Émilie Bernard

Émilie Bernard
Artiste en résidence / Artist in Residence 
(English follows)

Mon travail se définit par un vif intérêt pour la collection et par le grand déploiement de petites pièces. J’accumule et énumère pour créer des successions de variantes, des déclinaisons, des inventaires continuels. Cette pratique sensible au geste du collectionneur se manifeste en deux temps : par des objets et par des dessins évoquant des éléments d’architecture, de la nature ou du quotidien. Je fabrique des objets familiers et étranges, bruts et délicats, épurés et complexes, principalement en plâtre, par moulage, assemblage et taille directe. Je crée des dessins à la fois épurés et détaillés qui jouent avec une banque de sujets que je schématise et réinterprète. Grâce à la répétition et à la redite, ces dessins travaillés avec un souci de la subtilité deviennent des fragments d'inventaire ou se déploient tels des motifs.

Native de la Gaspésie, Émilie Bernard vit et travaille à Québec. En 2010, elle a complété une maîtrise en arts visuels à l’Université Laval. Son travail a été présenté dans plusieurs centres d’artistes, galeries et centres d’exposition au Québec, en Finlande et en Islande. Depuis 2011, elle réalise surtout des résidences de création. Elle a notamment élaboré des projets au Vermont Studio Center (États-Unis), au Kulttuurikauppila Art Centre (Finlande), à The association of Icelandic visual artists (Islande), au Akos Centre (Arménie) et à l’Œil de Poisson (Québec). Jusqu’à présent, elle a été appuyée par le Conseil des arts et des lettres du Québec, Première Ovation et le Conseil des arts du Canada.


http://emilie-bernard.com/


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Émilie Bernard
Artist in Residence 

My work is guided by a deep interest in collecting and characterized by a broad display of small pieces. I accumulate and enumerate to create sequences of variations, assortments, and continual inventories. This practice, reminiscent of a collector’s meticulous gestures, is expressed in two ways: through objects and through drawings which evoke architecture, nature or everyday life. I make familiar and strange objects, at once rough and delicate, pared down and complex, using mainly plaster, casting, assemblage or direct carving techniques. I create drawings that are both polished and detailed, which play with a range of subjects that I condense and reinterpret. By way of repetition and recurrence, these subtly rendered drawings become fragments of an inventory in which they unfold like motifs.


Originally from Gaspésie, Émilie Bernard lives and works in Quebec City, where she earned a MFA at Université Laval. Her work has been presented in several artist-run centres, galleries and exhibition centres in Quebec, Finland and Iceland. Since 2011, she has primarily devoted her time to creation residencies. She notably developed projects at the Vermont Studio Center (US), the Kulttuurikauppila Art Centre (Finland), The Association of Icelandic Visual Artists (Iceland), the Akos Centre (Armenia) and l’Œil de Poisson (Quebec City). To date, she has been supported by the Conseil des arts et des lettres du Québec, Première Ovation and the Canada Council for the Arts.

http://emilie-bernard.com/

Exposition David Lafrance

David Lafrance

La peur de perdre

(English follows)

EXPOSITION du 19 février 2015 au 30 avril 2015

VERNISSAGE le jeudi 19 février 2015 à 17h00

David Lafrance présente La peur de perdre, au Centre SAGAMIE d’Alma, une nouvelle série de tableaux miniatures denses et complexes illustrant la possession des lieux : des environnements intérieurs en voie de devenir un domicile.

Cette série s’inscrit dans une suite portant sur le quotidien et la proximité. L’œuvre est supportée par l’immanence du réel, mais poussée aux limites du possible des avenues graphiques et esthétiques de la peinture moderne. Le corpus présenté a été stimulé par un déménagement domestique où chaque objet du quotidien est revisité et analysé. Garder, jeter, donner ou revendre? C’est dans ce chaos ménager que fut entreprise au compte-goutte la création de la présente série, stimulant la réflexion portant sur des sujets d’actualité socioéconomique comme l’austérité, l’hyperconsommation, la mondialisation, la lutte des classes et la dépendance aux technologies.

Cette recherche picturale invite une multitude de sujets à co-habiter tant bien que mal, formant entre hasard et conscience des compositions symboliques. Par le « design d’intérieur », la nature morte et l’abstraction, les thèmes de la domesticité et de l’acquisition se déchirent. On y retrouve tantôt des accumulations maladives, tantôt la négligence des lieux. Ce sont les signes de l’expression du malaise de l’artiste tiraillé entre l’abondance matérielle et la crise sociale, grands thèmes anxiogènes de notre époque. 

Si les tableaux soulignent l’abondance démesurée des biens matériels, ceux-ci sont fabriqués à une échelle des plus réduite, presque miniature, ne prenant que très peu d’espace et facilitant le transport et l’entreposage. Cette résolution quant au support donne alors un peu d’espoir vis-à-vis la perte de contrôle dans un lieu limité.

David Lafrance est né en 1976 au Québec et vit et travaille à Montréal. Il est diplômé depuis 2001 de l’Université Concordia à Montréal en peinture et dessin. Ces dernières années ce peintre, aussi graveur et sculpteur, a réalisé plusieurs expositions au Québec, au Canada et au États-Unis. Il est récipiendaire de bourses du Conseil des arts et des lettres du Québec. On peut retrouver ses œuvres dans plusieurs collections publiques et corporatives. En complément à son œuvre picturale, sa pratique artistique évolue à travers la musique expérimentale et bruitiste. Il est cofondateur, avec son frère Vincent, des Jouets Lafrance, un projet de sculptures populaires autodidactes. Il est représenté par la galerie Hugues Charbonneau.

L’artiste travaille sur des peintures sensorielles et stimulantes adoptant différents cadres figuratifs. Ses compositions sont motivées par l’accumulation plus ou moins logique de sujets qui nourrissent la recherche au niveau des préoccupations de notre société. À la source de cette quête, à caractères esthétique et symbolique, il y a un malaise, un problème d’identité et d’autodétermination créé par le vide spirituel contemporain. Il trouve une source d’inspiration dans la façon dont les gens consomment, s’évadent, fantasment et développent le goût du beau et de la sécurité comme refuge.

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David Lafrance

La peur de perdre

EXHIBITION February 19, 2015 / April 30, 2015

OPENING Thursday, February 19, 5 p.m

David Lafrance is presenting La peur de perdre at the Centre SAGAMIE in Alma. This exhibition comprises a series of dense and complex miniature paintings illustrating the occupation of a place: interior environments in the process of becoming a home.

This series is part of an ongoing project focused on the everyday and proximity. Though the work is supported by the immanence of the real, it pushes the graphic and aesthetic possibilities of modern painting to its limits. The exhibited body of work was inspired by a home move in which everyday objects had to be reconsidered and analyzed one by one. Should it be kept, thrown out, given away or sold? It is in this domestic chaos that the current series slowly began to arise. The presented works stimulate thought about topical socioeconomic subjects such as austerity, hyper-consumption, globalization, class struggle and technology dependence.

