Diane Gougeon

Diane Gougeon
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

PAYSAGE NOUVEAU/ prise 2

Diane Gougeon poursuivra son projet "Paysage nouveau" débuté lors d'une première résidence en avril 2014.

Ce projet de travail rassemble deux ensembles d'images qu'elle collecte depuis quelques années. Elle y documente les traces laissées par la technologie sur les éléments naturels de son environnement proche. Une série de silhouettes d'arbres déformés par le câblage électrique y rencontrera pour la première fois les surfaces de neige maculées par les résidus de sable, de gravier et les effets de dégel de l'hiver. Avec ces images opposées, Diane Gougeon composera un vaste paysage à la croisée de l'installation et de la photographie, destiné à devenir une œuvre interactive et animée.

Le travail de Diane Gougeon s'immisce dans le rapport complexe entre nature et technologie. Ses installations sont présentées à l'échelle d'espace d'exposition pour reproduire les changements d'états présents dans la nature et revisiter ce monde à travers le prisme de technologies familières, sans pour autant qu'elles s'imposent. Invitation à la contemplation, ses œuvres proposent des expériences sensibles où la matière se modifie devant le spectateur. Elles invitent également à faire face à notre rapport accéléré au monde et à porter un regard critique sur les enjeux écologiques et technologiques de notre quotidien.

Les œuvres de Diane Gougeon ont fait l'objet de nombreuses expositions individuelles au Canada et en France. Diane Gougeon a réalisé plusieurs projets d'art public au Québec et compte trois publications monographiques sur son travail.

http://dianegougeon.ca/


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Diane Gougeon
Artist in Residence

PAYSAGE NOUVEAU/ prise 2

Diane Gougeon will continue working on her project "Paysage nouveau" initiated during her first stay in April, 2014.

The artist’s most recent project brings together two groups of images she has collected. Over several years, she has recorded ordinary traces left by technology on natural elements in her immediate environment. In this work, a series of silhouettes of trees, deformed by the passage of electric cable, will for the first time meet the surfaces of snow dotted with residues of sand, gravel, and the effects of winter’s thawing. With these opposing images, Diane Gougeon will compose a vast landscape joining installation and photography that will become an interactive and kinetic work.
   
Diane Gougeon inserts her practice into the complex relationship between nature and technology. Her installations are presented on the scale of the exhibition space in order to reproduce changes of state in nature and to revisit these phenomena through the prism of familiar technologies, whose presence does not, however, overwhelm. Her works invite contemplation, and they offer sensory experiences wherein matter is modified before the viewer’s eyes. The works are equally an invitation to face our accelerated relationship to the world and to cast a critical look upon the ecological and technological issues in our daily lives.
   
Over the last twenty years Diane Gougeon’s works have been featured in numerous solo exhibitions in Canada and abroad. Diane Gougeon has created several public art works in Quebec, and her art has been the subject of three monographic publications.

http://dianegougeon.ca/

Ito Laïla Le François

Ito Laïla Le François
Artiste en résidence / Artist in Residence
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L’état sauvage et la survie sont ma nature oubliée. Je demande à reprendre, ce qui m’appartient, ce que j’ai perdu. Instinctivement des métaphores se dessinent. Une quête d’identité me guide à travers des voyages exploratoires. Je me nourris de ce dont on ne connaît plus l’origine, du savoir primitif qui s’épuise. Dans l’instant, le territoire, la violence et l’obsession du corps me gouvernent, l’incongruité humaine me touche.

Je veux excaver mes tripes, fouiller dans les bribes de savoir ancestral... ce qui en reste. J’ai une envie viscérale de liberté, d’être moi humaine et animal.

Dans mes créations, l’anatomie se profile, le cycle de la vie et de la mort prend forme. Se confondent, paysage, ossements, muscles, et rivières. Je morcèle accumule, décuple et distords les figures pour quelle prennent de la force. Intuitivement, je sculpte les matières naturelles, pour leurs symboliques. L’étendue des médiums dans mes œuvres est vaste: verre, bois, céramique, métaux, peau, textiles... Malgré moi, la sensualité et la douceur dominent.
Mes sculptures semblent sortir d’un songe, duquel émanent poésie et narration. Je veux être un anachronisme parmi les civilisés, traquer ma nature et alimenter celle des autres.

Les sculptures d’Ito Laïla Le François, sont une métaphore de la limite entre la beauté et la laideur humaine. Elle est fascinée par le primitif et le cycle de la vie et de la mort. Ito, à reçu un diplôme de la maison des Métiers d’Arts de Québec en sculpture ainsi qu’un diplôme d’Espace Verre. Elle a exposé entre les murs de musée, de galeries, de foires et de centres d’artiste. Elle travaille présentement sur une expo individuelle qui sera présentée au Musée François Pilote. Elle vie actuellement dans la région du Bas-Saint-Laurent ou se trouve sont atelier en pleine nature.

http://www.itolailalefrancois.com/

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Ito Laïla Le François
Artist in Residence

The wild state is my forgotten nature. I have to take back what I lost, what belongs to me. An empty when I moved the extensive human beauty and ugliness. Instinctively metaphors emerge. I dig my guts, digging through scraps of traditional knowledge ... what remains. I have a visceral desire for freedom to be myself and feed.

I fed it with no known cause most of my nostalgia, the teenager in me that runs out. In the moment, femininity, violence and obsession with the body govern me. The incongruity human touches me, I intertwined my thoughts here and I'll regurgitate. The past mingles with the present.

In my creations, the human and animal anatomy looming, death and life coexist. Merge, bones, organs, muscles and rivers. I fragmenting and accumulating internal and external structures. Intuitively I sculpt the raw material for its symbolism and beauty, I tenfold distorde figures for them to take power. The range of media used in my work occupies an important place in the process. Wood, wire, glass, bronze, stone ... Many complex ideas blend together in one piece. Despite myself, sensuality and sweetness dominate.

My sculptures seem to come out of a dream, which comes poetry, narrative and memory. I want to be an anachronism among civilized track my nature and nurture of others.

Born in Québec in 1985, Ito holds diplomas in sculpture and glass art. Her works are unfolding chimeras with strong primitive touches as she examines the beauty and ugliness of living beings. Femininity, violence and body obsession govern her art – instinctively metaphors emerge. In her creations the human and animal anatomy are omnipresent with looming death and the coexistence of life. By choosing media for their symbolism and strength she sculpts a range of materials, those which occupy an important place in her creative process, to enable the blending of several complex ideas together in one work of art. Despite her somewhat aggressive approach, sensuality dominates. Seemly to originate from the unconscious in which her memories, written and spoken words are expressed and brought to light. 

http://www.itolailalefrancois.com/

Jonas St. Michael

Jonas St. Michael
Artiste en résidence / Artist in Residence
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Depuis 2009, Jonas St. Michael présente son travail photographique au Canada, aux États-Unis et en Europe. Sa production photographique s’interroge principalement sur la nature de l’image en relation avec les différentes structures sociopolitiques, les institutions et les écarts entre les classes sociales. L’excès et la privation sont des thèmes à l’origine d’une grande partie de ses recherches artistiques. 

Son travail actuel observe de manière plus spécifique l’image médiatique dans le cinéma, la télévision, la publicité, mais aussi la peinture, la sculpture, les différents modèles littéraires ainsi que son expérience du quotidien. Ces univers suggèrent le désir, le commerce et l’image.

Plus récemment, sa pratique s’est décalée et vise maintenant à produire des œuvres qui sont construites d’une manière plus évidente avec l’objectif de créer une réalité ostensible. Il s’intéresse à la signification de la fiction, mais en faisant ressortir quelque chose de plus que la simple construction d’un monde imaginaire, une sorte de recadrage du « réel » qui établirait de nouvelles relations entre la réalité et les apparences.

