les différents rôles sociaux que nous habitons et qui nous traversent, ce sont les différentes façons d’habiter, de représenter et de parler du corps qui me fascinent.

Caroline Boileau a participé à plusieurs résidences au Canada et en Europe. Son travail a été présenté lors d’expositions au Canada, aux États-Unis, en Belgique, en Espagne, en Autriche, en Finlande et au Brésil. Elle détient une maitrise de l’université Concordia. Et son travail en dessin est représenté par Espace Robert Poulin à Montréal.

Récemment, elle a présenté La cartographie du soi, dans le cadre des ateliers Êtes-vous allergiques au XXIe siècle? qui accompagnaient l’exposition En imparfaite santé - La médicalisation de l’architecture au CCA (mars-avril 2012); un projet d’occupation et d’habitation du Parc Médéric-Martin, ACUTIS, dans le cadres des Occurrences estivales organisées par le Péristyle Nomade (juillet 2013) ainsi que Points de suspension, une série de performances à la Galerie Leonard-et-Bina-Ellen (décembre 2013). En 2014, elle a présenté l’installation Les envolées dans le cadre du Colis suspect à l’aéroport des Iles-de-la-Madeleine (Admare, janvier-février 2014) et présentera une seconde version de la performance L’incubateur à textes et à dessins dans le cadre de l’événement De part et d’autre de la baie vitrée présenté dans la ville de Québec par Folie culture (septembre 2014).

http://carolineboileau.com/

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Caroline Boileau
Artist in Residence Since 1995, I have been using installation (drawings, objects and photographs), video and performance to explore connections, possible areas for exchanges between the body and its environment. Understanding the body as a social construction, I am interested in the influence of medicine and domestic space on the understanding of what constitutes us as human beings. Through the different social roles that we toy with and come to internalize, I am fascinated by the various ways in which one can inhabit, depict and talk about the body.

Caroline Boileau has participated in residencies in Canada and in Europe. Her work has been presented in exhibitions in Canada, USA, Belgium, Spain, Austria, Finland and Brazil. She holds an MFA from Concordia University and her work in drawing is represented by Espace Robert Poulin in Montréal).

Recently, she presented Mapping the Self as part of the workshops Are you allergic to the 21st Century? accompanying the exhibition Imperfect Health – The Medicalization of Architecture at the CCA (March-April 2012); a public intervention project in the Médéric-Martin Park, ACUTIS, as part of Occurrences estivales presented by Péristyle Nomade (July 2013) and Ellipsis, a series of performances at the Leonard and Bina Ellen Art Gallery (December 2013). In 2014, she presented the installation Les envolées as part of Colis suspect at the Iles-de-la-Madeleine airport (Admare, January-February 2014) and in September, she will be presenting a second version of the performance L’incubateur à textes et à dessins as part of the event De part et d’autre de la baie vitrée organized in Québec City by Folie culture.

http://carolineboileau.com/

Ed Pien

Ed Pien
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)
Mon travail explore la curiosité, l'étonnement et l'émerveillement tout en célébrant diverses façons d’être au monde. Mes recherches actuelles puisent aux discours théoriques et conceptuels portant sur les fantômes et les hantises, demeurant ouvertes à la multiplicité des sens possibles qui en découlent. Ces préoccupations se distillent à l’intérieur de mes travaux récents sous la forme de concepts et d’une gestuelle de la trace; de mouvement, de lumière et d’ombre. En continuité avec mes oeuvres antérieures, mon art se veut un hommage au tangible et à l’intangible, au réel et à l’imaginaire, ainsi qu’au potentiel de transformation.

Ed Pien a obtenu son baccalauréat en beaux-arts de l’Université Western et une maîtrise en beaux-arts de l’Université York. Son travail a été exposé au Victoria and Albert Museum de Londres, au Goethe Institute, à Berlin; au Musée des beaux-arts de l’Ontario; au Musée des beaux-arts, ainsi qu’au Musée d’art contemporain de Montréal; au Songzhuang Art Centre de Beijing, de même qu’au Musée des beaux-arts du Canada. Parmi ses expositions importantes récentes, mentionnons la Biennale de Sydney et de Moscou, ainsi que Oh Canada au MASS MoCA. Pien enseigne à temps partiel au département des Visual Studies de l’Université de Toronto. Il est représenté par Pierre-François Ouellette Art Contemporain, à Montréal; par Birch Contemporary, à Toronto; ainsi que par la Galerie Maurits van de Laar, de La Haye.
Ed Pien
Artist in Residence

Through my work I explore curiosity, wonder, and enchantment, while celebrating diverse ways of being in the world. My current research draws from conceptual and theoretical discourses of ghosts and hauntings and the many possible meanings they engender. In my most recent works, these interests are being distilled into concepts and gestures of the trace as well as movement, light, and shadows. Consistent with my previous works, my art celebrates the tangible and intangible, the real and the imagined, as well as the potentiality of transformation.

Ed Pien received his BFA from UWO and MFA from York University. He has shown work at the Victoria and Albert Museum (London), The Goethe Institute (Berlin), the Art Gallery of Ontario; the Musée des beaux arts and Musée d’Art Contemporain (Montreal); Songzhuang Art Centre (Beijing) and the National Art Gallery of Canada. Recent major exhibitions include the Sydney Biennale, the Moscow Biennale, and Oh Canada at MASS MoCA. Pien teaches part-time in the Visual Studies Department at the University of Toronto and is represented by Pierre-François Ouellette Art Contemporain, Montreal; Birch Contemporary, Toronto; and Galerie Maurits van de Laar, The Hague.

