Lalie Douglas

Lalie Douglas
Artiste en résidence / Artist in Residence
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L’artiste contemporaine Lalie Douglas crée des objets qu’elle intègre à ses actions performatives. Souvent furtives et spontanées, ces performances et installations se déroulent à l’extérieur des espaces de galerie habituels. Alors que ses derniers travaux s’efforcent de mettre de l’avant l’acte de faire, ses œuvres antérieures s’engagent, avec un élan continu, vers leur propre destruction. Ainsi, pour Le potentiel des objets, un projet récent présenté dans le cadre d’Art Pop à Montréal, l’artiste a confectionné des petits oiseaux morts avec du chocolat et des archétypes de maison en gâteaux qu’elle offrait aux passants pour qu’ils les mangent. C’est donc à travers la destruction de ces objets par leur consommation que ceux-ci réalisaient leur plein potentiel.

Pour le projet Ce qui nous retient, l’artiste a méticuleusement fabriqué des répliques minuscules d’objets domestiques avec du papier mâché, pour ensuite poser le geste à la fois destructeur et libérateur de les brûler une à une. Parmi ses dernières expositions, le projet Donnez-moi vos peurs a pris la forme d’une série d’interventions publiques se déroulant tant à Montréal qu’à Calgary. À cette occasion, Lalie Douglas a recueilli (et ainsi "enlevé") les peurs des gens et les a emporté vers l'autre ville (Montréal ou Calgary). En prenant part aux actions de l’artiste, les participants d'une ville ont accepté d’endosser les peurs des participants de l'autre ville.

Présenté dans le cadre de nombreuses expositions individuelles et collectives à travers le Canada, de même qu’aux États-Unis et en France, le travail de Lalie Douglas réunit la sculpture, l’installation, le textile, la céramique, la photographie, la vidéo et la performance. L’artiste remercie le Conseil des arts et des lettres du Québec et le Conseil des Arts du Canada de son soutien financier. Elle a complété un baccalauréat en beaux-arts en 1995 de même qu’une maîtrise en beaux-arts en 2007 à l’Université Concordia. Elle habite et travaille à Montréal, Québec. http://laliedouglas.com

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Lalie Douglas / Artist in Residence

Contemporary artist Lalie Douglas creates objects for use in her performative actions. These performances and installations are often furtive and unannounced, taking place outside of the usual gallery space. Her recent work sought to bring the act of making to the forefront and her latest works continue that arc onwards towards destruction. In her recent project, The Potential of Objects, for Art Pop in Montreal, she created small dead birds out of chocolate and archetypal houses of cake and asked passers-by to eat them, thereby fulfilling the objects’ potential by their destruction.

For The Things that tie you Down, she meticulously fabricated tiny papier maché replicas of household objects and burnt them one by one in an act both destructive and freeing. Her recent exhibitions include Take Your Fears Away; a series of public interventions which took place in both Montreal and Calgary, in which she offered to take peoples fears away (to the other city) and there she attempted to lessen them with the help of people there, convincing them to take on the fears of others by participating in her actions.

Her work encompasses sculpture, installation, textile, ceramics, photography and video work as well as performance and has been presented in several individual and group exhibitions throughout Canada, as well as in the United States and France. She has received funding from both the Conseil des Arts et des Lettres du Québec and the Canada Council for her work, which she gratefully acknowledges. She completed a BFA in 1995 and her MFA in 2007, both from Concordia University. She lives and works in Montreal, QC. http://laliedouglas.com

Alice Houde-Lavoie

Alice Houde-Lavoie
Lauréate 2009 de la bourse Denis Langlois - Centre SAGAMIE
décernée à un étudiant à la maîtrise de l'UQAC
(Université du Québec à Chicoutimi).

Son exposition LA BEAUTÉ DU MAL sera présentée
au CENTRE NATIONAL D'EXPOSITION de Jonquière
4160, du Vieux-Pont, Mont Jacob, Jonquière, 418-546-2177

du 21 novembre 2009 au 10 janvier 2010,
vernissage le jeudi 26 novembre 2009 à 17h.

Par une approche poétique et romantique, l’exposition LA BEAUTÉ DU MAL, de l’artiste Alice Houde-Lavoie représente des mises en scènes photographiques narratives qui ont pour intention d’évoquer différents aspects de la condition humaine. L’opposition entre les sujets représentés et l’esthétisme photographique évoque des atmosphères déstabilisantes qui suscitent un plaisir contemplatif face à des propos souvent sombres et dramatiques. Inspirées d’histoires réelles de sa vie et de celle de son entourage, ou encore simplement imaginées, les photos/fictions de l’artiste s’inspirent également de tendances artistiques, de courants sociologiques et témoignent des systèmes de représentation d’une culture, devenant ainsi le reflet d’une société. LA BEAUTÉ DU MAL, exploite la notion du beau pour ainsi séduire le regardeur afin qu’il s’attarde davantage à l’importance du sujet représenté.