Jonas St. Michael est né à Montréal et détient une maîtrise en beaux-arts de Goldsmiths, University of London ainsi qu’un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Concordia. Sa pratique photographique explore la nature de la représentation et sa relation à des contextes culturels et sociaux plus larges. Bien que ses projets soient variés, ils partagent un thème commun dans la mesure où l’objectif est de communiquer une réalité sociale tout en abordant la zone entre la vérité et la fiction dans l’imagerie figurative.

Il a exposé à l’échelle nationale et internationale, y compris OK Harris (New York, USA) et Latitude 53 (Edmonton, Canada). En 2016 son travail sera présenté à VU PHOTO (Québec) et à la Galerie d’Orléans de l’École d’art d’Ottawa. Il sera en résidence à la British School at Rome dès le mois de janvier.

http://www.jonasstmichael.com/


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Jonas St. Michael
Artist in Residence

Since 2009, Jonas St. Michael has exhibited his photographic work in Canada, the United States and Europe. His practice is mainly concerned with the nature of image and representation in relation to different socio-political structures, institutions, and class distinctions. Excess and deprivation are themes that have served as the foundation for much of his artistic research.

His current practice, in particular, draws inspiration from the world of mediated imagery: cinema, TV, advertising, painting, sculpture, different literary models and his own everyday experience. They are worlds that imply desire, commerce and image.
 
More recently, his practice has shifted to making works that are conspicuously constructed with the goal of creating an ostensible reality. His concerns lie in examining the meaning of fiction, yet something more than simply the constructing of an imaginary world, but rather a re-framing of the ‘real’; building new relationships between reality and appearance.
 
Jonas St. Michael was born in Montreal and holds a Master of Fine Arts degree from Goldsmiths, University of London and a Bachelor of Fine Arts degree from Concordia University in Montreal. His photographic practice explores the nature of representation and its relation to wider cultural and social contexts. Although his projects are diverse, they share a common theme inasmuch as they attempt to communicate a social reality while addressing the area between truth and fiction in representational imagery.
 
Jonas St. Michael has exhibited nationally and internationally including OK Harris (New York City, USA), Latitude 53 (Edmonton, Canada) and Les Territoires (Montreal, Canada). He has upcoming solo exhibitions at VU PHOTO in Quebec City and at the Orleans Gallery at the Ottawa School of Art. In 2016, he will be an artist-in-residence at the British School at Rome.

http://www.jonasstmichael.com/

Max Wyse

Max Wyse
Artiste en résidence / Artist in Residence
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Traitant du thème de l’hybridation et de la documentation fictive, je m’intéresse au collage comme façon de penser et d’organiser l’excès d’images. Utilisant le téléphone intelligent comme outil de production et d’archivage, je m’approprie des images fixes de vidéos et films, d’affiches de politiciens en campagne électorale et de pancarte d’agents immobiliers, d’anciennes photos de voyage, d’écrans d’ordinateur déformés, etc. Je filtre par la suite ces images à travers une combinaison d’applications que je détourne de leurs fonctions initiales. Ces applications sont pour la plupart conçues pour la production de blagues visuelles et pour leur diffusion instantanée sur les réseaux sociaux. Dans ce processus de répétition en couches, j’obtiens une fragilité, voire même une qualité brute de l’image, que je conserve à la finalité des œuvres. Cette possibilité de créer des croisements d’images reste toutefois humoristique. La documentation devient une source de fiction dans laquelle les figures s’engagent dans une comédie d’hybridation sans issue, ou un visage devient multiple.

Né en 1974 en Colombie-Britannique, Max Wyse vit et travaille à Montréal. Ses œuvres proposent une symbiose certaine entre objets disparates et êtres hybrides, tout éparpillés dans des espaces indéterminés. Tels des fragments d’un récit en sourdine, dont le sens demeure cependant mystérieux, les œuvres de Max Wyse agissent comme un miroir révélant les tensions sous la peau déchirée d’un inconscient fantastique. Une réalité bigarrée, multiple et discontinue, où l’étrange fait partie du quotidien le plus banal.

Son travail a été présenté à travers le Canada, notamment à Montréal, Vancouver et Toronto ainsi qu’à Paris et New York. Ses œuvres font partie de plusieurs collections privées et publiques, dont celle du Musée régional de Rimouski et du Prêt d’oeuvres d’art du Musée national des beaux-arts du Québec. Il a été récipiendaire à plusieurs reprises de bourses du Conseil des arts et des lettres du Québec ainsi que du Conseil des arts du Canada.

http://www.maxwyseart.com/

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Max Wyse
Artist in Residence

Focusing on the theme of hybridization and fictional documentation, I am interested in collage as a means to think and organize an excess of images. Using the smartphone as a production and archival tool, I appropriate still images from videos and films, pictures of campaign posters and real estate agent signboards, old vacation photos, deformed computer screens, etc. I filter these images through a combination of applications that I repurpose to ends other than they were intended for. These applications are for the most part designed to produce visual jokes for instantaneous dissemination on social media. Through a process of repeated layers, I obtain a fragile, one could even say raw image quality that I preserve in the works’ final form. However, this possibility of creating image crossbreeds remains comical. The documentation becomes a source for a fiction in which figures play out a hybridization comedy without end, as one face takes on multiple guises.

Born in British Columbia in 1974, Max Wyse lives and works in Montreal. His works propose a symbiosis between disparate and hybrid objects scattered in  indeterminate spaces. Like the fragments of a hushed story, the meaning of which nevertheless remains mysterious, Max Wyse’s works function like a mirror revealing the tensions beneath the torn skin of a fantastical unconscious. A motley, multiple and disjointed world, where the bizarre is part of the most ordinary everyday.

His work has been exhibited throughout Canada, notably in Montreal, Vancouver and Toronto as well as in Paris and New York. His works are part of several collections including the Musée Régional de Rimouski and the Prêt d’oeuvres d’art du Musée national des beaux-arts du Québec. He is a regular recipient of grants from the Conseil des arts et des lettres du Québec and the Canada Council for the Arts. 

http://www.maxwyseart.com/

Florence Le Blanc

Florence Le Blanc
Artiste en résidence / Artist in Residence
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Les lieux-choses

À l’image des imprécisions du souvenir, les lieux qui nous habitent sont ponctués de vides. Certains de ces vides sont remplis par l’imaginaire, d’autres sont laissés à l’état de fragments, présents malgré leurs incomplétudes, pareils à des ruines. Utilisant l’appareil photo à la manière d’un sculpteur qui tenterait de mouler l’intégralité d’un espace prédéfini, ma démarche vise à employer la photographie en guise de matériau de construction. Interpelée par les aménagements vernaculaires et domestiques, je photographie mes sujets dans le détail, pour ensuite les restituer artisanalement, morceau par morceau. Du désir volontairement obstiné de reconstruire parfaitement le sujet, découle une logique désaxée, entraînant une confrontation entre les différentes perspectives de sa prise de vue. Entre la tentative d’une reproduction « fidèle » du sujet et son résultat inévitablement décalé se crée une tension que j’exploite comme un outil de distorsion. Une fois le sujet extirpé de sa situation initiale, le blanc qui délimite ses périphéries rejoint celui des vides qu’il comporte. Le lieu photographié se présente alors distinct de ce qu’il contient et de ce qui le contient. Hors de lui et du monde, le lieu devient une chose.