Lorna Bauer

Lorna Bauer 
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Dans mon travail, je m’intéresse principalement au phénomène des lentilles en photographie, au cinéma et en vidéo. Mes œuvres interpellent les aspects moins visibles de la production artistique et, dans certains cas, elles analysent la construction de l’image représentée et médiatisée. Mes projets prennent habituellement la forme de créations liées à des sites historiques et leur réalisation peut s’échelonner sur plusieurs mois. Ces œuvres émanent d'une recherche portant sur un site spécifique et se prolongent dans des œuvres rigoureuses répondant à un contexte donné. Bon nombre de mes recherches sont issues d’un intérêt pour l’architecture, pour le plan urbain, ainsi que pour les histoires personnelles liées à un lieu en particulier. Ma pratique fait appel à la déconstruction et à la reconstruction des formes (collage, images superposées), elle questionne également la fonction des objets et la nature de leur représentation.

L’artiste Lorna Bauer vit et travaille à Montréal. Ses œuvres ont fait l’objet d’expositions individuelles à la Galerie Nicolas Robert, à Sporobole, chez YYZ Artist Outlet, à la galerie Les Territoires, au centre d’art de l’Université de Toronto, ainsi qu’au Projection Access Space de l’Art Gallery de Mississauga. Son travail a récemment été présenté dans le cadre des expositions Le travail qui nous attend au Musée d'art contemporain de Montréal et Decisive Moments, Somewhere Else chez Trinity Square Video, à Art Metropole, ainsi qu’à la Convenience Gallery (en compagnie de Jon Knowles). En 2012, Lorna Bauer a obtenu une résidence dans le cadre d’un échange Québec-New-York et au Couvent des Récollets à Paris en 2013. Ses œuvres seront sous peu présentées lors d’une exposition individuelle à Kingston chez Modern Fuel, de même qu’à Montréal, chez Dazibao.

http://www.lornabauer.com/
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Lorna Bauer 
Artist in Residence

My work is primarily lens based working in photography, film, and video. I use my work to question - in a reflective way- the less visible aspects of making art, at times analyzing how images are constructed, represented and mediated. Projects are generally characterized as historical site related works made over several months and develop out of site-specific research, leading to precise works that respond to a given context. Many of these works begin out of an interest in the architecture, the urban plan, and personal histories of a particular place. My practice involves deconstruction and reconstruction of forms (collage, images superimposed) including an interest in the function of objects and the nature of their representation.

Bauer lives and works in Montreal. She has presented her work in solo exhibitions at Galerie Nicolas Robert; Sporobole; YYZ Artist Outlet; Gallery Les Territoires; The University of Toronto Art Centre and in the Projection Access Space at the Art Gallery of Mississauga. Recently, Bauer’s work was included in The Work Ahead of Us at the Musée d'art Contemporain de Montréal; Decisive Moments, Somewhere Else at Trinity Square Video, Art Metropole and Convenience gallery (w Jon Knowles). Bauer has been awarded two Conseil des Arts et Lettres studio residencies, one in New York City as part of the Québec-New York State residency exchange (2012), and the other at the Couvent des Récollets, in Paris (2013). Upcoming activities include a solo exhibition at Modern Fuel in Kingston and Dazibao in Montreal.

http://www.lornabauer.com/

Mériol Lehmann

Mériol LehmannTerres(English follows)
EXPOSITION du 17 avril 2014 au 4 juillet 2014
VERNISSAGE le jeudi 17 avril 2014 à 17h00

Terres est un projet artistique débuté lors d’une résidence de création au centre d’artistes SAGAMIE d’Alma, dans la région qui m’a vu grandir. Après avoir été accaparé dans les dernières années par l’impact de l’industrialisation sur le développement urbain, j’ai ressenti le besoin de reconnecter avec mes racines, de retourner dans le territoire rural. Il semble toutefois que la réalité nous rattrape toujours : toutes ces questions du poids de l’homme sur son environnement se sont bien vite retrouvées sur la table. Depuis les 30 dernières années, la campagne québécoise a subi des changements profonds dus à l’industrialisation de l’agriculture : les intégrateurs porcins, les monocultures, la mécanisation à outrance, la rationalisation des fermes; tout cela modifie en profondeur le paysage rural qui semble malgré tout garder son apparence bucolique pour les urbains. Terres est le résultat de ces errances dans les territoires de mon adolescence, à rechercher des paysages disparus.

Né en Suisse, mais vivant au Québec depuis de nombreuses années, Mériol Lehmann œuvre en arts médiatiques et en photographie. Son travail a notamment été présenté au Mois Multi, au Festival de cinéma des 3 Amériques et à VU PHOTO à Québec, au Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville et à la Galerie B-312 à Montréal, que ce soit sous forme de performance, d’installation ou d’exposition. À travers sa pratique, l’artiste s’interroge vivement sur la thématique des paysages altérés par l’homme et s’intéresse, entre autres, à l’impact de l’industrialisation sur le territoire. Parallèlement à sa carrière artistique, Mériol Lehmann réalise la conception sonore et musicale d’œuvres théâtrales et chorégraphiques. Il assume également la fonction de directeur général chez Avatar à Québec.

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EXHIBITION April 17, 2014 / July 4, 2014
Opening Thursday, April 21, 5 p.m

Terres is an artistic project that began during a creation residency at the Sagamie artist centre, which is located in the region where I grew up. After several years of focusing primarily on the impact of industrialization and urban development, I felt compelled to reconnect with my roots and to return to a rural territory. However, it appears that there is no way of escaping reality: all these questions of humanity’s impact on the environment were soon back on the table. Over the last 30 years the Quebecois countryside has undergone profound changes due to the industrialization of agriculture: vertically integrated hog farming, monoculture, excessive mechanization, streamlined agricultural production; all this has profoundly modified the rural landscape, which nevertheless still appears to be bucolic in the eyes of city dwellers. Terres is the result of these wanderings through the territories of my adolescence, in search of vanished landscapes.

Born in Switzerland, Mériol Lehmann has resided in Quebec for a number of years. Whether in the form of performances or installations, his works in media arts and photography have been presented at numerous events, including Mois Multi, Festival de cinéma des Trois Amériques, VU PHOTO, FIMAV and Galerie B-312. He is currently working on man-altered landscapes, especially those impacted by industrialization. In addition to his artistic projects, he is involved in sound design and musical creation for dance and theatre. He is also Avatar’s director.