Photographie: Aidez-moi, 2009.

Josée Pedneault

Josée Pedneault
Artiste en résidence / Artist in Residence
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La démarche artistique de Josée Pedneault repose sur la collection d’images dans un univers photographique tourné vers un imaginaire intimiste, contemplatif et poétique. Les thèmes de l’errance, du nomadisme et de la vie quotidienne sont une constante évoquée par les concepts qui régissent son travail, lequel est souvent réalisé à l’étranger, lors de résidences d’artiste ou de voyages. L’utopie et la poursuite d’un monde idéal servent de toile de fond à ses idées. Dans ses projets, elle essaie de montrer que les images permettent de garder un lien tangible (From Warsaw with love, Les Correspondances, 2006-2008), que l’amour transcende le temps (Pour que tu ne m’oublies pas, 2008) ou que la seule valeur réelle de toutes choses est sentimentale (Con todo mi afecto, 2009).

Josée Pedneault vit et travaille à Montréal. En 2005, elle a complété une Maîtrise en photographie à l'Université Concordia. Depuis 2006, elle a été artiste en résidence, entre autres, au Ujazdowski Castle en Pologne (Pépinières Européennes pour Jeunes Artistes, 2006), à la Cité des Arts à Paris (CALQ, 2008) et au studio du Québec à Mexico (CALQ, 2009). Son travail a été présenté au Mois de la Photo à Montréal, à la 4e Manif d'art de Québec et au festival Jeune Création à Paris. Ses recherches artistiques ont été soutenues par plusieurs bourses du Conseil des arts du Québec et du Canada en plus de s'être mérité le Prix du public le Devoir/Contact image au mois de la photo en 2007 et le William Blair Bruce European Fine Art Travel Scholarship en 2008. Son travail sera présenté prochainement au Festival de photographie de Phnom Penh au Cambodge et en Chine en 2010. Josée Pedneault est représentée par la galerie Lilian Rodriguez. http://www.joseepedneault.com http://www.contodomiafecto.com

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Josée Pedneault / Artist in Residence
Josée Pedneault’s artistic practice is based on the collection of images in a photographic approach turned towards intimate, contemplative and poetic images. Travel, nomadism and daily life are themes constantly evoked by the concepts that rule her work. Her projects are often created abroad, during artist-in-residence programs or personal travels. Utopia and the pursuit of an ideal world are backdrops to her ideas. In her projects, she tries to show that images allow us to keep in touch (From Warsaw with love, Les Correspondances, 2006-2008), that love transcends time (So that you don’t forget about me, 2008) or that the true value of all things is sentimental (Con todo mi afecto, 2009).

Josée Pedneault lives and works in Montréal. In 2005, she completed an MFA in photography at Concordia University. Since 2006, Josée completed various residency programs: CCA Ujazdowski Castle in Warsaw, Poland (Pépinières Européennes pour Jeunes Artistes, 2006), Cité Internationale des Arts in Paris (CALQ, 2008), The William Blair Bruce European Fine Art Travel Scholarship (Sweden, 2008), and the Québec studio in Mexico (CALQ, 2009). Her photographic and installation work has been shown in Montreal, Toronto, Quebec, Paris, Poland and Luxembourg. Josée’s work has been part of art festivals such as Le Mois de la photo in Montreal, for which she was awarded the People's Choice Award, the 4th Manif d'art in Quebec City and the festival Jeune Création in Paris. Her work will be shown in China in 2010 and in the Photo festival of Phnom Penh in Cambodia. Josée Pedneault is represented by Galerie Lilian Rodriguez. http://www.joseepedneault.com http://www.contodomiafecto.com

Appel de dossier

Appel de dossier / 2010 / Call for proposals
Date limite: 31 janvier 2010 / Deadline: January 31, 2010
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Programmes:

1-RÉSIDENCES D’ARTISTES 2-PUBLICATIONS 3-EXPOSITIONS

1-RÉSIDENCES D’ARTISTES
Les artistes sont invités à nous présenter leur projet de résidence utilisant le traitement numérique de l’image et l’impression numérique grand format dans un contexte de recherche et de création en art actuel. Par ces résidences, les artistes redéfinissent l’intervention numérique, développent de nouvelles écritures artistiques et apportent ainsi une contribution importante aux enjeux actuels de l’image et au développement de la discipline. Les projets qui proposent des points de vue novateurs sur la pratique et engendrent des déplacements significatifs par rapport aux pratiques traditionnelles de l’image sont privilégiés.