Florence Le Blanc aborde la photographie dans une approche multiforme, ralliant à la fois des perspectives sculpturales, artisanales et architecturales. Elle a occupé différentes fonctions associées à la recherche et la diffusion des arts visuels, notamment à titre de coordonnatrice des Éditions J’ai VU (2009-2012). Elle a présenté son travail à l’occasion de plusieurs expositions solos et collectives, au Québec et à l’étranger, notamment en France et au Brésil. L’artiste poursuit depuis quelques années un doctorat (Université Laval) qui s’intéresse aux potentialités narratives de la photographie, et plus largement, aux formes hybrides générées par ses interactions avec d’autres langages.

https://florenceleblanc.wordpress.com/


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Florence Le Blanc
Artist in Residence

Thing-places

Much like vague memories, the places that dwell within us are punctuated by voids. Some of these voids are filled by the imagination, other are left in a fragmentary state, present despite their incompleteness, like ruins. Using the camera in the manner of a sculptor attempting to mould the entirety of predefined space, I make use of photography as a construction material in my practice. I am drawn to vernacular and domestic spatial designs and therefore photograph my subjects in detail to subsequently recreate them by hand, piece by piece. This deliberately obstinate desire to perfectly reconstruct the subject springs from an unhinged logic that leads to a confrontation between the various perspectives of the subject’s shot. Between the attempt at a “faithful” reproduction of the subject and the inevitably shifted result, a tension arises that I make use of as a distortion tool. Once the subject is extirpated from the initial situation, the white that demarcates its borders reconnects with the voids which it comprises. The photographed place thus appears as distinct from that which it contains and that which contains it. Beside itself and the world, the place becomes a thing.

Florence Le Blanc practices photography in a multiform approach in which she brings together sculptural, artisanal and architectural perspectives. She has held various positions related to visual arts research and dissemination, notably as the coordinator of the Éditions J’ai VU (2009-2012). She presented her work in several solo and group shows, in Quebec and abroad, particularly in France and Brazil. For several years, the artist has been pursuing doctoral studies (Université Laval) which focus on photography’s narrative potentialities, and more broadly in the hybrid forms generated through its interactions with other languages. 

https://florenceleblanc.wordpress.com/

Marc-Antoine K. Phaneuf

Marc-Antoine K. Phaneuf
Artiste en résidence / Artist in Residence
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Je m’intéresse aux objets de la culture populaire pour leur potentiel narratif. Je constitue des collections de divers spécimens d’un objet précis pour en comparer les multiples différences et ressemblances et en délimiter les formes possibles. Dans mes œuvres récentes, je tends à transformer ces objets, pour créer une expérience poétique nouvelle, allant au-delà de la simple exhibition, par exemple en dessinant des explosions sur des pages de livres d’architecture, ou encore en disposant des cartes de hockey sur une surface de manière à pasticher des œuvres canoniques de l’histoire de la peinture abstraite.

Fort du ready-made et de la citation, je souhaite poétiser des réalités banales, inventer des histoires et des imaginaires à partir d’objets anodins et usuels, kitsch ou risibles, et reflétant la culture populaire nord-américaine, ses mythes et ses lubies. Ludique et conceptuel, mon travail pose des questions anthropologiques et sociologiques, puisqu’il soulève le rapport que nous entretenons avec le texte, l’image et l’objet.

Marc-Antoine K. Phaneuf est artiste et auteur. Depuis 2006, son travail a été présenté dans plusieurs centres d’artistes autogérés, galeries et musées du Québec, dont le Centre Clark, l’Œil de Poisson, Articule, et le Musée régional de Rimouski, la Galerie Leonard et Bina Ellen et la Galerie Antoine Ertaskiran. Il a publié trois livres de poésie aux éditions Le Quartanier, dont Téléthons de la Grande Surface (Inventaire catégorique) en 2008, pour lequel il a été finaliste au prix Émile-Nelligan, et Cavalcade en cyclorama en 2013, écrit lors d’une performance d’écriture de huit jours. Il vit et travaille à Montréal.

http://www.makpca.com/


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Marc-Antoine K. Phaneuf
Artist in Residence


I am interested in the narrative potential that inheres in objects from popular culture. I put together collections with various specimens of a specific object to compare the multiple differences and resemblances between them and to outline their possible forms. In my recent work, I seek to transform these objects in order to create a novel poetic experience that goes beyond the mere exhibition mode, for example by drawing explosions on the pages of an architecture book, or by laying hockey cards out on a surface to pastiche canonical works in the history of abstract painting.

Drawing on the readymade and citation, I aim to poetically transform banal realities, to invent stories and imaginaries by way of objects that are trivial and common, kitschy or ridiculous; and to reflect the myths and fads of North American popular culture. At once playful and conceptual, my work poses anthropological and sociological questions, since it foregrounds the relationship we have with text, image and the object.

Marc-Antoine K. Phaneuf is a visual artist and author. Since 2006, his work has been presented in several artist-run centres, galleries and museums in Quebec, such as the Centre d’art et de diffusion Clark, l’Œil de Poisson, Musée régional de Rimouski, Leonard and Bina Ellen Gallery and Galerie Antoine Ertaskiran. He has published three books of poetry with the Éditions Le Quartanier, among which Téléthons de la Grande Surface (Inventaire catégorique) in 2008, for which he was a Prix Émile-Nelligan finalist, and Cavalcade en cyclorama in 2013, which he wrote during an eight-day writing performance. He lives and works in Montreal.

http://www.makpca.com/

Luca Fortin

Luca Fortin
Artiste en résidence / Artist in Residence 
(English follows)

Mes œuvres puisent leur inspiration en parallèle à mes recherches architecturales. Je souhaite mettre en évidence ces contrastes quotidiens qui nous entourent que sont la mort et la vie; la présence et l'absence; le vrai et le faux. Je veux faire vivre au regardeur une expérience de corps à corps avec un monde où la prédominance d’une atmosphère éthérée donne lieu à des flous, des fondus et où l’absence de repères me permet d’osciller entre la composition et la décomposition de l’espace. Cette idée d'assister à quelque chose qui est en train de se modifier et d'évoluer est centrale à mon exploration matérielle. Mes récentes recherches tendent vers une hybridité entre techniques traditionnelles et outils numériques où je passe de l'un à l'autre afin de générer des formes qui sont ensuite déformées par ce même processus de création d’image. Je joue ainsi avec l’échelle des objets dans le but de créer des ambiguïtés visuelles qui invitent à se questionner sur ce qui se trouve entre l'un et l'autre, entre la réalité et la fiction, entre le physique et l'impalpable.

Luca Fortin est actuellement candidat à la maîtrise professionnelle en architecture et complète à l’été 2015 le microprogramme de deuxième cycle en création de livre d’artiste à l’Université Laval. Son parcours est reconnu par sa nomination comme médaillé du Lieutenant-gouverneur du Québec pour la jeunesse (2008); La fondation du millénaire du gouvernement du canada (2009); La fondation W. Garfield Weston (2009); The Loran Award Foundation (2010); Forces Avenir au collégial (2011) ainsi que par l’Université Laval qui lui remet une bourse de leadership artistique en 2014. Ses œuvres font partie de la collection Loto-Québec et de plusieurs collections privées.

http://lucafortin.com/


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Luca Fortin
Artist in Residence

My works draw their inspiration in parallel to my architectural research. I seek to highlight the everyday contrasts around us, such as death and life; presence and absence, the true and false. I want to provide the viewer with a head-on experience of a world in which a predominantly ethereal, blurred and hazy atmosphere provides no points of reference, thereby enabling me to alternate between the composition and decomposition of the space.This idea of partaking in something that is undergoing modification and evolving is central to my material exploration. My latest research is increasingly a hybrid between traditional techniques and digital tools, as I go from one to the other to generate forms that are subsequently deformed by this same image making process. I thus play with the objects’ scale in order to create visual ambiguities that prompt one to question what there is between one and the other, between fiction and reality, between the physical and the impalpable.


Luca Fortin is currently a candidat in the professional MA program in architecture at Université Laval, where he also completed a graduate micro-program in artist book creation. He has received recognition for his work from numerous sources: as a recipient of the Youth Award (2008) given by the Lieutenant-Governor of Quebec; the Canadian Millennium Foundation (2009); the W.Garfield Weston Foundation (2009); The Loran Award Foundation (2010); Forces Avenir au collégial (2011), as well as Université Laval which provided his with an artistic leadership grant in 2014. His works are part of the Loto-Québec collection and several private collections.

http://lucafortin.com/

Martin Désilets

Martin Désilets
Artiste en résidence / Artist in Residence
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De retour d’une résidence de 3 mois à Berlin, j’ai la tête pleine d’idées et le disque dur de mon ordinateur est saturé de fichiers numériques. Les expérimentations que j’y ai fait s’inscrivent dans le prolongement de mon travail récent, qui procède d’une hybridation de la photographie et de la peinture. Les contraintes inhérentes à un tel contexte ont évidemment produit des effets inattendus. Toutefois, au contraire de ce que j’avais anticipé, l’expérience de Berlin a plutôt conforté l’usage d’un vocabulaire qui tend à se simplifier.