Diane Gougeon

Diane Gougeon
Artiste en résidence / Artist in Residence (English follows) 

Son projet le plus récent rassemble deux ensembles d'images collectées par l'artiste. Durant plusieurs mois, elle a extrait les traces banales laissées par la technologie sur les éléments naturels de son environnement proche. Une série de silhouettes d'arbres déformés par le câblage électrique y rencontre pour la première fois des amoncellements de neige maculés par les résidus de sable, de gravier et transformés par les effets des dégels fréquents de l'hiver. À partir de ces images opposées, Diane Gougeon compose un vaste paysage à la croisée de l'installation et de la photographie, destiné à devenir une œuvre interactive et animée.

Le travail de Diane Gougeon s'immisce dans le rapport complexe entre nature et technologie. Ses installations sont présentées à l'échelle d'espace d'exposition pour reproduire les changements d'états présents dans la nature et revisiter ce monde à travers le prisme de technologies familières, sans pour autant qu'elles s'imposent. Invitation à la contemplation, ses œuvres proposent des expériences sensibles où la matière se modifie devant le spectateur. Elles invitent également à faire face à notre rapport accéléré au monde et à porter un regard critique sur les enjeux écologiques et technologiques de notre quotidien.

Les œuvres de Diane Gougeon ont fait l'objet de nombreuses expositions individuelles. Récemment exposées au Centre d’exposition Plein Sud (Longueuil, 2013)  et à Artspace (Peterborough, 2012), elles ont été présentées au Canada (Halifax, Moncton, Québec, Toronto) et à l'international (Services culturels canadiens, Paris, centre d'art contemporain Passages , Troyes) depuis une vingtaine d'années. Diane Gougeon a réalisé plusieurs projets d'art public au Québec et compte trois publications monographiques sur son travail.

http://www.dianegougeon.ca/

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Diane Gougeon
Artist in Residence
The artist’s most recent project brings together two groups of images she has collected. Over several months, she has recorded commonplace traces left by technology on natural elements in her immediate environment. In this work, a series of silhouettes of trees, deformed by the passage of electric cable, will for the first time meet surfaces of snow dotted with residues of sand and gravel, and transformed by the effects of frequent winter thaws. With these opposing images, Diane Gougeon will compose a vast landscape joining installation and photography that will become an interactive and animated work.
Diane Gougeon inserts her practice into the complex relationship between nature and technology. Her installations are presented on the scale of the exhibition space in order to reproduce changes of state in nature and to revisit these phenomena through the prism of familiar technologies, whose presence does not, however, overwhelm. Her works invite contemplation, and they offer sensory experiences wherein matter is modified before the viewer’s eyes. The works are equally an invitation to face our accelerated relationship to the world and to cast a critical look upon the ecological and technological issues in our daily lives.
Over the last twenty years Diane Gougeon’s works have been featured in numerous solo exhibitions in Canada (Halifax, Moncton, Ottawa, Quebec, Toronto) and abroad (Services culturels canadiens, Paris, Centre d'art contemporain Passages, Troyes), and more recently at the Centre d’exposition Plein-Sud (Longueuil, 2013) and at Artspace (Peterborough, 2012). Diane Gougeon has created several public art works in Quebec, and her art has been the subject of three monographic publications.

http://www.dianegougeon.ca/

Manon Pelletier

Manon Pelletier
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Je questionne la matérialité de la peinture par superposition, juxtaposition et addition à des technologies actuelles sous le thème monstration, comme action de montrer, comme écho au mot monstre, et de la révélation fortuite d’expressions trop humaines. Les univers que j’aborde sont ludiques et ouverts à l’interprétation, je revisite la mémoire à l’aide de symboles intemporels, spirituels, voire irréels, je joue sur les ambigüités.
Je personnifie mon sujet par voie de difformité de la forme physique et humaine amenant le spectateur à contempler dans l’œuvre un dispositif d’éléments déstabilisateurs, soulignant ici l’émotion. Prétexte à rechercher au plus profond de l’émotion, un prétexte à construire. À la base du travail formel de la composition de l’œuvre se révèle un état d’âme, de type poétique. Est-il soutenable à regarder en face, notre propre regard ou encore le regard que les autres portent sur nous, voire la peur que l’on a de se voir dans le regard de l’autre? Effet miroir ou vertige de l’abîme?

Me référant aux notions de la 'Pataphysique d’Alfred Jarry, et transposées aux arts visuels, je fragmente mes œuvres réalisées antérieurement pour en faire mon matériel ou médium à composer une nouvelle œuvre, de l’ordre d’une destruction constructive.

Née au Québec, Manon Pelletier détient une maîtrise en arts plastiques de l’Université du Québec à Montréal. Boursière du Conseil des arts et des lettres du Québec et du Conseil des arts du Canada, plusieurs de ses œuvres font partie de collections publiques et privées: Québec, France, Belgique, Russie.

http://manonpelletierartsvisuels.com/

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Manon Pelletier
Artist in Residence
Through superposition, juxtaposition and the addition of current technologies, I question the materiality of painting under the theme of “monstration” (from the Latin monstrare, meaning to show), as an act of showing, as an echo to the word monster, and the fortuitous revelation of all too human expressions. The worlds that I explore are playful and open to interpretation, I revisit memory by way of timeless, spiritual and even unreal symbols, I play on ambiguities. I personify my subject by distorting its physical and human form to create a work in which the viewer contemplates an assemblage of destabilizing elements that foreground emotion. A pretext to explore the deepest depths of emotion, and a pretext to build. Behind the work’s formal composition, a fundamental state of mind of a poetic nature makes itself manifest. Is it tolerable to face one’s own gaze, or further still the gaze that others direct toward us, not to speak of the fear of seeing oneself in the gaze of the other. Mirror effect or dizziness before the abyss?