This visual research brings together a multitude of not always compatible subjects, which take shape as a symbolic composition born of a mix between chance and conscious choice. The “interior design”—combining the still-life and abstraction—causes the themes of the home and acquisition to clash. Here, sickly accumulations alternate with neglected places. These signs express the malaise of the artist, who is torn between material abundance and social crisis, two major sources of anxiety in our era.

Though the paintings emphasize the excessive abundance of material goods, they are created on a very small, almost miniature scale, and thus take up hardly any space, which facilitates their transportation and storage. In thus inscribing the resolution in the support, the artist provides some hope for a situation in which limited space can lead to a loss of control.

David Lafrance was born in 1976 in Quebec and he lives and works in Montreal. In 2011, he graduated from Concordia University (Montreal) with a specialization in painting and drawing. For the last few years the painter, who is also an engraver and sculptor, has had several exhibitions in Quebec, Canada and the US. He has received grants from the Conseil des arts et des lettres du Québec and his works are part of several public and corporate collections. In addition to his visual work, his artistic practice also includes experimental and noise music. He is the cofounder, alongside his brother Vincent, of the Lafrance Toys project, which consists of folk sculptures created in a self-taught manner. He is represented by the Galerie Hugues Charbonneau

Through the use of various figurative frameworks, the artist creates sensory and stimulating paintings. His compositions are motivated by a more or less logical accumulation of subjects that reference current social concerns. At the root of this aesthetically and symbolically inflected quest there is a malaise, a struggle with identity and self-determination issues brought about by the spiritual bareness of our times. He draws his inspiration from the way in which people consume, engage in escapism, fantasize and cultivate a taste for beautiful things and security as a refuge.

Anne-Marie Ouellet et Thomas Sinou

Anne-Marie Ouellet et Thomas Sinou
Artiste en résidence / Artist in Residence
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Anne-Marie Ouellet et Thomas Sinou fonde L’eau du bain en 2008 pour créer des œuvres théâtrales, installatives et sonores. Leurs trois volets de « La trilogie de la mort de l’enfant » ont été présentés dans différents festivals au Québec et en France. Sur toute l’année 2011, L’eau du bain a été accueillie en résidence à Mains d’œuvres, en banlieue parisienne. En collaboration avec l’Usine C, L’eau du bain travaille actuellement sur un nouveau cycle avec la série « Portraits », des œuvres performatives mettant en scène des adolescents et des personnes âgées. Le son de l’ère est froid, est le sixième projet de la compagnie.

Faisant appel au théâtre, à l’art sonore et à l’installation, les créations de L’eau du bain sont des mélanges hybrides qui s’intéressent au franchissement des frontières. À chaque nouvelle création, les règles de jeu se modifient et de nouvelles machines sont élaborées pour mettre en place une réelle interaction entre l’espace, l’environnement sonore, les artistes, le public et des éléments du réel. Du Lac Saint-Jean gelé à un CHSLD, le collectif se déplace pour créer, déborde du plateau pour aller à la rencontre de nouveaux paysages et de nouveaux personnages. Dans leurs œuvres, il est souvent impossible de distinguer ce qui est réel de ce qui est fictif.

http://www.eaudubain.com/


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Anne-Marie Ouellet and Thomas Sinou
Artist in Residence

Anne-Marie Ouellet and Thomas Sinou founded L’eau du bain in 2008 to create theatrical, installation and sound works. The three parts of the “La trilogie de la mort de l’enfant” were presented in various festivals in Quebec and in France. In 2011, L’eau du bain was invited to undertake a one-year residency at Mains d’Œuvres, located on the outskirts of Paris. In collaboration with Usine C, L’eau du bain is currently working on a new cycle with the series “Portraits”, which consists of performative works featuring adolescents and elderly persons. Le son de l’ère est froid is the company’s sixth project.

Drawing on theatre, sound art and installation, L’eau de bain’s creations are hybrid mixtures intent on crossing borders. With each new work, the rules of the game are modified and new machines are developed to trigger a veritable interaction between the space, sound environment, artists, audience and elements of the real. From the frozen Lac Saint-Jean lake to nursing homes, the group travels to create, always eager to go beyond the stage in search of new landscapes and characters. In their works, it is often impossible to distinguish between fact and fiction.

http://www.eaudubain.com/

Éric Raymond

Éric Raymond

Artiste en résidence / Artist in Residence 

(English follows)

Mes œuvres interrogent l'origine des images. Exploitant la nature arbitraire des associations visuelles, mon travail pose le problème de la genèse des représentations avec insistance. Depuis 1997, je me consacre à la réalisation du corpus Lanternes / Lighthouses auquel s'intègre la série de boîtes lumineuses Plus grand que nature. Celle-ci exploite les qualités plastiques de la macrophotographie pour développer un questionnement sur l’écart entre les représentations visuelles et leurs contreparties verbales. Le souci de «faire image» se transpose dans les titres pour y provoquer des déplacements de sens qui en altèrent la lecture initiale.


Depuis plus de trente ans, Éric Raymond est actif dans le domaine des arts visuels et médiatiques. Son travail a été présenté sur la scène nationale et internationale notamment à la Absolut L.A. International Biennial Art Invitational (L.A. U.S.A.), Ars Electronica (Linz, Austria), L.A. Freewave (L.A. U.S.A.), Artcore Gallery (Toronto), Trinity Square Video Gallery (Toronto), Dazibao (Montréal), TPW (Toronto), Inter Access (Toronto), le Centre des Arts Saidye Bronfman (Montreal), Netwerk/ Center for contemporary art, (Aalst, Belgique), le Centro Cultural PUCP (Lima, Peru), la galerie de la Maison du Canada (Londres) et la Maison des métallos (Paris).

http://www.eric-raymond.com/

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Éric Raymond

Artist in Residence 

My work raises questions about the origin of images. Through the use of arbitrary visual associations, it explores issues related to the sources of mental representations. Since 1997, I have been developing a body of work called Lanternes/ Lighthouses, which includes the Larger Than Life lightboxes series. Those pictures use the characteristics of macrophotography to question the gap between visual representations and their language counterparts. The idea of “picturing” something is transposed in the titles to provoke a semantic shift that will alter the initial interpretation of the image.



Eric Raymond has been active in the field of visual and media arts for over thirty years. He has exhibited his work on the national and international scene in several solo and group shows notably at the Absolut L.A. International Biennial Art Invitational (L.A. U.S.A.), Ars Electronica (Linz, Austria), L.A.Freewave (L.A. U.S.A.), Artcore Gallery (Toronto), Trinity Square Video Gallery (Toronto), Dazibao (Montréal), TPW (Toronto), Inter Access (Toronto), the Saidye Bronfman Centre for the Arts (Montreal), Netwerk/ Center for contemporary art, (Aalst, Belgium), the Centro Cultural PUCP (Lima, Peru), Canada House Gallery, London (England), Maison des métallos (France).

http://www.eric-raymond.com/

Lorna Bauer

Lorna Bauer and Jon Kowles, Professionnal Development, 2014. 