Les procédés que j’emploie lors de la prise de vue sont rigoureux, mais comportent une forte dimension aléatoire. Je flirte avec les limites de mon corps, des outils et de la technique. En travaillant ainsi, j’ai souvent le sentiment d’attendre un phénomène aussi rare que le passage d’un colibri dans le viseur de mon appareil, affalé au beau milieu de la nuit dans un jardin sans fleurs. Je ne désespère pas, car à l’occasion, il se passe tout de même quelque chose.

Martin Désilets est titulaire d’une maîtrise en arts plastiques de l’Université du Québec à Montréal. À travers une médiation du geste et une hybridation des procédés, il interroge certaines formes héritées de la modernité, en particulier de l’abstraction en peinture. Ses recherches, en lien avec celles d’autres artistes, participent à une indétermination, voire une expansion du champ de la photographie et de la peinture.

http://martindesilets.com/


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Martin Désilets
Artist in Residence

Back from a three month residency in Berlin, my mind filled with images and my hard disk overflowing with digital files. The experimentations I undertook over there are an extension of my recent work, which is based on a hybridization of photography and painting. The inherent constraints of such a context have evidently led to unexpected results. However, quite to the contrary of what I had expected, the Berlin experience in fact reinforced my use of an increasingly simplified vocabulary.

While the processes used during the shoot are rigorous, they also involve a substantial random dimension. I test the limits of my body, tools and techniques. At work, ensconced in the midst of a flowerless garden, I often have the feeling that I am awaiting something special, like the flight of a hummingbird framed in the viewfinder. I don’t lose hope, because occasionally something really does happen.

Martin Desilets holds an MFA from Université du Québec à Montréal. Through hybrid procedures and mediated actions, he questions the legacy of modernist painting, particularly abstraction. His research, along with that of other artists, contributes to an indetermination and possible expansion of the fields of photography and painting. 

http://martindesilets.com/

Hélène Rochette

Hélène Rochette
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

J’explore la nature première des matériaux. Préoccupée par la vérité des choses, je choisis la matière pour ses propriétés chimique et physique. Dans mon processus de création, j’exploite l’ambiguïté issue du rapprochement et de la synthèse de formes connues. Je privilégie la simplification formelle que j’associe à certains modes  de fabrication par addition et accumulation afin d’élaborer des systèmes de densité qui font écho à la terre et à la société actuelle.

Mes œuvres picturales sont celles d’un sculpteur qui exploite le médium et son support comme des matériaux en cherchant les opportunités de leurs associations. Mes sculptures sont des ensembles organisés où la couleur, le caractère graphique et texturé des surfaces ainsi que l’assemblage mécanique génèrent une expérience de la matière, de la forme et de l’espace.

Hélène Rochette est active sur la scène des arts visuels du Québec depuis plus de trente ans. Boursière du  Conseil des arts et des lettres du Québec et du Conseil des arts du Canada, elle a réalisé plusieurs expositions individuelles et collectives, dont l’installation sonore « Les terriers autres territoires » présentée pour la première fois à Montréal Art Souterrain de l’édition 2012. Elle a réalisé plus de vingt-cinq œuvres d’art public, dont Les fluides au Métro Montmorency à Laval en 2007, Plonger pour la promenade Samuel-de-Champlain en 2008 et Les Hautes herbes en 2013 au CSSS de Lévis. Ses œuvres font partie de la Collection Prêt d’œuvres d’art du MNBAQ, de la collection Loto-Québec et  de plusieurs collections privées.

http://www.helenerochette.com/


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Hélène Rochette
Artist in Residence

Playful and/or poetic, my works are spaces where I explore the essence of materials. Enthralled by the truth of things (Truth: “knowledge consistent with reality, nature of what really exists and is such as it appears”. Larousse dictionary) I choose the material for its chemical and physical properties. In my creative process, I give priority to the formal refinement and stylization that I associate to some manufacturing processes using addition and accumulation. I create density systems which echo Earth and today's society.

My drawings and paintings are those of the sculptress who harnesses the color medium and its support as materials by looking for opportunities to associate them. My sculptures, sculptural installations, and monumental works – most often inspired by organic shapes – are organized structures where the color, the textured and graphical aspect of surfaces, as well as the mechanical set-up, generate an experience of matter, form, and space.

Hélène Rochette has been involved in the Quebec visual arts scene for over thirty years. She has received grants from the Conseil des arts et des lettres du Québec and the Canada Council for the Arts, and has displayed her works in solo and group shows, notably Les terriers autres territoires which premiered at the 2012 edition of Montréal Art Souterrain. She has created over twenty five public art works, such as Les fluides (2007) at the Montmorency metro station in Laval, Plonger (2008) at the Samuel-de-Champlain promenade and Les hautes herbes (2013) at the Lévis CSSS. Her works are part of the Prêt d’oeuvres d’art collection of the Musée national des beaux-arts du Québec, the Loto-Québec collection and several private collections.

http://www.helenerochette.com/

Marie-Eve Beaulieu

Marie-Eve Beaulieu
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Dans mes recherches picturales, je souhaite explorer les thèmes de l’écriture, de l’interférence et de la censure par la répétition de signes, de motifs, qui se juxtaposent, s’entremêlent et se contaminent. Parfois, je réalise de courtes séries de tableaux aux interventions minimales, d’autres fois les accumulations et les restes de peinture envahissent complètement l'espace. Peu importe l’approche privilégiée, le geste est au cœur de mon processus créatif. Dans un environnement où nous sommes constamment sollicités, interrompus et où la distraction, au quotidien, est omniprésente, les disciplines de la peinture et de l’estampe exigent un temps d’arrêt, un questionnement sur nos choix, en tant qu’artiste mais aussi comme citoyen. Comme différentes interfaces, mes projets s’enracinent dans cette réalité, et sont caractérisés autant par le multiple que par la disparité.


Marie-Eve Beaulieu a toujours pensé que la peinture avait un pouvoir magique : être le reflet, parfois dur, de ce que nous sommes. C’est pourquoi elle tourne autour, l’observe, la scrute, la touche, la renverse, la rejette bien souvent, dans une relation amour-haine viscérale. En parallèle, elle fait aussi des choses sérieuses : une maîtrise en arts visuels et médiatiques à l’UQAM (2014) et des expositions dans quelques galeries de Montréal. Elle gagne aussi de vrais prix : la Bourse Sylvie et Simon Blais pour la relève en arts visuels (2013) et la Bourse McAbbie en peinture (2005). Depuis 2012, elle emprunte Un tunnel transatlantique pour se rendre de Montréal à Leipzig (Allemagne) pour un ambitieux projet d’échange avec des artistes des deux pays. Originaire de Baie-Comeau et vivant à Montréal, elle est représentée par la Galerie Simon Blais.

http://www.marieevebeaulieu.com/


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Marie-Eve Beaulieu
Artist in Residence

In my pictorial research I explore themes of writing, interference and censorship through the repetition of juxtaposed, intertwined and comingled signs and motifs. Sometimes, I create brief painting series with minimal interventions, at other times the accumulations and leftover paint completely overtake the space. Regardless of the chosen approach, the gesture is at the heart of the creative process. In an environment in which we are constantly being bombarded by information and interrupted, and in which everyday distraction is omnipresent, painting and printmaking act as a brake, a slowing down, a means to question our choices, both as an artist and as a citizen. Like various interfaces, my projects are rooted in this reality and they are characterized both by their multiplicity and disparity.