In transposing Alfred Jarry’s ideas about 'Pataphysics to the visual arts, I fragment my previously created works to use them as my material or medium to compose a new work, according to a process of constructive destruction.

Manon Pelletier was born in Quebec. She holds an MFA from the Université du Québec à Montréal. She has received grants from the Conseil des arts et des lettres du Québec and the Canada Council for the Arts. Many of her works are part of public and private collections in Quebec, France, Belgium and Russia.
http://manonpelletierartsvisuels.com/

Jean-Maxime Dufresne Virginie Laganière

Jean-Maxime Dufresne
Virginie Laganière
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Jean-Maxime Dufresne et Virginie Laganière collaborent sur une base régulière depuis 2003. Leur travail commun développe des idées sur la transformation de l’environnement construit et de territoires urbains, en manifestant un intérêt pour des questions sociopolitiques, la psyché humaine ou des phénomènes insoupçonnés. Entre fiction et documentaire, celui-ci s’incarne dans une approche protéiforme réunissant l’installation, la photographie, la vidéo, le son et la collecte de données. Leur recherche en cours s'intéresse aux réalités post-olympiques souvent controversées, complexes et liées à de profondes transformations urbaines et sociales. En s’attardant à certains sites des Jeux Olympiques des dernières décennies, le travail proposé chez Sagamie explore le potentiel d’adaptation architecturale, symbolique et sociale spécifique à ces lieux et la place que ceux-ci occupent dans l’imaginaire collectif. Initié en 2012 lors d’une résidence à Barcelone, ce projet s’est poursuivi depuis à Beijing, Athènes, Sarajevo et Montréal. Ce premier chapitre fera l’objet d’une installation photographique au Centre VU en 2014.

Vivant tous deux à Montréal, la nature anthropologique de leurs recherches les a récemment amenés à œuvrer dans différents contextes de résidences à l’étranger, tels qu'au Inside Out Art Museum à Beijing (Chine), Homesession à Barcelone (Espagne), Finnish Artists Studio Foundation à Espoo-Helsinki (Finlande), Fondation Christoph Merian / iaab à Bâle (Suisse) et bientôt à la Titanik Gallery à Turku (Finlande). Outre leur travail individuel, ils ont pu montrer leurs installations multipartites dans des expositions au Québec et à l’international, dont tout récemment à la Fonderie Darling et au Centre Canadien d’Architecture (CCA).

http://www.virginielaganiere.com
http://www.jmdufresne.wordpress.com

Les artistes remercient le Conseil des arts et des lettres du Québec et la SODEC pour leur soutien.

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Jean-Maxime Dufresne
Virginie Laganière
Artist in Residence

Jean-Maxime Dufresne and Virginie Laganière have been collaborating on a regular basis since 2003. Their work investigates transformations in the built environment and urban territories, tying those to sociopolitical issues, the human psyche and unresolved phenomena. Drawing from fictional and documentary strategies, their work primarily uses installation, photography, video, sound recording and data collecting. Their ongoing research explores the complexity of post-olympic realities that are often deemed controversial as they generate profound changes in the urban and social fabric of cities. With a focus on certain Olympic sites of the last decades, the work at Sagamie attempts to unearth the potential of their architectural, symbolic and social adaptation, as well as the place these sites hold in the collective imaginary. This research was initiated in 2012 during a residency in Barcelona and has since been carried on to Beijing, Athens, Sarajevo and Montreal. A first instalment of their photographic installation will be exhibited at Centre VU later in 2014.

While both artists are Montreal-based, the anthropological nature of their work has recently led them to participate in art residencies abroad, such as the Inside Out Art Museum in Beijing (China), Homesession in Barcelona (Spain), Finnish Artists Studio Foundation in Espoo-Helsinki (Finland), Fondation Christoph Merian / iaab in Basel (Switzerland) and the Titanik Gallery in Turku (forthcoming, Finland). Their individual and collaborative work has been exhibited in different venues in Québec and internationally, most recently at the Darling Foundry and the Canadian Centre for Architecture (CCA).

http://www.virginielaganiere.com
http://www.jmdufresne.wordpress.com

The artists would like to acknowledge the support of the Conseil des arts et des lettres du Québec and the SODEC.

Victoria Stanton

Victoria Stanton
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Victoria Stanton (Montréal, Canada) est une artiste interdisciplinaire dont le travail explore l’action en direct, les interactions humaines, la vidéo, le film, la photo, le dessin et l’écriture. Exerçant sa pratique à travers une grande variété de médias, sa démarche se manifeste selon des formules très diverses. La performance demeure toutefois invariablement au cœur de son œuvre. Ainsi, son travail axé sur la problématique du temps adopte différentes formes : performance sur la scène ou devant la caméra, actions dans les espaces publics ou rencontres dans un cadre plus intime et individuel. Qu’il s’agisse d’une œuvre exigeant la participation du public, l'écoulement d'un certain laps de temps, l’exécution de tâches définies ou d’œuvres audiovisuelles, elles constituent un questionnement relatif à la capacité (et au désir) d’occuper un espace, de s’approprier et de perturber le quotidien, de créer spontanément un climat d’intimité, ou d’approfondir la notion de vulnérabilité. Sa pratique s’attache à la présence dans un cadre « performatif », de même qu’à l’état de conscience au sein d’espaces et de temporalités multiples. Elle met en évidence la complexité des différents aspects de la « transaction », ainsi que la perspective d’une transformation.