Lorna Bauer 

Artiste en résidence / Artist in Residence 

(English follows)

Mes oeuvres interpellent les aspects moins visibles de la production artistique et, dans certains cas, elles analysent la construction de l'image représentée et médiatisée. Mes projets prennent habituellement la forme de créations liées à des sites historiques et leur réalisation peut s'échelonner sur plusieurs mois. Ces oeuvres émanent d'une recherche portant sur un site spécifique et se prolongent dans des oeuvres rigoureuses répondant à un contexte donné. Bon nombre de mes recherches sont issues d'un intérêt pour l'architecture, pour le plan urbain, ainsi que pour les histoires personnelles liées à un lieu en particulier.

L'artiste Lorna Bauer vit et travaille à Montréal. Ses oeuvres ont fait l'objet d'expositions individuelles à la Galerie Nicolas Robert, à Sporobole, chez YYZ Artist Outlet, à la galerie Les Territoires, au centre d'art de l'Université de Toronto, ainsi qu'au Projection Access Space de l'Art Gallery de Mississauga. Son travail a récemment été présenté dans le cadre des expositions Le travail qui nous attend au Musée d'art contemporain de Montréal et Decisive Moments, Somewhere Else chez Trinity Square Video, à Art Metropole, ainsi qu'à la Convenience Gallery (en compagnie de Jon Knowles). En 2012, Lorna Bauer a obtenu une résidence dans le cadre d'un échange Québec-New-York et au Couvent des Récollets à Paris en 2013. Ses oeuvres seront sous peu présentées lors d'une exposition individuelle à Kingston chez Modern Fuel. 

http://www.lornabauer.com/

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Lorna Bauer 

Artist in Residence 

I use my work to question - in a reflective way- the less visible aspects of making art, at times analyzing how images are constructed, represented and mediated. Projects are generally characterized as historical site related works made over several months and develop out of site-specific research, leading to precise works that respond to a given context.  Many of these works begin out of an interest in the architecture, the urban plan, and personal histories of a particular place.

Bauer lives and works in Montreal. She has presented her work in solo exhibitions at Galerie Nicolas Robert; Sporobole; YYZ Artist Outlet; Gallery Les Territoires; The University of Toronto Art Centre and in the Projection Access Space at the Art Gallery of Mississauga. Recently, Bauer's work was included in The Work Ahead of Us at the Musée d'art Contemporain de Montréal; Decisive Moments, Somewhere Else at Trinity Square Video, Art Metropole and Convenience gallery (w Jon Knowles). Bauer has been awarded two Conseil des Arts et Lettres studio residencies, one in New York City as part of the Québec-New York State residency exchange (2012), and the other at the Couvent des Récollets, in Paris (2013). Upcoming activities include a solo exhibition at Modern Fuel in Kingston.

http://www.lornabauer.com/

Alain Lefort

Alain Lefort
Artiste en résidence / Artist in Residence
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Depuis de nombreuses années, mes recherches artistiques portent sur la représentation photographique du territoire. Je cherche à représenter l’idée d’une nature qui soit autant sauvage ou inquiétante que bucolique et pastorale. Mes compositions photographiques recèlent des tensions et des antinomies qui peuvent provoquer chez le spectateur une inquiétante étrangeté (CF S. Freud). C’est-à-dire que je cherche à composer des paysages qui soient invitants en recélant un potentiel dramatique, voire angoissant.

Généralement, je procède par série en explorant un type de paysage naturel difficilement accessible ou méconnu. Ces paysages sont choisis pour leur potentiel esthétique et graphique ainsi que pour la charge dramatique que je pressens. Travaillant in situ, je m’extirpe d’une zone de confort et m’expose aux difficultés du lieu pour chercher et ressentir ses caractéristiques. Sur place, j’explore et capte ces paysages à l’aide de diverses caméras, anciennes ou récentes, analogues ou numériques. Les manipulations informatiques subséquentes aux prises de vue me permettent d’agencer les matières photographiques propres à chaque médium employé. Ces manipulations sont l’occasion d’accentuer certains effets dramatiques des prises de vues initiales, de revisiter la composition et d’agencer les matières photographiques. Ce travail aboutit à une surface structurée, de grand format et où le spectateur pourra se confronter aux tensions que je cherche à créer plastiquement.

Ainsi, qu’il s’agisse des grandes forêts brûlées du Nord du Québec (Ce qu’arbre a dit), des mangroves des Everglades en Floride (Le Souffle d’Écho) ou les paysages lacustres des Laurentides et de Charlevoix (Arcadia), j’explore ces environnements en quête de compositions qui soient à la fois conviviales, poétiques et peut-être même, étouffantes et inquiétantes.

Alain Lefort est né à Montréal (Canada) en 1968, où il vit et travaille actuellement. Il a étudié la photographie à l’Université Concordia à Montréal. Il s’inscrit dans le paysage artistique montréalais depuis 1992. Son travail est diffusé en permanence à Montréal et à Québec par Lacerte Art contemporain ainsi qu’à Neubacher Shor Contemporary à Toronto. Alain Lefort compte à son actif plus d’une cinquantaine d’expositions tant individuelles que collectives au Québec comme à l’étranger (Albanie, États-Unis, Portugal...). Ses oeuvres ont notamment été acquises par le Cirque du Soleil, le Musée national des beaux-arts du Québec, Loto-Québec et UMA (la Maison de l’image et de la photographie). Son travail a aussi fait l’objet de nombreuses publications.

http://www.alainlefort.com/

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Alain Lefort
Artist in Residence

For quite some time now, the photographic representation of the land has been the focus of my artistic research. I seek to represent an idea of a nature that is both wild or unsettling and bucolic and pastoral. My photographic compositions convey underlying tensions and antinomies which may trigger feelings of the uncanny (S. Freud). I aim to compose landscapes which are inviting, but which also comprise a dramatic, or even troubling potential.

I usually develop my work in a series approach by exploring a type of natural landscape that is hard to access or little-known. These landscapes are selected on the basis of their aesthetic and graphic potential as well as for the dramatic charge I sense within them. I work onsite and try to step out of my comfort zone in order to expose myself to the site’s difficulties and to discover and experience its characteristics. In the field, I explore and capture these landscapes with the help of various old or recent, analog or digital cameras. The subsequent digital modifications of the shots enable me to assemble the photographic materials inherent in each of the mediums I use. These modifications make it possible to highlight certain of the initial shots’ dramatic effects, to rework the composition and to assemble the photographic materials. This process results in a large-scale structured surface in which the viewer can confront the tensions I seek to create on a visual and formal level.