2-PUBLICATIONS
Les artistes, les auteurs et les commissaires sont invités à nous présenter leur projet de livre. Nous considérons le livre comme un espace de création artistique et littéraire à investir, un espace autonome, qui laisse place à l’innovation, aux déplacements de sens, aux hybridations, aux interfaces et à la recherche créatrice.

Notre programme éditorial se divise en trois catégories de publications:
A) - Des projets de création artistique utilisant le livre comme véhicule et objet d’art (livre d’artiste, livre hors normes, etc.);
B) - Des monographies sur le travail d’artistes visuels;
C) - Des livres de plus grande envergure qui font le point sur un sujet actuel en art contemporain.

3-EXPOSITIONS
Les artistes et les commissaires sont invités à nous présenter leur projet d’exposition. Le Centre produira une publication couleur accompagnant chaque exposition. Le cachet CARFAC/RAAV est versé aux artistes. La salle d’exposition est vaste (50X30pi. 15X9m, plafonds à 11pi. 3.4m) et est située au centre-ville d’Alma. Le centre d’exposition est ouvert à l’ensemble des pratiques en art actuel, tout en soutenant plus particulièrement les projets apportant une réflexion aux discours en art contemporain numérique. Cet espace d’essai est offert aux artistes afin de favoriser l’émergence de pratiques transversales et novatrices.

VOTRE DOSSIER DOIT COMPRENDRE :
1- Indiquez clairement en entête pour quel programme vous appliquez (Programmes : 1-Résidences d'artistes; 2-Publications; ou 3-Expositions.)
2- Indiquez clairement en entête si vous avez plus ou moins de 35 ans.*
3- La description du projet (maximum: 1 page).
4- La démarche artistique (maximum: 1 page).
5- Le Curriculum vitae (maximum: 3 pages).
6- La documentation visuelle** : images imprimées sur du papier standard.
7- Publications : s’il y a des collaborateurs au projet (auteur (s) ou autre), description des collaborateurs, curriculum vitae des collaborateurs, exemples de textes.
8- Si le retour du dossier est souhaité: une enveloppe de retour pré affranchie.
9- Les dossiers reçus par courriel ne seront pas acceptés.

Postez avant le 31 janvier 2010*** (le timbre de poste faisant foi) à :
Centre SAGAMIE
50, rue St-Joseph
C.P. 517
Alma, Québec
Canada
G8B 5W1

* ARTISTES ÉMERGENTS
SVP indiquez clairement au début de votre dossier si vous avez plus ou moins de 35 ans. Les artistes émergents (35 ans et moins) seront comparés entre eux par le comité de programmation et il en sera de même pour les artistes ayant une plus longue feuille de route (plus de 35 ans), ceci afin d’aider une relève artistique à intégrer le réseau des centres d’artistes autogérés.

** DOSSIER VISUEL IMPRIMÉ
Notez qu’il est maintenant obligatoire de nous envoyer l’ensemble de votre dossier imprimé sur des feuilles de papier standard: le Curriculum vitae, la démarche artistique, le projet, et surtout votre dossier visuel. Il est donc important d’imprimer toutes les images soumises à l’appui de votre dossier. Vous êtes libre de mettre une ou plusieurs images par page, ou d’inscrire des informations sur les projets avec vos images. SVP présentez les vidéos sur DVD et, si possible, veuillez imprimer sur papier quelques images tirées de vos vidéos, afin de permettre au comité de programmation d’avoir une référence rapide à votre dossier visuel.

*** QUELQUES PLACES DE RÉSIDENCE SONT DISPONIBLES POUR LES MOIS DE JANVIER À JUIN 2010.
Les artistes qui désirent réaliser leur projet de résidence au cours de cette période sont priés de nous faire parvenir leurs dossiers le plus tôt possible, avant même la date limite du 31 janvier 2010. Ces dossiers seront traités en priorité dès réception. SVP inscrire visiblement sur l’enveloppe, le ou les mois qui vous intéressent. Par exemple comme ceci: SVP TRAITEMENT PRIORITAIRE: MARS, AVRIL ou MAI 2010.