Les œuvres de Victoria Stanton, de même que ses films et ses vidéos ont été présentés dans le cadre d’expositions, de performances et d’interventions diverses au Canada, aux États-Unis, en Europe, au Royaume-Uni, en Australie, au Japon et au Mexique. Ses écrits, relevant du domaine de la création ou de la critique, ont été publiés dans des anthologies et des magazines associant arts, littérature et mode de vie au Canada et aux États-Unis. En mars 2013, l’un de ses textes fut parmi les finalistes dans le cadre du Prix de la SODEP. Avec Vincent Tinguely, elle est également coauteure de l’ouvrage Impure: Reinventing the Word (Conundrum Press, 2001). Enfin, elle travaille présentement en compagnie du collectif TouVA (regroupant également Anne Bérubé, Sylvie Tourangeau) à la rédaction d’un deuxième titre, offrant une réflexion sur la pratique de la performance et sur la question du « performatif ».

http://www.bankofvictoria.com

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Victoria Stanton
Artist in Residence

Victoria Stanton (Montreal, Canada) is an interdisciplinary artist working with live action, human interaction, video, film, photo, drawing, and writing. Continually exploring within such diverse media, while the outward results of her practice manifest in a multiplicity of forms, performance is the unifying central focus and invariable core of her research. Her time-based work includes performance for stage, performance for the camera, actions in public spaces, and one-on-one encounters in intimate contexts. Whether participatory, durational, task-based or audio-visual, her work is an investigation into the ability (and the desire) to hold a space, to appropriate and disrupt the quotidian, to create spontaneous intimacy, to tread vulnerability. Investing a performative presence and consciousness within multiple spaces / times, she continuously underscores the complex aspects of “transaction” and the possibility for transformation.

Stanton has presented exhibitions, performances, interventions, and films/videos in Canada, the U.S., Europe, the U.K., Australia, Japan and Mexico. Her creative and critical writings have been published in Canadian and American anthologies and art/literary/lifestyle magazines, with one of her articles garnering a finalist position for the Prix de la SODEP in March 2013. She is the co-author with Vincent Tinguely of Impure: Reinventing the Word (conundrum press, 2001) and is currently working on a new book with the TouVA Collective (comprised of Anne Bérubé, Sylvie Tourangeau and Stanton) developing salient notions on how performance is practiced and on the question of “the performative”.

http://www.bankofvictoria.com

Caroline Hayeur

Caroline Hayeur
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

ADOLAND : PHOTOGRAPHIE & VIDÉO

Réalisée entre 2011 et 2014, la nouvelle série photographique de Caroline Hayeur, ADOLAND, prend pour théâtre d’opérations la chambre d’adolescent. L’artiste a activé un va-et-vient dans le temps. D’un côté, elle rencontre plusieurs adolescents qui lui ouvrent la porte de leur antre. Lieu de projection de soi, cette pièce est une réserve intarissable. De l’autre, elle fait témoigner des adultes sur leur jeunesse et accède à des souvenirs plus ou moins enfouis. Au fil de la recherche de terrain, il s’avère que pour plusieurs de ces ex-ados leurs chambres sont préservées comme un mausolée. Archéologie de différentes époques, mais du même passage à l’âge adulte, la chambre d’ado constitue un terreau fertile pour la photographie.

ADOLAND est exposé du 15 mars au 27 avril 2014 à la maison de la culture de Côte-des-Neiges : 5290, Ch. de la Côte-des-Neiges, Montréal - 514 872-6889. Vernissage : mercredi 26 mars de 17 à 19 h.

Caroline Hayeur remercie le Conseil des arts et des lettres du Québec pour son soutien.

Caroline Hayeur – http://www.art.carolinehayeur.com – vit et travaille à Montréal où elle est membre du collectif Agence Stock Photo. Elle expose en solo au Zoom Photo Festival Saguenay 2013, à ManifestO – festival d’images (Toulouse, 2013), au Musée d’art de Joliette (2010) et dans les centres d’artistes : VU (Québec, 2010), Action Art Actuel (Saint-Jean-sur-Richelieu, 2007), CLARK (2003).
Avec l’ONF, elle mène une collaboration régulière : 24 poses féministes – Un éditorial photographique avec 6 jeunes féministes en 2012 [http://24poses.onf.ca], mais aussi avec Habiter – Au-delà de ma chambre en 2011 [http://habiter.onf.ca].

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Caroline Hayeur
Artist in Residence


ADOLAND: PHOTOGRAPHY & VIDEO

Created between 2011 and 2014, the ADOLAND project uses the adolescent's bedroom as the theater of operations. Caroline Hayeur has enabled an opportunity for time travel through the current and past adolescence of her thirty subjects. She met teenagers who allowed her to enter their private lair. Their bedrooms turned out to be an infinite reserve of stories that reveal their inner and projected selves, their emerging individuation. She also gathered “testimony” from adults about their own youth, accessing memories that had been buried to various degrees. Through her research, she discovered that the rooms of several of these former teenagers are preserved as mausoleums of sorts. As archeology from different eras, but representing the same passage to into adulthood, the teenager's bedroom is fertile ground for photography.

ADOLAND will be presented from March 15 to April 27, 2014 at maison de la culture de Côte-des-Neiges: 5290, Ch. de la Côte-des-Neiges, Montreal - 514 872-6889. Opening: Wednesday, March 26 from 5 to 7 pm.

Caroline Hayeur thanks the Conseil des arts et des lettres du Québec for their support.

Catherine Plaisance

Catherine Plaisance
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

La pratique de Catherine Plaisance se caractérise par une recherche axée essentiellement sur l’esthétique de la catastrophe. Pour explorer ce sujet, elle se sert de divers médiums comme la photographie, la vidéo, le collage et le dessin. Son travail récent emploie les propriétés de la miniature pour créer des scènes dans lesquelles le paysage est bouleversé par un événement venant rompre le déroulement normal du cours des choses. Ces événements deviennent ensuite image, en étant retranscrits par la photographie et la vidéo. Transdisciplinaire, la mise en espace de ces diverses retranscriptions propose l'existence de différents niveaux de réalité régis par des logiques différentes.