Whether it be the vast burned forests of northern Quebec (Ce qu’arbre a dit), the mangroves of the Florida Everglades (Le Souffle d’Écho) or the Laurentides and Charlevoix lake landscapes (Arcadia), I explore these environments in search for compositions which are at once welcoming and poetic, and, in some regards, oppressive and unsettling.

Alain Lefort was born in 1968 in Montreal (Canada), where he currently lives and works. He studied photography at Concordia University in Montreal. He has been involved in the Montreal art milieu since 1992. His work is on permanent display in Montreal and Quebec City through Lacerte Art contemporain, as well as at the Neubacher Shor Contemporary in Toronto. Alain Lefort has had over fifty solo and group exhibitions in Quebec and abroad (Albania, the US, Portugal...). His works have notably been acquired by the Cirque du Soleil, the Musée national des beaux-arts du Québec, Loto-Québec and UMA (La Maison de l’image et de la photographie). Several publications have also been dedicated to his work.

http://www.alainlefort.com/

Emmanuelle Jacques

Emmanuelle Jacques
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

La pratique d'Emmanuelle Jacques est issue du dessin et des arts imprimés. Elle se présente sous forme d’installations, de livres d’artistes, de vidéos, d’art relationnel ou d’autres manœuvres. Son travail se développe par projets, dont certains évoluent en parallèle depuis plusieurs années. En poursuivant des tâches répétitives, voire interminables, elle crée des contextes favorables à la réflexion, dont la durée lui permet de formuler ses idées et donner sens à son travail. Marquée par la philosophie absurde, elle balance entre un sentiment d’émerveillement devant le monde et de révolte devant l’impossibilité d’y trouver un sens. Ses projets récents explorent les notions d’espace et de territoire, que ce soit à travers leur appropriation par les individus ou les collectivités (Une cartographie subjective, Les chemins de traverse), leur portée poétique et politique (Lieux communs) ou leur dimension imaginaire (La création de l’univers, Cartographies spontanées).

Emmanuelle Jacques vit à Montréal, où elle a complété un baccalauréat en arts visuels à l’UQAM en 2004. Elle a présenté son travail, animé des ateliers de création et réalisé des projets en résidence à Montréal, Toronto, Vancouver, Winnipeg, Moncton, Saint John’s, Baie-Comeau, Natashquan et aux Îles-de-la-Madeleine. Son livre d’artiste Lieux communs : Commonplaces s'est classé finaliste au concours Artist Book of the Moment de la galerie de l’université York (Toronto, 2012). Engagée dans son milieu, elle a présidé le conseil d'administration d'Arprim et consacré 5 ans à la transformation de l'organisme en centre d'artistes voué à la diffusion des pratiques actuelles liées aux arts imprimés.

https://emmanuellej.wordpress.com/

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Emmanuelle Jacques

Artist in Residence

Emmanuelle Jacques’s practice is rooted in drawing and the print media. Her work is presented in various forms such as installations, artist books, videos, relational art or other manoeuvres. She develops her work by way of projects, some of which have been unfolding in parallel for several years. In pursuing repetitive, even endless tasks, she creates contexts that are conducive to lengthy reflection, which allows her to articulate ideas and make her work meaningful. Having been influenced by the philosophy of the absurd, she views the world with both a sense of wonder and, due to the impossibility of finding meaning in it, one of revolt. Her recent projects explore notions of space and territory, whether it be through their appropriation by individuals or communities (Une cartographie subjective, Les chemins de traverse), their poetic and political resonance (Lieux communs: Commonplaces) or their imaginary dimension (La création de l’univers, Cartographies spontanées).

Emmanuelle Jacques lives in Montreal where she earned a BFA at UQAM in 2004. She has presented her work, given workshops and carried out residency projects in Montreal, Toronto, Vancouver, Winnipeg, Moncton, Saint John’s, Baie-Comeau, Natashquan and the Îles-de-la-Madeleine. Her artist book Lieux communs: Commonplaces was a finalist in the Artist Book of the Moment competition at the Art Gallery of York University (Toronto, 2012). An active member of her milieu, she was the president of Arprim's board of directors and for 5 years she took part in the organization’s transformation into an artist-run centre dedicated to the dissemination of contemporary print-related art practices.

https://emmanuellej.wordpress.com/

Aude Moreau

Aude Moreau
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Depuis 2010, Aude Moreau développe des projets d’interventions in situ qui utilisent la fenestration des édifices à bureaux de grands centres urbains pour y inscrire du langage. Construites à partir du signal qu’émet la lumière du bureau, ces interventions utilisent la production énergétique déjà existante de la ville illuminée pour en rejouer le spectacle. La dynamique de cette démarche privilégie l’angle sous lequel l’intervention artistique agit de l’intérieur de la production urbanistique pour se réapproprier l’espace symbolique de la ville. Ce cycle de travail qui a débuté avec une première intervention réalisée en collaboration avec la Tour de la bourse à Montréal et s’est poursuivi avec deux projets en cours de réalisation à Los Angeles et à Manhattan. Dans le cadre de cette résidence au Centre SAGAMIE, l'artiste développera un corpus d’œuvres qui seront issues de la documentation des différentes étapes de réalisation de ces projets.

Aude Moreau détient une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal. Ses interventions et installations ont été présentées au Québec, aux États-Unis, en France, en Italie, en République tchèque et au Luxembourg. Récipiendaire de la bourse en art contemporain Claudine et Stephen Bronfman et du Prix Powerhouse en 2011, Aude Moreau a exposé récemment au Musée d’art contemporain de Montréal et à la galerie de l’UQAM dans le cadre de l’échange Montréal/Brooklyn. Son travail fait partie de la collection Loto-Québec, de la collection Prêt d’œuvres d’art du Musée National des Beaux-Arts du Québec et de la Banque d’œuvre d’art du Canada. Son travail est représenté par la galerie Antoine Ertaskiran.

http://audemoreau.net/

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Aude Moreau
Artist in Residence

Since 2010, Aude Moreau has been developing site-specific intervention projects in which she uses the windows of office buildings in metropolitan areas to inscribe text. These interventions are constructed with the light signal emitted by the respective offices, thus using the energy source already present in the illuminated city in order to replay its spectacle. The underlying dynamic of the approach favours a perspective in which the artistic intervention proceeds from inside urban production in view of re-appropriating the symbolic space of the city. This work cycle, which began with an initial intervention at the Montreal Stock Exchange Tower, is ongoing with two projects currently in progress in Los Angeles and Manhattan. As part of this residency at the Centre SAGAMIE, the artist will develop a body of works which will draw on the documentation of the project’s various production stages.