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Centre SAGAMIE
Call for proposals for 2010
Deadline: January 31, 2010

Programs:
1-ARTIST-IN-RESIDENCES 2-PUBLICATIONS 3-EXHIBITIONS

1-ARTIST-IN-RESIDENCES
Artists are invited to submit residency projects requiring digital image manipulation in contemporary art and large-format digital printing. Artists in residence at the Centre SAGAMIE redefine digital intervention, develop new languages and explore new possibilities of artistic expression. They confront the issues and challenges of the contemporary creation of images, thereby making an essential contribution to a recognition of digital practice as a motive force for inquiry in contemporary art and as a factor in the expansion of multidisciplinary approaches in visual arts. Priority will be given to projects which propose innovative approaches that move beyond traditional artistic practices.

2-PUBLICATIONS
Artists, authors and curators are invited to submit their book projects. We consider that books represent a singular and autonomous artistic and literary locus of creativity, providing opportunity for innovation, a reconfiguration of the senses, hybridization, multiple interactions and ground-breaking research.

Our editorial program has divided the publications into three categories:
A)- Projects of artistic creativity in which the book is an art object in itself or serves to convey a particular artistic expression;
B)- Monographs on the work of visual artists;
C)- Books with a wider scope, dealing with current issues in contemporary art.

3-EXHIBITIONS
Artists and curators are invited to submit exhibition projects. The Centre SAGAMIE will publish a colour book to accompany each exhibition. Artists will be remunerated according to the CARFAC/RAAV fee schedule. The exhibition hall is spacious (floor space: 50’x30’, 15mx9m; ceiling: 11’, 3.4m) and is located in downtown Alma. The exhibition center welcomes all forms of contemporary artistic expression, with particular emphasis on projects exploring contemporary digital art. This forum for experimental artistic expression is made available to artists in order to promote the emergence of innovative and counter-current initiatives.

PROPOSALS MUST INCLUDE THE FOLLOWING:
1- Indicate clearly at the top of your proposal which program you are applying for (Programs: 1- Artist-in-residences; 2- Publications; 3- Exhibitions.).
2- Indicate clearly at the top of your proposal whether you are over or under 35 years of age*.
3- Project description (maximum: 1 page).
4- Artistic statement (maximum: 1 page).
5- Curriculum vitae (maximum : 3 pages).
6- Visual documentation**: images printed on standard size paper.
7- Publications: collaborators on the project, if any (authors, other); description of collaborators; curriculum vitae of collaborators; sample texts.
8- If you wish your proposal to be returned, include SAS envelope.
9- Proposals received by e-mail will not be accepted.

Proposals must be postmarked before January 31, 2010*** and sent to :
Centre SAGAMIE
50, rue St-Joseph
C.P. 517
Alma, Québec
Canada
G8B 5W1

* EMERGING ARTISTS
Please indicate clearly at the top of your proposal whether you are under or over 35 years of age. Emerging artists (35 years and under) will be evaluated within their peer group by the programming committee, as will more experienced artists, in order to facilitate the integration of the new generation of artists into the network of independent artists’ centers.

** PRINTING OF VISUAL DOCUMENTS
Note that you are now required to submit the entire proposal on standard size paper: curriculum vitae, artistic statement, project description, and especially the visual documents. It is very important that you print all the images submitted in support of your proposal. Each page may include one or several images, and project information may accompany each image. Please submit videos on DVD and, if possible, please have some images from the video printed on paper in order to allow the programming committee quicker access to your visual documents.

*** SOME ARTIST-IN-RESIDENCE PLACES ARE STILL AVAILABLE FOR THE PERIOD FROM JANUARY TO JUNE 2010
Artists wishing to complete their artist-in-residence projects during this period are asked to submit their proposals as soon as possible, if possible before the deadline on January 31, 2010. These proposals will be given priority upon reception. Please indicate clearly the months you are interested in on the envelope: for example PRIORITY TREATMENT: MARCH, APRIL or MAY, 2010.

Éliane Excoffier

Éliane Excoffier
Artiste en résidence / Artist in Residence
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Depuis 1996, Éliane Excoffier met en scène devant l’appareil photographique des rituels de beauté qui impliquent le corps féminin. Ses images cultivent un sens du mystère soutenu par la gestuelle des corps photographiés, mais aussi par les technologies anciennes de prises de vue qu’elle utilise. Les séries d’images de l’artiste ont été réalisées avec de vieux appareils, peu performants et même parfois défectueux, comme le mythique Kiev 60, ou encore le sténopé.