Catherine Plaisance présenta son travail entre autres à la Galerie Sans Nom (Moncton, 2004), à la Maison de la culture Mont-Royal (Montréal, 2008), à la Galerie SAS (Montréal, 2009), à la Galerie Simon Blais (Montréal, 2011), au centre VU Photo ainsi qu’à La Bande Vidéo (Québec, 2012). Elle prépare actuellement l’exposition individuelle Désolation qui sera présentée à la Maison du développement durable en février 2014 ainsi que Désordre à la Galerie BAC en mars 2014. Elle prit part à de nombreuses expositions collectives dont Manif d’art 3, la Biennale de Québec (2005), (Im)mortal Love International Biennial Warsaw (2007), Peep Art/Art Voyou (L’Écart, 2009) et la 16e édition de la Biennale Internationale de l’Image de Nancy (2010). Elle fut active au sein du collectif d’artistes Les Fermières Obsédées de 2001 à 2009. Elle est boursière du Conseil des arts et des lettres du Québec et du Conseil des arts du Canada et fut récipiendaire du Prix Sylvie et Simon Blais 2011 pour la relève. Catherine Plaisance détient une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’UQAM, laquelle fut financée par le Fonds québécois de recherche sur la société et la culture. Elle vit et travaille à Montréal.

http://www.catherineplaisance.com

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Catherine Plaisance
Artist in Residence

Catherine Plaisance’s practice is characterized by an inquiry that is primarily informed by an aesthetics of catastrophe. She uses various media, such as photography, video, collage, and drawing to explore this subject. Her recent work draws on the miniature form to create scenes in which the landscape is disrupted by an event that derails the everyday course of things. Transcribed via photography and video these events subsequently take shape as an image. The transdisciplinary spatial display of these various retranscriptions suggests the existence of different levels of reality, which are governed by diverse logics.

Catherine Plaisance’s work has been shown, among others, at Galerie Sans Nom (Moncton, 2004), at the Maison de la culture Mont-Royal (Montreal, 2008), at Galerie SAS (Montreal, 2009), at Galerie Simon Blais (Montreal, 2011), at the VU Photo centre as well as at La Bande Vidéo (Quebec City, 2012). She has taken part in several group shows, including Manif d’art 3, the Quebec Biennial (2005), (Im)mortal Love International Biennial Warsaw (2007), Peep Art/Art Voyou (L’Écart, 2009), Crafting Romance (ATHICA, 2009), the 16th edition of the Biennale Internationale de l’Image de Nancy (2010) and La loi du nombre (Galerie Simon Blais, 2012). She was an active member of the Quebec City artist collective Les Fermière Obsédées from 2001 to 2009. She has received grants from the Conseil des arts et des lettres du Québec and the Canada Council for the Arts and was the recipient of the 2011 Sylvie & Simon Blais Prize for emerging artists. Catherine Plaisance holds a Master’s degree in Visual and Media Arts from UQAM, which was funded by the Fonds québécois de recherche sur la société et la culture. She lives and works in Montreal.

http://www.catherineplaisance.com

Chloé Beaulac

Chloé Beaulac
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Chloé Beaulac est une artiste multidisciplinaire qui vit et travaille principalement à Montréal. Elle obtient un baccalauréat en Arts visuels avec une mineure en Print Media à l’Université Concordia en 2010.

La place de l’humain dans la nature et dans l’histoire est au centre de la pratique artistique de Beaulac. À la manière d’une exploratrice, elle parcourt un territoire et se laisse imprégner par l’histoire, les mythes et la personnalité qu’il dégage. Elle saisit une grande quantité d’images photographiques desquelles elle tire par la suite les éléments (espaces ou objets) qui formeront la trame narrative ou symbolique des œuvres. À partir de cette documentation, un rapport mnémonique s’établit dans la création de l’œuvre entre le lieu d’origine, l’émotion ou l’impression vécue et l’interprétation subséquente. Par un processus de déconstruction-reconstruction, elle crée une iconographie personnelle.

Beaulac partage ces entretiens avec la nature et fait revivre cet éveil des sens au spectateur à travers la sérigraphie, le dessin, la peinture, la sculpture et les arts d’impression. Ainsi, Beaulac offre au spectateur des espaces surnaturels à explorer à son tour. Son travail est fortement dirigé par sa quête philosophique personnelle, et est donc, au travers de manipulations symboliques, autobiographique.

Beaulac a exposé à travers le Canada et à l’étranger. Outre avoir reçu de nombreux prix et distinctions pour son travail, ses œuvres se retrouvent dans plusieurs collections privées et publiques au Canada et à l’international.

http://www.chloebeaulac.com/

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Chloé Beaulac
Artist in Residence

Chloé Beaulac is a multidisciplinary artist living and working mainly in Montréal. She graduated in 2010 from Concordia University with a Bachelor of Fine Arts, majoring in Print Media.

Understanding our role in nature and history is at the heart of Beaulac's artistic pursuit. In the manner of an explorer, she travels a territory letting it infuse her with its history, myths, and personalities. Having shared these encounters with nature, Beaulac can allow her audience to relive an awakening of the senses through her screenprints, drawings, paintings, sculptures and multimedia works. Her process of deconstruction and reconstruction is Beaulac's way of recreating the ephemeral nature of epiphanies. She studies events that have the power to evoke a sense of personal transformation, drawing upon their various spaces, objects and relationships in order to reproduce or capture the essence of their transformative qualities. By virtue of this process, Beaulac offers her audience supernatural environments to explore at their own accord.

Beaulac's artworks have been exhibited across Canada and abroad. She has received numerous prizes and distinctions, her works can be found in many private and public collections, both in Canada and internationally.

http://www.chloebeaulac.com/

Carole Baillargeon

Carole Baillargeon
Artistes en résidence / Artists in Residence
(English follows)

Dans mon travail, le corps humain, quoique toujours évoqué, est présent dans l’absence. Cette singularité révèle un jeu mnémonique accentué par le choix des matériaux, le processus de réalisation et le sujet. Des associations d’idées, qui allient des éléments imaginaires et des expériences de source historique, universelle ou individuelle, sont transposées dans des assemblages de matériaux provenant d’objets du quotidien ou de matériaux bruts transformés.