Marie-Eve Beaulieu has always thought that painting has a magical power: to be, the sometimes harsh, reflection of what we are. This is why she explores its contours, observes it, scrutinizes, touches, turns it upside down, and quite often, rejects it in a visceral love-hate relationship. Alongside this practice, she also does serious things: an MFA at Université du Québec à Montréal (2014) and exhibitions in several Montreal galleries. She has also won real prizes: the Sylvie and Simon Blais Award for Emerging Visual Artists (2013) and the McAbbie award for Excellence in Painting (2015). Since 2012, she has made use of a Transatlantic tunnel (Un tunnel transatlantique) to travel from Montreal to Leipzig (Germany) as part of an ambitious exchange project with artists from Canada and Germany. Originally from Baie Comeau, she now lives in Montreal. She is represented by the Galerie Simon Blais.

http://www.marieevebeaulieu.com/

Mana Rouholamini

Mana Rouholamini
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Je constate que l’idée que je me fais du monde, à l’instar de mon identité ou mes identités, est en grande partie basée sur les langues à travers lesquelles je pense un sujet. Elle dépend beaucoup moins de l’endroit d’où je viens ou le pays dans lequel je vis. J’examine les sujets ou les idées qui m’intriguent par le prisme du langage et j’exploite celui-ci et l’association des mots pour examiner le « sens » dans cet espace qu’est la croisée des langues différentes.

Le travail de Mana Rouholamini porte sur les mots et les langues. Elle possède une maîtrise en beaux-arts de l’Université York et un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Azad à Téhéran, en Iran. L’artiste tient à remercier le Conseil des arts de l’Ontario, un organisme du gouvernement de l’Ontario, de son aide financière.

http://manarouholamini.com/


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Mana Rouholamini
Artist in Residence

I have come to realize that the way I understand the world around me, as well as my identity (or identities), is largely based on the languages through which I think about a subject; and much less dependent on the place I come from or where I live. I examine the subjects that intrigue me through the prism of language and I explore language and the association of different words to examine ‘meaning’ in the space that is at the intersection of different languages

Mana Rouholamini’s work deals with words and languages. She received her MFA from York University and her BFA from Azad University in Tehran, Iran. The artist would like to acknowledge funding support from the Ontario Arts Council, an agency of the Government of Ontario.

http://manarouholamini.com/

IMAGE:
Aurora
Inkjet print on Epson paper, 122×81cm (48"×32"), 2012.
Impression au jet d’encre sur papier Epson, 122×81cm (48”×32”), 2012.

EXPOSITION TABLE MISE

 
TABLE MISE

IMMERSION EN ZONE OCCUPÉE

 
21 MAI AU 26 JUIN 2015

VERNISSAGE jeudi 21 mai à 17h
 


PAULA ARRIAGADA

CARLOS VERDIN BARBA

CATHERINE BOIVIN

LAURIE GIRARD

SARA LÉTOURNEAU

MAGALI BARIBEAU-MARCHAND

PIERROT NÉRON



Présentée par les participants du projet Immersion en Zone Occupée, l’exposition événementielle TABLE MISE finalise une résidence artistique de six mois effectuée par sept artistes de la relève, dont cinq sont originaires de la région et deux issus de l’immigration. Mis sur pied par Zone Occupée et Portes ouvertes sur le Lac, le projet se déploie en plusieurs volets (publication, capsules vidéo, diffusion sur le web et dans la revue Zone Occupée et expositions). Les artistes, Carlos Verdin Barba (Mexique), Catherine Boivin (Alma), Paula Arriagada (Équateur), Sara Létourneau (Chicoutimi), Magali Baribeau-Marchand (Chicoutimi), Laurie Girard (Chicoutimi) et Pierrot Néron (Jonquière), travaillent dans différentes disciplines comme les arts visuels, le cinéma-vidéo, le textile, la chanson, la photographie et les arts du cirque. Cette exposition fait suite à TABULA RASA qui a été présentée à la Galerie du Collège d’Alma.



Le vernissage évolutif réunissant les œuvres des artistes aura lieu le jeudi 21 mai 2015 à Alma à 17 h, au Centre SAGAMIE, pour se poursuivre à Langage Plus à 18 h 30, par un volet performatif et musical.



•          Exposition de fin de résidence au Centre SAGAMIE

•          Performances à Langage Plus
 
•          Lancement de huit catalogues d’artistes dans la collection IMMERSION (artistes du projet)

•          Lancement de la revue Zone Occupée #9

•          Série de capsules vidéo réalisées par le cinéaste Philippe Boily (artistes du projet)



Entrée libre !

 crédit photo : Philippe Boily

Meredith Snider

Meredith Snider
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Le quotidien constitue le corpus principal de l'expérience du corps social et je perçois une multitude de perspectives permettant de les explorer. Avec humour et sincérité, mon travail interroge l'importance accordée par notre culture aux objets ou aux gestes du quotidien. Pour répondre aux stimuli propres à l'environnement, j'ai recours aux techniques de l'improvisation.

Intriguée par les relations réciproques existant entre le paysage et le soi, j'interpelle l'interaction psychogéographique du lieu et de l'espace, ainsi que l’expérience du quotidien. Au cœur de cette interaction, le poétique et le politique coexistent à travers une relation subtile. Dans ma pratique, j'étudie divers concepts relatifs à la spécificité du lieu, au quotidien, au banal, la relation entre pouvoir et corps sexué, ainsi que la manifestation de l'échec – ou le moment où l'échec devient significatif.

Mes œuvres récentes associent la sculpture et la photographie. Je cherche ainsi à prêter une nouvelle dimension aux limites physiques séparant la représentation de l'état d'objet. L’image illustré ci-dessus, par exemple, est à la fois une photographie et une sculpture. L’œuvre représente un bouquet de mariée acheté usagé enchâssé dans plâtre. La photographie met en relief divers détails relatifs à la forme et à la surface de l'objet, de manière à orienter le regard vers ses formes, ses courbes, ses fissures, sa texture, et à le tourner vers la relation complexe formée par le couple maison et corps féminin. En d'autres termes, les photos font appel à une imagerie et un symbolisme éloquents par leur personnification du politique et du personnel.

Depuis qu'elle a terminé sa maîtrise en beaux-arts à l'Université d'Ottawa en 2013, la région d'Ottawa et de Gatineau est devenue le lieu de résidence permanent de Meredith Snider. À titre d'artiste interdisciplinaire, elle prend part aux festivals médiatiques nationales et internationales, aux expositions et aux résidences d’artistes. Cofondatrice et Directrice de PDA Projects, elle est également chargée de cours à l'Université d'Ottawa. L'artiste tient à remercier le Conseil des Arts de l'Ontario pour son soutien.

page facebook de l'artiste


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Meredith Snider
Artist in Residence

The everyday forms the bulk of the social body’s experiences and I see ample opportunity to investigate how we navigate through it. With humour and sincerity I question the value that we as a culture place upon common objects or actions. Moreover, I use improvisation as a technique to respond to the stimulus of an environment.

Curious about the reciprocal relationship between landscape and self, I play with the notion that place and space form a psychogeographical interaction and experience of the everyday and that within this interaction there is a subtle interplay between the poetic and the political. In my practice, I explore concepts related to site-specificity, the everyday, the mundane, the relationship between power and the gendered body, and the occurrence of failure – or at least when failure becomes meaningful.

In my most recent body of work, I pair sculpture with photography to complicate the physical boundaries between representation and objecthood. For example, the image pictured above is both a photograph and a sculpture depicting a monumental plaster encased bridal bouquet that I purchased second-hand. The photograph highlights details of the form and surface in order to draw attention to the shapes, curves, crevices and texture of the object as well as the complicated relationship between home and the feminist body. In other words, the photos embrace powerful imagery and symbolism through their embodiment of the political and the personal.