Aude Moreau holds a MFA from the Université du Québec à Montréal. Her interventions and installations have been presented in Quebec, the US, France, Italy, the Czech Republic and Luxembourg. In 2011, she received the Claudine and Stephen Bronfman Fellowship in Contemporary Art as well as the Prix Powerhouse Galerie La Centrale. She recently exhibited her work at the Musée d’art contemporain de Montréal and the Galerie de l’UQAM as part of the Montreal/Brooklyn event. Her works are part of the Loto-Québec collection, the Prêt d’œuvres d’art at the Musée National des Beaux-Arts du Québec and the Canada Council Art Bank. She is represented by the Galerie Antoine Ertaskir.

http://audemoreau.net/

Michel Huneault

Michel Huneault
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Michel Huneault est un photographe et artiste visuel basé à Montréal. Avant de se consacrer à temps plein à sa pratique artistique, en 2008, Michel a travaillé en tant que professionnel du développement international pendant plus de dix ans, ce qui l’a mené dans plus d’une vingtaine de pays. Il détient une maîtrise en Études latino-américaines de l’Université de la Californie à Berkeley, où il fut boursier Rotary pour la paix et la résolution de conflits. C'est à Berkeley qu'il fut étudiant et assistant de cours de Gilles Peress, de l’Agence Magnum Photo, puis apprenti à son studio new-yorkais, ce qui constitue sa principale formation en photographie.

Aujourd'hui, son travail photographique continue de s'attarder aux enjeux liés au développement, à la paix (ou la guerre), et aux géographies compliquées, un corpus incluant du travail exécuté au Canada (Lac-Mégantic), au Japon (Tohoku) et en Haïti (Port-au-Prince). Son travail récent a été présenté dans différents festivals et galeries au Canada, au Royaume-Uni et aux Pays-Bas. La longue nuit de Mégantic, un travail d'un an portant sur le deuil et le traumatisme, a pris initialement affiche à la Maison de la culture Rosemont en mai 2014. Après avoir reçu le prix du meilleur portfolio présenté au festival Contact 2014, La longue nuit de Mégantic sera ensuite exposée à Toronto en janvier 2015.

http://www.michelhuneault.com/

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Michel Huneault
Artist in Residence

Michel Huneault is a Montreal-based photographer and visual artist. Before devoting himself full time to his artistic practice in 2008, Michel worked for over ten years in the international development field, a profession which took him to over twenty countries. He holds a MA in Latin American Studies from the University of California, Berkeley, where he was a Rotary World Peace Fellow. At Berkeley, he was the student and teaching assistant of Gilles Peress, from the Magnum Photo Agency, and afterwards became his apprentice at his New York studio, which comprises his main training in photography.

Currently, his photography work continues to focus on development related issues, to peace (or war), and complex geographies. His body of work includes work created in Canada (Lac-Mégantic), Japan (Tohoku) and Haiti (Port-au-Prince). His recent work was shown in various galleries and festivals in Canada, the UK and the Netherlands. La longue nuit de Mégantic, a one-year work about grief and trauma, was first exhibited at the Maison de la culture Rosemont in May 2014. After having received the Portfolio Reviews Exhibition Award at the 2014 Contact festival, La longue nuit de Mégantic will subsequently be exhibited in Toronto in January, 2015.

http://www.michelhuneault.com/

Marie Brunet

Marie Brunet
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Pour cette résidence au Centre SAGAMIE, j'entends poursuivre ma recherche sur l’intégration de la photographie au tissage sur métier tout en étendant son application à des tissus imprimés de formes variées. Cette exploration est rendue possible grâce une bourse de recherche/création du Conseil des Arts de Saguenay en partenariat avec la MRC du Fjord-du-Saguenay. En 2013, une aide financière du Programme de soutien aux initiatives culturelles du milieu, soutenue conjointement par la MRC du Fjord-du-Saguenay et le centre d’artistes Le Lobe de Chicoutimi, en collaboration avec le Centre SAGAMIE d’Alma, m’avait permis d’explorer la technique du tissage sur métier en intégrant des montages photographiques afin de créer de grandes murales avec la participation du Cercle des Fermières.

Née à Québec en 1960, Marie Brunet détient un baccalauréat en arts plastiques (Université du Québec à Montréal, 1983). En 1984, elle fonde l’atelier La Presse la Bête à Cornes (Montréal), un lieu de production et de diffusion en lithographie. Depuis 2000, elle se consacre principalement à la photographie. Récipiendaire de différentes bourses, son travail a été vu à plusieurs reprises tant au Canada, en Allemagne, en Inde qu’en France. Membre de diverses associations et comités de développement culturel, elle a réalisé plusieurs œuvres publiques dans le cadre de la politique d’intégration des arts à l’architecture et à l’environnement. Elle réside et travaille à L’Anse-Saint-Jean depuis 2002.

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Marie Brunet
Artist in Residence

For this residency at the Centre SAGAMIE, I intend to pursue my research about integrating photography with loom weaving, all the while broadening photography’s application to printed fabrics of various types. This exploration has been made possible thanks to a research/creation grant from the Conseil des Arts de Saguenay in partnership with the Fjord-du-Saguenay MRC. In 2013, funding from the Programme de soutien aux initiatives culturelles du milieu, jointly supported by the MRC of the Fjord-du-Saguenay and the artist-run centre Le Lobe in Chicoutimi, in collaboration with the Centre SAGAMIE in Alma, enabled me to explore loom weaving techniques by integrating photomontages in view of creating large-scale murals with the participation of the Cercle des Fermières.

Born in Quebec City in 1960, Marie Brunet holds a BFA (Université du Québec à Montréal, 1983). In 1984, she founded La Presse la Bête à Cornes studio (Montreal), which is dedicated to silkscreen production and dissemination. Since 2000, her work has been shown on many occasions in Canada, Germany, India and France. She is a member of various cultural development committees and has created several public works as part of the policy to integrate art with architecture and the environment. Since 2002, she lives and works in Anse-Saint-Jean.

Sabina Rak

Sabina Rak
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Dans mon travail, je combine l'art imprimé et le dessin pour explorer les systèmes de la vie et de la création, la manière dont tout est physiquement constitué et mentalement interconnecté. Entre l'art et la science, j'essaie de créer un espace visuel pour explorer leur intersection.

Ma pratique artistique allie des éléments du corps humain avec la technologie numérique. Je suis particulièrement intéressée par l'évolution de l'humain en parallèle avec son progrès technologique.

J'imagine et exprime en images un futur de la race humaine où la science aide à l'optimisation des processus tant biologiques que numériques. Les motifs visuels que je crée recodent la perception du futur, en essayant de décoder les limites entre nous et notre création, et d'étudier la proximité entre ce qu’on perçoit en tant que déconnecté.

Sabina Rak vit et travaille à Montréal où elle a obtenu un baccalauréat en beaux-arts de l'Université Concordia, en 2014. Elle détient également un baccalauréat et une maîtrise en histoire de l'art et est passionnée par la science, sa source principale d'inspiration.

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Sabina Rak
Artist in Residence

In my work, I mix print and drawing to explore the networks of life and of creation, the way everything is physically composed as well as mentally interconnected. Somewhere between art and science, I try to create a visual space of exploration of their intersection.