Mon projet de résidence à Sagamie est un laboratoire de recherche qui me permettra de me familiariser avec le médium numérique, tout en continuant une recherche sur la silhouette humaine mise en scène dans des contextes intemporels. Il fait suite au projet des Paysages vêtements constitué de quatre expositions évoquant les saisons et métaphoriquement le cycle de création.

Née à Québec, Carole Baillargeon vit et travaille à Deschambault et à Québec. Elle a complété une scolarité de doctorat en Étude et pratique des arts à l’Université du Québec à Montréal, une maîtrise en arts visuels et un baccalauréat en scénographie à l’Université Concordia à Montréal. En 2000, elle recevait le prix du Rayonnement international décerné par le Conseil de la culture des régions de Québec et Chaudière-Appalaches et en 1993, le premier prix de la Biennale Découvertes. Boursière du Conseil des arts et lettres du Québec et du Conseil des arts du Canada pour des projets de création, de perfectionnement et de déplacement, elle a à son actif une trentaine d’expositions solo et plus d’une centaine d’expositions collectives présentées au Canada et à l’étranger.

Photo: Érick Labbé

Paysages-vêtements, Hiver

http://www.carole-baillargeon.ca

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Carole Baillargeon

Artists in Residence

In my work, the human body is continually evoked, although its presence is always absent. This singularity is the result of a mnemonic game accentuated by the choice of materials, the work process and the subject. Associations of ideas, uniting imaginary elements with historical experiences, both individual and universal, are transposed in arrangements of everyday objects or transformed raw materials.

During my artistic residency at Sagamie, my project will be a research laboratory allowing me to familiarize myself with the digital medium while continuing my exploration of the human silhouette inserted in timeless contexts. This is a follow-up to my Paysages-vêtements project comprising four exhibitions evoking the seasons and, metaphorically, the cycle of creation.

Born in Quebec City, Carole Baillargeon divides her time between Deschambault and Quebec City. She completed her doctoral studies in the Study and Practice of Arts at the Université du Québec à Montréal, a Master’s in Fine Arts and a Bachelor’s in Scenography at Concordia University in Montreal. In 2000, she was awarded the Prix du Rayonnement international by the Conseil de la culture des régions de Québec et Chaudière-Appalaches and in 1993, first prize at the Biennale Découvertes. She has received support from the Conseil des arts et lettres du Québec and the Canada Council for the Arts for her creative work, her research and her travels. Her work has been presented in thirty solo exhibitions and over one hundred group exhibitions in Canada and abroad.

Photo: Érick Labbé
Paysages-vêtements, Hiver

http://www.carole-baillargeon.ca

Hélène Lord

Hélène Lord
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Dans mes dessins, sculptures et installations, j’observe, note, mesure, trace la portée des jours.Tel un paysage aux horizons multiples, c’est à travers l’objet familier empreint d’images et de mémoire que j’essaie de comprendre le monde. Mon regard s’attache particulièrement à l’espace culturel et social, au paysage ainsi qu’au dépaysement. J’observe l’apport fondamental du climat dans la fabrication du quotidien, de l’image de soi et celle de l’autre.

La forme elliptique du fragment me permet de réfléchir à l’identité, à la précarité et l’altérité de la vie humaine. Cette réflexion s’insère dans mon processus de création qui explore les potentialités métaphoriques de l’objet trouvé ou récupéré. Subvertis de leur sens originel, ces petits vestiges du quotidien sont les témoins silencieux de nos vies intimes et collectives, réelles et imaginaires.

Ma pratique est hybride, ma démarche créatrice se nourrit de l’interaction entre le dessin, la sculpture et la photographie, transgresse les limites formelles de ces disciplines. Souvent, j’intègre le dessin à l’objet sous forme de gravure, d’empreintes, de broderie et d’écriture. Mes méthodes de travail procèdent de l’assemblage par la mise en relation du sujet et de l’objet à travers la mémoire.

Hélène Lord vit et travaille à Montréal. Elle a présenté son travail dans de nombreuses expositions individuelles et collectives au Québec, au Canada, au Brésil et en Europe. Son travail l’a amenée à faire plusieurs résidences d’artistes notamment au Centre EST NORD EST à Saint-Jean-Port-Joli, le Banff Centre en Alberta, à Belém au Brésil et plus récemment au studio du Québec à Londres. Ses oeuvres font partie de collections publiques et privées.

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Hélène Lord
Artist in Residence

In my drawings, sculptures and installations, I observe, document, measure and trace the sweep of the passing days. Like a landscape with multiple horizons, familiar objects are imbued with imagery and memory and it is through these that I attempt to understand the world. I focus primarily on cultural and social space, on disorientation as well as landscape. I observe the crucial impact of climate on the unfolding of daily life and one’s image of oneself and of the other.

The elliptical form of the fragment allows me to probe the notion of identity, the flimsiness and otherness of human life. This speculation is part and parcel of my creative process, an exploration of the metaphorical potential of the found or salvaged object. Deprived of their original significance, these small vestiges of daily life are the silent witnesses of our intimate and collective lives, real and imaginary.

My artistic practice employs a hybrid approach fueled by the interaction of drawing, sculpture and photography, moving beyond the formal limits of these individual disciplines. I will often integrate drawings into the object by means of engraving, printing, embroidery and writing. I employ the technique of assemblage to establish relationships between subject and object through the prism of memory.

Hélène Lord lives and works in Montreal. Her work has been featured in numerous group and solo exhibitions in Quebec, Canada, Brazil and Europe. She has completed several artistic residencies at the Centre EST NORD EST in Saint-Jean-Port-Joli, the Banff Centre in Alberta, in Belém in Brazil and recently at the Quebec studio in London. Her works are included in several private and public collections.