Since completing her MFA at the University of Ottawa in 2013, Meredith Snider now calls the Ottawa/Gatineau region home. As an inter-disciplinary artist she participates in national and international media festivals, residencies and exhibitions. She is the co-founder and Director of PDA Projects and a sessional instructor at the University of Ottawa. The artist gratefully acknowledges the support of the Ontario Arts Council.

artist facebook page

Annie Descôteaux

Annie Descôteaux
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Mon travail repose sur le collage. Je découpe au ciseau et j'assemble mes compositions à partir de cartons de couleur. Cela répond à mon besoin de reproduire les aplats que j'affectionne en peinture.

De ce procédé naissent des images qui évoquent le bricolage, mais rapidement les jolies compositions détrompent. Dans mes découpages, un monde artificiel se déploie et me permet de questionner celui dans lequel je vis.

La nature que l'on domestique, la nourriture que l'on apprête et les objets que l'on façonne m'ont toujours semblé mener à des coutumes bien étranges, qui servent de point de départ à la construction de scénarios aux contours stylisés. Mais ne soyons pas dupes : il y a toujours une pièce d'ébréchée dans le service de porcelaine. Les banquets volent en éclats et les étagères surchargées cèdent sous le poids de plantes en pots.

Dans un monde où l'obsolescence est programmée, les objets se cassent, se défilent, nous jouent des tours.

Originaire de Québec, Annie Descôteaux vit et travaille à Montréal. Titulaire d'un baccalauréat en arts visuels de l'Université Concordia, elle a présenté ses oeuvres en solo à L'OEil de poisson (2015) et à Axenéo7 (2012). De plus, elle a pris part à de nombreux évènements collectifs dont Stations, People, Eat, Drink de la Parisian Laundry (2014) et Champs amical à Occurrence (2014). Récipiendaire de bourses de recherche et création du Conseil des arts du Canada (2010) et du Conseil des arts et des lettres du Québec (2009), elle s'intéresse à la valeur narrative inoculée aux objets du quotidien ainsi qu'à leur obsolescence programmée.

http://www.anniedescoteaux.com


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Annie Descôteaux
Artist in Residence

My work is based on collage. I make scissor cut-outs and assemble my compositions using coloured cardboard. This resonates with my desire to recreate the colour surfaces I am fond of in painting.

This process results in images which evoke craft activities, but the pretty compositions quickly reveal another dimension. In my cut-outs an artificial world opens up, a world which allows me to question the one I live in.

I’ve always viewed the nature that we domesticate, the food we prepare and the objects we fashion as leading to somewhat strange customs, ones which serve as a starting point for the development of stylized scenarios. But let us not be fooled: there is always a chipped piece in the porcelain dinner service. Banquets are shattered and the overloaded shelves cave in under the weight of the potted plans. In a world of planned obsolescence, objects break, slip away and play tricks on us.

Originally from Quebec City, Annie Descôteaux lives and works Montreal. She holds a BFA from Concordia University and has had presented her work in solo shows at L’Œil de poisson (2015) and Axenéo7 (2012). Moreover, she has participated in many group events such as Stations, People, Eat, Drink at the Parisian Laundry (2014) and Champs amical at Occurrence (2014). She has been awarded grants by the Canada Council for the Arts (2010) and the Conseil des arts et des lettres du Québec (2009). Her work focuses on the storytelling potential instilled in everyday objects as well as their programmed obsolescence.

http://www.anniedescoteaux.com

Karilee Fuglem

Karilee Fuglem
Artiste en résidence / Artist in Residence 
(English follows)

Voir ce qui est toujours là. Ici, où nous sommes, présents, regardant. Comme le font nos caméras, nous voyons la lumière réfléchir de toutes les surfaces devant nous, mais nos propres couches poreuses absorbent cette lumière et nous la ressentons. Les photographies sont également des surfaces qui nous renvoient notre réflexion, mais si nous nous déplaçons légèrement, elles nous ramènent au monde immédiat des autres surfaces brillantes; des mouvements subtils, des volutes presque imperceptibles qu’un souffle lance à la dérive. Là où nous sommes, c’est un mouvement de tous les instants, insaisissable, mais qui vaut toute l’attention qu’on lui voue, justement pour le saisir.

Karilee Fuglem est une montréalaise originaire de la Colombie-Britannique. Sa production prend plusieurs formes, dont le dessin, la photographie, l’écriture, le livre d’artiste et les installations spatiales, celles-ci souvent fabriquées avec des matériaux quasiment imperceptibles. Ses œuvres ont été présentées dans des expositions individuelles et collectives à travers le Canada et figurent dans des collections privées et publiques. Finaliste pour le Prix Louis-Comptois de Montréal en 2010, Karilee Fuglem est représentée par la galerie Pierre-François Ouellette art contemporain, où elle présente régulièrement des expositions depuis 2002.

http://www.karileefuglem.com


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Karilee Fuglem
Artist in Residence 

See what is always here. Right here, where we are; present, looking. Like our cameras we see light reflecting off all the surfaces in front of us, but our own porous layers absorb that light, and this, we feel. The photographs are also surfaces reflecting us back to ourselves, but step aside a little and they return us to the immediate world of other shiny surfaces, subtle movements, almost imperceptible wisps of things set adrift with the slightest breath. Here where we are, everything is in constant motion— ungraspable -- but worth every scrap of attention we give, trying to do just that.

Karilee Fuglem is a Montrealer with roots in British Columbia. Her artwork takes the form of drawing, photography, writing and artist books, along with spatial installations often made with barely perceptible materials. It has been presented in solo and group exhibitions across Canada, and is part of public and private collections. A finalist for Montreal's Prix Louis-Comtois in 2010, Fuglem is represented by Pierre-François Ouellette art contemporain, where she has exhibited regularly since 2002.

http://www.karileefuglem.com

Veronika Horlik

Veronika Horlik  

Artiste en résidence / Artist in Residence 

(English follows)

Confronté par l'assaut sur la forêt boréale, on découvre aussi la forêt.

Mes céramiques sculpturales s’inspirent de mon expérience de travail en reboisement dans le Nord canadien. Les images de matières organiques calcinées proviennent de paysages forestiers appelés « burns » : terres doublement dévastées soumises à la coupe d’arbres et ensuite au feu de forêt. Dans ces terrains de sylviculture brûlés, jonchés de débris d’arbres nommés « slash », l’incursion industrielle côtoie les forces et la beauté de la nature.

L’œuvre PROUNS(SLASH) est inspirée par les paysages canadiens de reboisement, par le jeu vidéo japonais Katamari Damacy, et présente une juxtaposition de médiums bi et tridimensionnels. En forçant une relation entre objet et image, mon travail joue sur notre compréhension de l’objet quand il se retrouve en relation contiguë avec une représentation bidimensionnelle.

La légende de Katamari Damacy raconte l’histoire d’un prince qui tente de reconstruire les étoiles de l’Univers, accidentellement anéanties par son père le Roi de tout le Cosmos.  Pour se faire, le prince roule des boules nommées Katamari qui ramassent tout objet sur leur passage. Plus les boules accumulent d’objets, plus elles grossissent. Quand une boule est suffisamment grande, elle est lancée dans l'espace et se transforme en une nouvelle étoile.

Veronika Horlik est une artiste montréalaise qui partage son temps entre sa pratique artistique, l’enseignement en arts visuels/céramique au Cégep John Abbott et en Art Education à l’université McGill. De 1995 à 2008, elle a aussi travaillé en reboisement pour l'industrie de sylviculture.

http://www.v-ron.com/

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Veronika Horlik 

Artist in Residence 

Confronted by the assault on the Boreal forest, you also discover the forest.

My sculptural ceramic practice draws on my experience working in reforestation in the Canadian North. The images and representations of charred organic material are derived from forest landscapes called burns : twice devastated land subjected to deforestation and then subsequently to forest fire.  In these vast burned sylviculture sites, mechanical incursions mix with the strength and beauty of nature, and a constant air of devastation mixes with the possibility of magnificent regeneration. 

The work PROUNS(SLASH) is inspired by Canada’s reforestation landscapes , by the Japanese video game Katamari Damacy, and present a juxtaposition of two and three-dimensional media. Forcing a relationship between object and image, my work examines and emphasizes the materiality and undeniable physical presence of the ceramic medium.