My artistic practice combines elements of the human body with digital technology. I am particularly interested in the evolution of the human in parallel with our technological advancements.

I imagine and express in images the future of humans where science helps in the optimization of both biological and digital processes. The patterns I create recode the perception of the future, trying to decode the limits between us and our creation, and to study the closeness between that which we may perceive as disconnected.

Sabina Rak works in Montreal where she graduated in 2014 with a BFA from Concordia University. She also has a B.A. and an M.A. in Art History, and is passionate about science, her main source of inspiration.

Mathieu Grenier

Mathieu Grenier
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Mathieu Grenier s’intéresse à la relation de l’artiste avec le travail créatif et à celle du spectateur face à l’œuvre d’art. Par la photographie, les interventions contextuelles et l’installation, il explore la mémoire et ses potentialités multiples : sensible et riche en références, son travail prend tout son sens dans la contemplation, l’exercice de compréhension et la réactivation de la mémoire. Ses œuvres génèrent des expériences où le spectateur est amené à réfléchir sur le statut de l’œuvre. Dans une esthétique dépouillée et minimale, son travail continue une démarche conceptuelle qui engage le spectateur à faire l’expérience de la prise de conscience de l’essence de l’œuvre. Ce qu’il poursuit, c’est le déplacement du dispositif de l’œuvre vers l’œuvre comme dispositif.

Mathieu Grenier (né en 1985) vit et travaille à Montréal, où il a complété un baccalauréat à l’UQÀM. À travers sa pratique de l’installation et de la photographie, il interroge les relations entre l’artiste, le travail créatif, le spectateur, l’œuvre et le contexte d’exposition. Parfois de nature référentielle, son travail fait appel à la mémoire pour reconstituer une certaine histoire des œuvres. Son travail sera bientôt présenté dans le cadre d’expositions individuelles à Arprim (Montréal) et au Lobe (Chicoutimi). Il a récemment reçu le prix Charles Pachter pour jeune artiste émergent canadien de la fondation Hnatyshyn.

http://www.mathieugrenier.ca/
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Mathieu Grenier
Artist in Residence

Through a practice that involves installation — generally produced in situ — and photography, Mathieu Grenier explores the relationships between the artist and creative work, and between the viewer, the work and an exhibition context. Sometimes referential in nature, sometimes humorous, his work draws upon memory to piece together a certain story for the works and their interactions. His art generate experiences where the visitor is brought to think about the status of the work. In a minimal and a bare aesthetic, his work pursues conceptual approaches that engage the viewer into an awareness of the essence. His projects, developed with great attention to detail, suggest a “shift from the devices behind the work to the work itself as device.”

Mathieu Grenier (born in 1985) lives and works in Montréal, and has a B.A. in Visual and Media Arts from the UQÀM. Through a practice that involves installation and photography, he explores the relationships between the artist and creative work, and between the viewer, the work and an exhibition context. His work draws upon memory to piece together a certain story for the works and their interactions. In 2015, Mathieu Grenier’s work will be featured in solo exhibitions at Arprim in Montréal and at Le Lobe in Chicoutimi. He has been recently awarded the Charles Pachter’s prize for canadian emerging artist from the Hnatyshyn Fondation.

http://www.mathieugrenier.ca/

Étienne Tremblay-Tardif

Société-écran / The Wall Street Journal, Wednesday, September 4, 2013
Impression numérique sur tissu de soie (numérisation et agrandissement d'une sérigraphie sur papier journal / extrait d'une série de 9 foulards)
116,8 x 121.9 cm
2013-2014

Étienne Tremblay-Tardif
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Étienne Tremblay-Tardif est établi à Montréal et est originaire de l'Isle-aux-Coudres. Il a complété un baccalauréat en études cinématographiques et histoire de l'art à l'Université de Montréal (2006), ainsi qu'un baccalauréat (2009) et une maîtrise (2013) en arts visuels à l'Université Concordia. Le début et la fin de ses études universitaires sont marqués par deux importants mouvements étudiants (grèves de 2005 et 2012). Au cours des dernières années, il s'implique dans le réseau des centres d'artistes autogérés, notamment à travers le renouvellement d'Arprim, centre d'essai en art imprimé.

Les notions d'indexation, d'abstraction, de performativité, de commémoration et d'iconoclasme fournissent les cadres de son travail sur la culture matérielle, le champ de l'information et l'histoire sociale et politique du Québec. Il développe des intérêts marqués pour la densité et la complexité de l'espace social urbain, les multiples et les livres d'artistes, l'architecture, le cinéma direct, la culture visuelle et la théorie critique. Il a présenté dernièrement les projets Matrice Signalétique pour la réfection de l'échangeur Turcot (Biennale de Montréal, MACM, 2014), Société-écran (Occurrence, 2014), Fonction publique (AXENÉO7, 2013), Bookworms (Arprim, 2012) et Hôpital-Maxime-le-Jaune (Symposium international d'art contemporain de Baie-Saint-Paul, 2012).

http://www.etiennetremblaytardif.com/

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Étienne Tremblay-Tardif
Artist in Residence

Étienne Tremblay-Tardif is based in Montreal and was born in Isle-aux-Coudres. He completed a BA degree in Film Studies and Art History at Université de Montréal (2006), as well as BFA (2009) and MFA (2013) degrees in Studio Arts at Concordia University. His university studies are bracketed by two important student strikes (2005 and 2012). Over the last years, he got involved in the artist-run centers network, notably through the renewal of Arprim, centre d'essai en art imprimé.

In his work, the notions of indexation, abstraction, performativity, commemoration and iconoclasm frame engagements with material culture, the field of information and Québec social and political history. He develops marked interests for complexity and density in urban social spaces, architecture, multiples and artist's books, cinéma direct, critical theory and visual culture. He recently presented the projects Signage Matrix for Turcot Interchange Refection (Biennale de Montréal, MACM, 2014), Société-écran (Occurrence, 2014), Fonction publique (AXENÉO7, 2013), Bookworms (Arprim, 2012) and Hôpital-Maxime-le-Jaune (Symposium international d'art contemporain de Baie-Saint-Paul, 2012).

http://www.etiennetremblaytardif.com/

Sara A.Tremblay

Sara A.Tremblay
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Sara A.Tremblay détient une maîtrise en beaux-arts de l’Université Concordia. Au moyen de diverses techniques — photographie, dessin, performance, sculpture — Tremblay collectionne et accumule les artefacts de son expérience humaine et documente compulsivement les traces de son passage. Elle s’interroge sur les notions de l’infini et de l’impossible par des idées minimalistes, en défiant sa propre pratique.