Judith Bellavance

Judith Bellavance
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Que ce soit à titre de peintre ou de photographe, mon travail se démarque par le langage poétique. Je suis animée de part et d’autre par mon obsession de l’objet et le plaisir de la collection. C’est d’ailleurs cette obsession qui m'a conduite à la photographie pour enrichir mon travail de peinture. Au fil des années, ce détour par la photographie est passé progressivement d’un ensemble d’images fortes à une œuvre en soi. Un nouveau registre de langage a pris forme alors que les deux techniques se contaminent, sans toutefois se confondre.

Mon travail de création photographique s’inscrit à la croisée d’une dualité entre voyeurisme et pudeur, pour l’obsession des objets et leur rapport fragmentaire au monde. Inspirée par ce qui s’affirme en photographie à travers la mixité, mes œuvres se partagent un espace-temps indéfini et morcelé. De la même façon, mes sujets sont des énigmes frontales qui installent une tension narrative en suspens. Chaque œuvre tente ainsi de mettre en évidence le coefficient de proximité et d’altérité qui définit les sujets et raconte " une histoire de soi " au moyen d’un langage aussi fin qu’ultimement poétique. Il en résulte une œuvre, une somme d’éclats et de chuchotements adressés à l’autre, chaque fois distinctement.

Née à Rimouski, Judith Bellavance vit et travaille à Montréal depuis 1989. Elle a complété un baccalauréat en arts visuels à l’Université Laval à Québec et a poursuivi des études à l’Université du Québec à Montréal. Son travail a été appuyé par le Conseil des arts et des lettres du Québec et le Conseil des arts du Canada. Ses œuvres ont été présentées au Québec, au Portugal, en Espagne et au Japon et se retrouvent dans plusieurs collections publiques et privées. Elle est représentée par Lacerte art contemporain à Québec et à Montréal.

http://www.judithbellavance.com/

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Judith Bellavance
Artist in Residence

As a painter or as a photographer, my work has always been characterized by the use of poetic language. I am driven by an obsession with objects and the pleasure of collecting. It was, as a matter of fact, this obsession which led me to photography as a means of enriching my work as a painter. With the passage of time, this detour into photography has progressed from a collection of powerful images to a creative work in itself. A new form of language began to develop as the two techniques blended into each other while each maintained its unique quality.

My photographic work situates itself at the intersection of prudishness and voyeurism in the obsession for objects and their fragmentary relationship with the world. My works inhabit an indefinite and dislocated space and time, inspired by what photography affirms through the juxtaposition of disparate elements. In this manner, my subjects are frontal enigmas that maintain a suspended narrative tension. Each individual work is an attempt to reveal the full extent of the proximity and otherness which defines the subjects and tells a “story of self” in a language refined to the point of poetry. The completed work is an amalgam of outbursts and whisperings distinctly addressed to the other.

Martin Désilets

Dissolution #2519, 2013, impression au jet d’encre, 100 x 150 cm

Martin Désilets
Artiste en résidence / Artist in Residence (English follows)

Les formes, le vocabulaire et les gestes qui appartiennent au champ de la peinture sont devenus, en quelque sorte, le paradigme à partir duquel j’appréhende non seulement le travail en atelier, mais aussi ma réalité environnante. L’acte de peindre se trouve prolongé par d’autres moyens : l’appareil photographique relayant le pinceau, à travers un processus rigoureux, qui autorise toutefois le plaisir du jeu et une forte dimension aléatoire.

Dans la série Dissolution, je réemploie le vocabulaire de l’abstraction géométrique, en peignant et en découpant des formes que je peux associer librement et réorganiser sur un plan. Je photographie ensuite ces formes, souvent plusieurs centaines de fois, en employant des temps d’exposition relativement longs. J’explore, ce faisant, la combinatoire de plusieurs des paramètres fondamentaux de la peinture et de la photographie : la teinte, la tonalité, la saturation, les contrastes et les divers modes d’application de la peinture ; le déplacement de la caméra lors de la prise de vue, la position du corps dans sa relation au sujet, le flou de bougé et l’effet de filé en photographie.

Sous l’effet du hasard et des mouvements de la caméra, entre l’image et son origine, un écart se creuse. Les formes et les couleurs se démultiplient, se dissolvent, engendrent divers effets visuels. Si la peinture, son vocabulaire et son histoire demeurent le matériau premier de ma pratique de la photographie, leur présence s’avère plus allusive que jamais... dissolue et indéterminée.

Martin Désilets détient une maîtrise en arts plastiques de l’Université de Québec à Montréal. Ses œuvres ont fait l’objet d’une douzaine d’expositions individuelles et de nombreuses expositions collectives.

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Martin Désilets
Artist in Residence

The forms, vocabulary and movements associated with the art of painting have, after a fashion, become the paradigm through which I perceive both my studio work and the reality around me. The act of painting is extended by other means: the lens takes over from the brush through a demanding process that nonetheless authorizes the pleasure of play and a potent aleatory dimension.

In the Dissolution series, I recycle the vocabulary of geometric abstraction by painting and cutting up forms which I can freely bring together and rearrange on a single plan. I then photograph these forms, often several hundred times, using relatively long exposures. In doing so, I explore possible combinations of the fundamental parameters of painting and photography: tint, tonality, saturation, contrast, and the various methods of applying paint; the camera’s movement while capturing a shot, the positioning of the body vis à vis the subject, and the various motion blur effects in photography.

Chance and camera movement combine to create a divergence between the image and its source. Forms and colours proliferate, dissolve, produce visual effects. Though painting, its vocabulary, and its history remain the raw material of my photographic work, their presence is ultimately more allusive than ever, dissipated and indeterminate

Martin Désilets has completed an MFA in visual arts at Université de Québec à Montréal. His work has been featured in a dozen solo exhibitions and in numerous group shows.