The legend of Katamari Damacy tells the story of a young prince who attempts to reconstruct the stars of the Universe, accidentally annihilated by his father the King of All Cosmos. To do this, the prince rolls adhesive Katamari balls on the ground that collect all objects in their passage. When each ball is large enough, it is launched into space by the prince and is transformed into a new star. 

Veronika Horlik, is a Montreal ceramic artist who divides her time between her studio practice, and teaching in Visual Arts/Ceramics at John Abbott College, and Art Education at McGill University. From 1995 to 2008, she also worked in seasonal reforestation in Canada’s forestry industry.

http://www.v-ron.com/ 

Chloé Beaulac

Chloé Beaulac
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Chloé Beaulac communique sa perception des passages et des savoir-faire identitaire. Son travail est fortement dirigé par sa quête philosophique personnelle, et est donc, par le biais de manipulations symboliques, autobiographique. À partir de documentation propre à ses collections d’objets et ses souvenirs personnels, elle opère par un processus de déconstruction-reconstruction et crée une iconographie et une histoire personnelle qui prend souvent la forme de romans graphiques éclatés ou de photos-romans contemporains. Chaque sujet exige sa propre matière et son propre traitement. Son travail n’est donc pas dicté par des règles préétablies, sinon celle du voyage, du savoir-faire, du rituel et de la transformation.

Chloé Beaulac est une artiste multidisciplinaire. La place de l’humain dans la nature et dans l’histoire est au centre de sa pratique artistique. À la manière d’une exploratrice, elle parcourt un territoire et se laisse imprégner par l’histoire, les mythes et la personnalité qu’il dégage. Elle partage ces entretiens avec la nature et fait revivre cet éveil des sens au spectateur à travers la photographie, la sérigraphie, le dessin, la peinture et la sculpture. Ainsi, elle offre au spectateur des espaces surnaturels à explorer à son tour.

http://www.chloebeaulac.com/

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Chloé Beaulac
Artist in Residence

Chloé Beaulac communicates her perception and understanding of identity, know-how and rites of passage. She makes use of photography, drawing, silk-screening, painting, installation and sculpture. Driven by her personal philosophical quest, her work is resolutely autobiographical. She works from a documentation based on her memories and personal collection of objects. Beaulac deploys a deconstruction–reconstruction process in order to create a personal iconography and history, which often takes the shape of wildly imaginative graphic novels or contemporary photo-novels. Her work is not dictated by pre-established rules, except for those guiding journeys into the unknown, rituals and transformations.

Chloé Beaulac is a multidisciplinary artist. Understanding and depicting our role in nature and history is at the heart of her artistic pursuit. In the manner of an explorer, she travels a territory and lets herself be permeated by its history, myths, and intrinsic character Through photography, silk-screening, drawing, painting and sculpture, Beaulac draws on her encounters with nature in order to share her sensory experiences with viewers. She thus invites viewers to explore supernatural environments on their own terms.

http://www.chloebeaulac.com/

Nadia Seboussi

Nadia Seboussi
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Nadia Seboussi s’intéresse à la problématique du déplacement, à la fois sur le plan formel, esthétique et transculturel. La figure du « déplacé » occupe une place prépondérante dans sa recherche puisque le phénomène de la migration découle des problèmes sociopolitiques qu’engendre la globalisation ou la guerre. Parallèlement, à cette thématique, elle a exploré à travers une multitude d'œuvres les histoires postcoloniales, la mémoire de la guerre civile algérienne ainsi que les rapports complexes qu'entretiennent le Sud et le Nord. Depuis 2010, elle travaille sur un nouveau corpus d'œuvres intitulé Connecter les mémoires des peuples (Connecting memory) en référence aux impacts des guerres civiles sur l'imaginaire collectif des peuples qui les subissent. Dans ses recherches, elle réfléchit à l'inscription médiatique de ces conflits tout en questionnant la représentation de la violence politique et contemporaine à travers l’image médiatique. Son travail se situe entre le documentaire, l’essai et la vidéo, en privilégiant l’aspect installatif avec une réflexion approfondie autour des possibilités du récit et des structures narratives qui en découlent.

Nadia Seboussi est une artiste montréalaise d’origine algérienne, elle est titulaire d’un ingéniorat en électronique et a travaillé dans la presse écrite francophone algérienne avant d’immigrer au Canada. Ayant une pratique autodidacte en art plastique, elle entreprend des études en arts visuels et médiatiques à l’Université du Québec à Montréal et finalise en 2013, une maîtrise dans la même discipline. Elle a été lauréate de plusieurs bourses et prix d’excellence dont la bourse d'excellence Pierre Ayot en arts visuels et la bourse d’excellence Jacques de Tonnancour pour l’ensemble du parcours académique. Le prix Féminin de la relève, décerné au festival de vidéo à Montréal, Prix GIV, Prix StudioXX. Elle est la récipiendaire de la bourse Claudine et Stephen Bronfman en art contemporain 2013. Son travail a été exposé en France, en Espagne, au Mexique, à Cuba et à Montréal. Elle a participé en novembre 2014 à la Biennale internationale de l'image en mouvement en Argentine BIM. Elle exposera bientôt à Toronto et à Montréal.

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Nadia Seboussi
Artist in Residence

Nadia Seboussi is interested in the problematic of displacement, at once on a formal, aesthetic and transcultural level. The figure of the “displaced person” is at the core of her research, for the migration phenomenon is directly linked to socio-political problems brought about by globalization or war. In parallel to this theme, she has explored the memory of the Algerian civil war, as well as the complex relationship between the South and the North. Since 2010, she has worked on a new body of works titled Connecter les mémoires des peuples (Connecting Memory) in reference to the impact civil wars have on the collective imaginary of peoples who experience them. In her research, she reflects on the media reception of these conflicts, all the while questioning the representation of contemporary political violence via media images. Her work is situated at the intersection of documentary, the essay and video, and it favours an installation approach with an in-depth reflection about the possibilities of storytelling and the narrative structures associated with it.


Nadia Seboussi is a Montreal-based artist of Algerian origin. She holds a degree in electronic engineering and she worked as a print journalist in the francophone Algerian press before immigrating to Canada. At first a self-taught visual artist, she then went on to study visual and media arts at the Université du Québec à Montréal, where she eventually completed an MFA in 2013. She has received several grants and has been awarded numerous prizes, such the Pierre-Ayot award  for outstanding achievement in the visual arts the Jacques de Tannancours award for her academic accomplishments, the Prix Feminin de la relève awarded by the Festival de video in Montréal, the Prix GIV, and the Prix Studio XX. In 2013, she received the Claudine and Stephen Bronfman Fellowship in Contemporary Art. Her work has been exhibited in France, Spain, Mexico, Cuba and Montreal and, in 2014, she took part in the Biennale Internationale de l'image en movement (BIM) in Argentina. She has upcoming exhibitions in Toronto and Montreal.

Andréanne Gagnon

Andréanne Gagnon
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Dans ma pratique, je m’intéresse aux frontières entre les différentes disciplines artistiques. L’ambiguïté des œuvres produites les induit aux limites du dessin, de l’estampe et de la photographie. L’œuvre met de l’avant les qualités intrinsèques des matériaux et participe à la redéfinition même des techniques empruntées en s’inscrivant dans un processus de recherche marqué par une curiosité de la matière et le déploiement d’œuvres en grappe.

Mon travail est issu d’une recherche suggérant un rapport particulièrement sensible aux détails plastiques, permettant au regardeur de voyager à travers des microcosmes picturaux magnifiés, dévoilant ainsi de petites topographies et des éléments fins qui ne seraient pas visibles autrement. Le grand dépouillement visuel de ces œuvres nous permet d’entrevoir une complexité inhérente aux matériaux manipulés. Je questionne l’appareil photographique et les pratiques qui en découlent en proposant un système de lecture varié où se rencontrent divers langages des arts visuels.