Ses œuvres ont été présentées dans plusieurs galeries et festivals du Québec, de l’Ontario et de Göteborg, Stockholm et Visby (Suède), où elle a étudié à l’automne 2011 et où elle est retournée à l’été 2013, pour The Brucebo and W.B. Bruce Fine Art Scholarships. Les régions nordiques qu’elle a visitées l’ont grandement inspirée, et ont marqué un tournant dans sa pratique. C’est là-bas qu’elle a commencé à s’entourer de cercles et de sphères, formes et métaphores qui font maintenant partie intégrante de son travail. En 2014, elle s’est vu remettre la toute première Bourse d’études supérieures en arts visuels Yvonne-L.-Bombardier.

Originaire de Charlevoix, petite région au nord-est de Québec située entre les montagnes et le fleuve Saint-Laurent, elle vit maintenant à Montréal où, de son studio, elle a une jolie vue sur le mont Royal.

http://www.saraatremblay.com/

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Sara A.Tremblay
Artist in Residence

Sara A.Tremblay holds an MFA in Photography from Concordia University (Montreal). Using photography, drawing, performance, video, and sculpture, Tremblay documents her personal experience of being places and seeing things through the traces and artifacts she collects. She plays with the notions of infinity and the impossible, giving herself challenges using simple ideas which result in either success or failure.

Her work has been featured in several group and solo exhibitions in galleries and artist-run centres in Quebec, Ontario and in Gothenburg, Stockholm and Visby (Sweden), where she studied in the fall 2011 and returned for The Brucebo and W.B. Bruce Fine Art Scholarships in the summer of 2013. The few Nordic regions she has visited have deeply inspired her and mark a turning point in her practice. It is there that she began to surround herself with circles and spheres, the physical and metaphorical shapes that are the current focus of her work. In 2014, the artist was awarded the first Yvonne-L.-Bombardier Arts Scholarship.

Originally from Charlevoix, a small region in the northeast of Quebec City, amidst mountains and the Saint Lawrence River, Tremblay now lives in Montreal, where she works in a studio with a nice view on Mount Royal.

http://www.saraatremblay.com/

Jonathan Villeneuve

Jonathan Villeneuve
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Mon travail est conçu de façon à définir un espace, à encadrer un trajet. J’élabore des mises en scène à travers lesquelles le public est invité à se déplacer, des paysages automates qui se déploient dans la parité du dialogue nature-technologie, où la prédominance de l’un sur l’autre semble inexistante. Alors que le rythme cadencé de mes assemblages témoigne d’une orchestration planifiée, leur mouvement organique d’ensemble restitue quant à lui l’instabilité propre au vivant. Mes œuvres impliquent physiquement le spectateur de par leur échelle et renvoient à une expérience personnelle et incarnée de l’architecture, en tant qu’environnement construit. Je crée des balises en mouvement qui délimitent les trajets possibles et les modifient dans le temps, en plus de jouer avec la notion de distance et de proximité entre l’objet que j’anime et le son qu’il produit. Le choix des matériaux, la disposition spatiale et la dimension sonore participent à l’élaboration d’une mise en scène. Attiré par le mouvement et les différents sons produits par la manipulation automatisée d’objets, le spectateur est invité à se déplacer dans le lieu afin de découvrir les multiples points de vue possibles. Les différentes structures articulées contribuent, par processus d’accumulation, à créer un paysage sonore impliquant physiquement le spectateur, le plongeant au cœur d’une expérience poétique et immersive.

Jonathan Villeneuve est un artiste bricoleur qui créé des machines poétiques en assemblant des matériaux familiers dont il détourne la fonction d'origine. Ses oeuvres bougent, émettent de la lumière et produisent du son, laissant le visiteur présumer de leur fonction imaginaire. Il est diplômé de l'école des arts visuel et médiatique de l'UQÀM depuis 2006 et a terminé un MFA/Open-Media à l'Université Concordia en 2009. Son travail solo a été présenté au Québec et au Canada, notamment à la Galerie B-213 (Montréal, QC), la Galerie d'art de l'Université de Sherbrooke, Grunt Gallery (Vancouver, CB), Estern Edge (St-Jean, TN) et au Festival de musique actuel de Victoriaville. Il a aussi participé à de nombreux projets collaboratifs en art numérique qui ont été présentés dans plusieurs festivals et événements en Europe, notamment Carte Blanche: Elektra (Paris, FR), Lab30 (Augsburg, AL), 404 Festival (Trieste, IT) et Athens Video Festival ( Athènes, GR). Sa plus récente installation, Être bien encadré, a été présenté dans le cadre de la Triennale d’arts et nouveaux médias, Musée National de Chine, Beijing. Originaire de St-Sauveur des Monts au Québec, il vit et travaille à Montréal.

www.jonathan-villeneuve.com

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Jonathan Villeneuve
Artist in Residence

My work attempts to define a space, frame a trajectory. I design scenes where the public is encouraged to move about, automaton-landscapes deployed in a dialogic exchange between nature and technology, where the predominance of one over the other seems inexistent. While the cadence of my assemblages indicates a planned orchestration, their whole organic movement renders the instability characteristic of living beings. Due to their scale, my works physically involve the spectator, calling upon a personal and embodied experience of the architecture as constructed environment. By creating moving beacons that demarcate possible trajectories, which change as time passes, I play with the notion of distance and proximity between the animated object and the sound it produces. The choice of materials, their spatial arrangement, and the aural dimension contribute to the scene’s development. Attracted by the movement and the various sounds produced by the automatic manipulation of the objects, the spectator is encouraged to move about the space, in order to discover the multiple viewpoints possible. Via a process of accumulation, the various articulated structures create a sound landscape that physically involves the spectator, immersing them in a poetic experience.

Jonathan Villeneuve makes poetic machines by assembling familiar materials that he barely transforms. His work move, emit light and produce sounds in ways that challenge one's assumption about it's imaginary function. He received a BFA from Université du Québec à Montréal in 2006 and a MFA from Concordia University in Montreal in 2009. His solo work as been showed in Québec and Canada, including Gallery B-213 (Montreal, QC), Gallerie d'art de l'Université de Sherbrooke, Grunt Gallery (Vancouver, BC), Estern Edge (St-John's, NF) and at Festival de musique actuel de Victoriaville. He also showed collaborative work in media art in many festival and venues in Europe, including Carte Blanche: Elektra (Paris, FR), Lab30 (Augsburg, GR), 404 Festival (Trieste, IT) et Athens Video Festival ( Athènes, GR). Is most recent work Well Framed as been showed as part of the 2014 Media arts Triennial, National art museum of China, Beijing. Born in St-Sauveur des Monts, he lives and works in Montréal.

www.jonathan-villeneuve.com

Geneviève et Matthieu

Geneviève et Matthieu
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Duo interdisciplinaire, Geneviève et Matthieu crée depuis la fin des années 90 un univers strident dans lequel happening musical, installation performative et humour noir s’entrechoquent avec désinvolture. Inspiré de l’art et la vie, il évolue dans un cul-de-sac artistique en tentant de repousser constamment les limites du médium. C’est dans l’apprentissage de nouvelles techniques de production et par l’accumulation de savoir faire qu’il perd temps et amis. Le projet La Jamésie, leur toute dernière création, sera présenté dans une formule tout inclus (exposition, lancement de disque et livre d’artiste, performance) à l’Œil de Poisson à Québec du 7 novembre au 7 décembre 2014.