Andréanne Gagnon vit et travaille à Québec. Elle est titulaire d’un baccalauréat en pratique des arts visuels et médiatiques de l’Université Laval (2013). Ses œuvres ont entre autres été présentées lors d’expositions individuelles et collectives à la Salle Alphonse-Desjardins de l’Université Laval, à VU PHOTO, à Caravansérail, à l’Espace F, à la première Foire en art actuel de Québec présentée à l’Œil de Poisson, à The Artist Project/Untapped Emerging Artist (Toronto) et prochainement à l’Usine C. Elle développera bientôt un projet en collaboration avec ZOCALO afin de produire des œuvres qui serviront à l’édition d’un livre d’artiste.


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Andréanne Gagnon
Artist in Residence

My practice focuses on the borders between various artistic disciplines. The ambiguity of the created works situates them at the limits of drawing, engraving and photography. By way of a research process guided by a curiosity in matter and the display of works in clusters, my creative activity highlights the intrinsic qualities of the materials and partakes in a fundamental redefinition of the techniques used.

A particular relationship to the importance of plastic details is at the root of my research approach. The resulting works allow viewers to travel through magnified pictorial microcosms, which thus reveal small topographies and fine elements that would otherwise not be visible. The pared down visual quality of these works makes it possible to glimpse the complexity inherent in the materials used to make them. By proposing a varied reading system in which diverse visual art languages overlap, I question the photographic camera and the practices derived from it.

Andréanne Gagnon lives and works in Quebec City. She holds an BFA from Université Laval (2013). Her works have been presented in group and solo exhibitions at the Salle Alphonse-Desjardins at Université Laval, VU PHOTO, Caravansérail, Espace F, the first Foire en art actuel de Québec presented at l’Œil de Poisson, and The Artist Project/Untapped Emerging Artist (Toronto), to name but these. She has an upcoming exhibition at l’Usine C, and she is currently working on a collaboration project with ZOCALO to produce works for an artist book publication.

Ève K. Tremblay

Ève K. Tremblay
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Ève K. Tremblay (1972) a grandi entre Val-David et Montréal. Des études en littérature française à l’Université de Montréal sont suivies par un certificat au Neighborhood Playhouse School of the Theatre de New York et un BFA (majeur en photographie) de l'université Concordia. Dans les dix dernières années, elle a travaillé et vécu entre Montréal, Berlin, New York métropolitain et reçu plusieurs bourses et résidences d’artistes (entre autres: iaab /Bâle, CEAAC/Strasbourg, Residency Unlimited/New York). Dans ses œuvres le thème de la conscience est abordé de façon poétique, inspirée principalement par la littérature, le cinéma, et la science. La plupart de ses œuvres sont des photographies et vidéos interconnectées ou figurent des amis, des membres de sa famille ou des scientifiques. Depuis 2007, son cycle d'œuvres EKTBF451/EKTFF451 a ouvert son langage visuel avec la performance, les livres, les médias mixtes et les images sur céramiques. Ses œuvres ont été publiées et exposées notamment au Musée National des Beaux-Arts de Québec, au MACVAL, à la Bergen Kunsthall, à la Kunstraum Kreuzberg, à la Triennale Québécoise au Musée d'art contemporain de Montréal, à la Biennale de Prague et à la Biennale Nordique Momentum 7. Des photographies et céramiques de corpus récents tels que Brain Navigations, Clair Obscur dans l'atelier de mon père, et Suite cônes pyrométriques seront exposées ce printemps à la galerie Molly Krom de New York, à la Gallery 44 de Toronto, au Musée d'art contemporain des Laurentides de St-Jérôme et à la Foire Papier avec la Galerie Antoine Ertaskiran.

http://www.evektremblay.com


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Ève K. Tremblay
Artist in Residence

Ève K Tremblay (1972) grew up between Val-David and Montreal. After studies in French Literature at the University of Montreal she attended The Neighborhood Playhouse School of The Theater in New York. She completed a BFA with photography major at Concordia University in Montreal in 2000. During the past 10 years she has lived and worked between Montreal, Berlin, New York metropolitan area and attended many artists residencies such as the iaab (Basel), CEAAC (Strasbourg) and Residency Unlimited (New York). The thematic of consciousness is explored in her works with a poetic twist, inspired by literature, theater, cinema and science. Most pieces are photographs and videos including her friends, family members and scientists. In 2007 she started a process-based cycle of works entitled EKTBF451/EKTFF451, broadening her practice to other mediums such as videos, performances, books, mixed medias, and image transfers on ceramics. Her works have been published and exhibited namely at the National Museum of Fine Arts of Québec, MACVAL, Bergen Kunsthall, Kunstraum Kreuzberg, in the Quebec Triennial at the Museum of Contemporary Art of Montreal, the Prague Biennale and Momentum 7, the Nordic Biennale. Recent photographs and ceramics from the body of works Brain Navigations, Clair Obscur dans l'atelier de mon père et Suite Cônes pyrométriques will be shown spring 2015 at Gallery Molly Krom, New York, Gallery 44, Toronto, and the Museum of Contemporary Art in St-Jérôme and at Foire Papier with Galerie Antoine Ertaskiran.

http://www.evektremblay.com

Karen Kraven

Karen Kraven
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Née à London en Ontario, Karen Kraven vit et travaille à Montréal. Ses oeuvres mettent en place des rencontres inattendues entre sculptures et images, des ressemblances étranges et des juxtapositions trompeuses. Comme une mise en scène qui a été cristallisée dans le temps, ces espaces confondent et ravissent à travers les stratégies développées par l'artiste. Kraven exploite l'illusion et l'attraction trouvées dans des activités comme le sport, la chasse, la pêche et les jeux de cartes. Ces motifs prennent l'apparence d'objets quotidiens, de substituts faits à la main ou de leurres. Dans un état de transformation, ils s'effondrent les uns sur les autres, nous mystifiant en réapparaissant élargis, divisés et aplatis.

Kraven détient une maîtrise de l'Université Concordia à Montréal et a été récipiendaire de la bourse Dale & Nick Tedeschi. Ses expositions récentes incluent Razzle Dazzle Sis Boom Bah à la Fonderie Darling (Montréal), A Mucker and a Grinder à la Parisian Laundry et As Above, So Below au Centre Clark (Montréal). Ses oeuvres ont été aussi exposées au Centre Dare-Dare (Montréal), à la Leonard & Ellen Bina Gallery (Montréal) et à la Blackwood Gallery (University of Toronto, Mississauga). Kraven a fait une résidence au Banff Centre et au Reverse Pedagogy (Venise). De 2013 à 2016, elle occupe un Studio de création à la Fonderie Darling (Montréal).


http://www.karenkraven.com/

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Karen Kraven
Artist in Residence

Born in London, Ontario, Karen Kraven lives and works in Montreal. Her work set up unexpected encounters between sculptures and images, uncanny resemblances and misleading juxtapositions. Like a stage or film set that's been frozen in time, these spaces confound and delight through the practiced strategies of a con artist. Kraven exploits the illusion and attraction found in such pursuits as sports, hunting, fishing and playing card games. These motifs take the guise of everyday items, handmade surrogates and decoys. Shifting and mutating, they collapse upon one another, mesmerizing us as they reappear enlarged, divided and flattened.

Kraven holds an MFA from Concordia University (Montreal) where she was the recipient of the Dale & Nick Tedeschi Fellowship. Recent solo exhibitions include "Razzle Dazzle Sis Boom Bah" at the Darling Foundry (Montreal), "A Mucker and a Grinder" at Parisian Laundry and "As Above, So Below" at Centre Clark (Montreal). Her work has also been shown at Centre Dare-Dare (Montreal), Leonard & Ellen Bina Gallery (Montreal) and Blackwood Gallery (University of Toronto Mississauga). She has participated in artist's residencies at The Banff Centre and with Reverse Pedagogy (Venice). From 2013-2016, she will have a Montreal Artist's Creation Studio at the Darling Foundry (Montreal).

http://www.karenkraven.com/