Geneviève et Matthieu collectionne les spécialités : peinture, poésie, entrepreneuriat, sport de loisir, chant, assemblage, expression corporelle, composition, cuisine, haute couture, etc. Bacheliers en arts visuels, ils s’adonnent à l’art de vivre tel un chien sauvage en quête d’adoption. Leurs œuvres ont été présentées au Canada et en France, notamment à la galerie Pierre-François Ouellette art contemporain / pfoac221 (2013), à la Rencontre en art contemporain et médiatique Bandits-Mages de Bourges (2011) et au Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul (2010). Coordonnateur de l’Écart, centre d’artistes en arts actuels et directeur de la Biennale d’art performatif de Rouyn-Noranda, ce duo viscéral s’implique activement dans leur communauté.

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Geneviève et Matthieu
Artist in Residence

Since the end of the 90s the interdisciplinary duo Geneviève et Matthieu has created a piercing world in which musical happenings, performative installations and black humour collide with nonchalance. Inspired by art and life, the duo forges ahead in an artistic dead-end as it attempts to constantly expand the medium’s limits. As a consequence of learning new production techniques and accumulating know-how they have lost both time and friends. The project La Jamésie, their most recent work, will be presented in an all inclusive package (exhibition, record and artist book launch, performance) at l’Œil de Poisson in Quebec City from November 7 to December 7, 2014.

Geneviève et Matthieu collect specialties: painting, poetry, entrepreneurship, recreational sports, song, assemblages, bodily expression, composition, cooking, haute couture, etc. The duo members, who both have BFAs, practice the art of life with the frenzy of a wild dog seeking adoption. Their works have been shown in Canada and in France, notably at the gallery Pierre-François Ouellette art contemporain / pfoac221 (2013), at the Rencontre en art contemporain et médiatique Bandits-Mages de Bourges (2011) and the Baie-Saint-Paul International Symposium of Contemporary Art (2010). In addition to running the artist-run centre l´Ecart and organizing the Biennale d’art performatif de Rouyn-Noranda this visceral duo is also deeply committed to its community.

Exposition Simon Beaudry

Simon Beaudry
Véhicule et Scalp
(English follows)

EXPOSITION du 9 octobre 2014 au 12 décembre 2014

VERNISSAGE le jeudi 9 octobre 2014 à 17h00

Véhicule et Scalp est une invitation à chevaucher la bête lumineuse de notre identité, tant nationale qu’individuelle. Dans son volet Véhicule, Simon Beaudry met le doigt sur une faille historique du Québec soit, son refus renouvelé de prendre les rênes de la bête capricieuse du pouvoir politique, de passer du côté sombre de la force, là où se prennent les décisions et où se dessine l’avenir d’une nation qui s’assume comme telle et qui choisit son destin plutôt que de le subir. Dans son volet Scalp, Beaudry propose un (auto) portrait de cette nouvelle génération branchée, compétente et décomplexée qui avance sans repères ni projets avec toute la détermination du monde.

Depuis 2008, le travail de Simon Beaudry explore l’identité québécoise. Cette exploration a fait naître en lui une réflexion qui le pousse à réinventer, transformer ou critiquer les morceaux qui constituent cette notion d’identité, inhérente à chacun. De ce processus aboutissent des œuvres qui reflètent une certaine vision du Québec, qu’il tente de propulser vers l’avant en utilisant certains éléments traditionnels modernisés. La démarche de l’artiste s’inscrit dans cette volonté de participer à la transformation de notre identité nationale de manière à ce qu’elle continue de s’émanciper.

Le mode d’expression multidisciplinaire que l’artiste utilise lui permet de bâtir une équipe modulaire d’artisans dont il fait partie. Cette équipe, avec laquelle il travaille à la production de ses idées, forme le noyau et la vision de son œuvre. Un certain parallèle peut être fait entre son processus de création et celui suivi pour édifier une société où chaque individu joue un rôle.

Son projet Câliboire, a été sélectionné par les centres d’artistes Espace Virtuel à Chicoutimi et Espace F à Matane, la galerie Art Mûr à Montréal, l’exposition collective Chromatique à la SAT, et enfin, par les Centres d’exposition d’Amos et de Val-d’Or. À l’automne 2012, il a commencé une maîtrise en arts visuels et médiatiques à l’UQÀM.

simonbeaudry.ca

Remerciements de l’artiste / Acknowlegements

DentsuBos, Atelier L’Œil de Poisson, Centre SAGAMIE, Atelier M. Séguin, Philippe Jean Poirier, Alain Desjean, Étienne Fortin, Francis Labissonnière, Amélie Thomas, Hélène Béliveau, JD Leblanc, Emmanuel Mazeron, Vincent Lebègue, Marcel Parisien, Mariev Rodrig, Sarah K Hall, Myriam Lejeune, Marianne Milijour.

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Simon Beaudry
Véhicule et Scalp

EXHIBITION October 9, 2014 / December 12, 2014

Opening Thursday, October 9, 5 p.m

Véhicule et Scalp is an invitation to ride the bright beast of our identity, both national and individual. In the Véhicule section, Simon Beaudry puts his finger on a historical flaw of Quebec, i.e. its repeated refusal to take over the reins of the unruly beast of political power, to go to the dark side of force, there where decisions are made and one draws up the future of a nation that fully embraces its nationhood and chooses its destiny rather than being a pawn of fate. In the Scalp section, Beaudry presents a (self) portrait of the tech-savvy, very able and hang-up free new generation that moves ahead with an astounding determination despite an absence of projects and a lack of direction.

Since 2008, Simon Beaudry’s work has been exploring Quebecois identity. This exploration has stimulated his thought and led him to reinvent, transform and criticize the pieces that make up the concept of identity which is inherent in each one of us. The works that emerged from this process reflect a certain vision of Quebec, one which he tries to advance by using modernized traditional elements. The artist’s approach is part of a broader aspiration to take part in the transformation of our national identity so that it may continue to be emancipated.

The multidisciplinary mode of expression that the artist uses has allowed him to put together a modular team of artisans of which he is a member. This team, with whom he works to give form to his ideas, is at the centre of his vision and artwork. A certain parallel can be drawn between his creative process and the one that is involved in building a society in which each individual has a role to play.

His project Câliboire was selected by the artist-run centres Espace Virtuel in Chicoutimi, Espace F in Matane, the Art Mûr gallery in Montréal, and the group exhibition Chromatique at the SAT, and finally by the Amos and Val-d’Or Centres d’expositions. In the Fall of 2012, he began his MFA studies at UQAM.