" Excoffier tente d’insérer du transitoire dans une histoire de la photographie dont les derniers chapitres semblent s’écrire selon un objet qui s’impose, à savoir la technologie numérique. Ce faisant, elle tente de donner de la portée à une approche ancrée dans les premiers pas de la photographie comme enregistrement de lumière, donnant à l’incarnation - de la lumière, des corps, de la peau - une importance qui traduit un contact entre des surfaces sensibles. Dans cet élan, l’érotisme et la sensualité sont des acteurs principaux, nourrissant un registre encore et toujours à explorer, celui de la photographie captant une réalité aux multiples visages. "
Bernard Lamarche, Éliane Excoffier - bilan 1996-2009, Musée régional de Rimouski

Titulaire d’un baccalauréat en arts visuels et en histoire de l’art obtenu en 1996, Éliane Excoffier vit et travaille à Montréal. Elle expose cet automne au Musée régional de Rimouski (Éliane Excoffier : Bilan 1996-2009). Son travail a été présenté récemment à la galerie Stephen Bulger à Toronto (Kiev, 2009), à la galerie Simon Blais à Montréal (Kiev, 2008), au Théâtre de la Photographie et de l’Image à Nice (Enfants de Cartier-Photographie Contemporaine Canadienne, 2007) et au Centre VU à Québec (Obscures - série no.2, 2006). Ses oeuvres font partie de plusieurs collections, notamment du Musée des beaux-arts de Montréal; Loto-Québec; Giverny Capital, Cirque du Soleil ainsi que Prêts d’oeuvres d’art du Musée national des beaux-arts du Québec. Le travail d’Éliane Excoffier est représenté par la galerie Simon Blais à Montréal et la galerie Stephen Bulger à Toronto.

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Since 1996, Éliane Excoffier has been elaborating rituals of beauty incorporating the female body and staging them before the camera. Her images are imbued with a sense of mystery borne by the particular positioning of the photographed bodies and by the antiquated shooting techniques she employs. The series of images were taken with old and out-dated equipment which was barely functional and even, at times, faulty, such as the mythical Kiev 60 and a pinhole camera.

“Excoffier attempts to introduce the notion of the ephemeral into the history of photography, the most recent chapters of which appear to be defined by one dominant factor: digital technology. In so doing, she tries to broaden the scope of techniques rooted in the early days of photography as a means of capturing light, thus imbuing the substantiation of light, bodies, and skin with a significance reflecting the point of contact between delicate surfaces. Through this endeavour the primary elements of the erotic and the sensual emerge, increasingly augmenting the scope of further exploration into the power that photography has to capture a multi-faceted reality.”
Bernard Lamarche, Éliane Excoffier - bilan 1996-2009, Musée régional de Rimouski

Éliane Excoffier lives and works in Montreal. She graduated with a degree in Visual Arts and Art History from the University of Montréal in 1996. Her work will be exhibited this fall at the Musée régional de Rimouski (Éliane Excoffier : Bilan 1996-2009). She has also been featured recently at the Stephen Bulger Gallery in Toronto (Kiev, 2009), Galerie Simon Blais in Montréal (Kiev, 2008), Théâtre de la Photographie et de l’Image in Nice, France (Enfants de Cartier-Photographie Contemporaine Canadienne, 2007) and Centre VU in Québec City (Obscures - série no.2, 2006). Her work is also included in the collections of the Musée des Beaux-Arts in Montréal, Loto-Québec, Giverny Capital, Cirque du Soleil, and the Prêts d’oeuvres d’art at the Musée National des Beaux-Arts du Québec. She is represented by the Simon Blais Gallery in Montreal and the Stephen Bulger Gallery in Toronto.

Douzième CHRONIQUE NUMÉRIQUE

Douzième CHRONIQUE NUMÉRIQUE à lire dans le magazine Art Le Sabord numéro 84, actuellement en kiosque.

Cette chronique de BARBARA GARANT intitulé "OU" ET "I" (ET LE SOUFFLE QUI LES RELIE)présente le travail de trois artistes ayant réalisé une résidence de création au Centre SAGAMIE soit:

ANNIE BAILLARGEON, SOPHIE JODOIN et SYLVAIN BOUTHILLETTE.

Pour commander ce numéro ou pour vous abonner au magazine Art Le SABORD :
(819) 375-6223 art@lesabord.qc.ca http://www.lesabord.qc.ca


Les CHRONIQUES NUMÉRIQUES sont issues d’une collaboration étroite entre le Centre SAGAMIE et les Éditions d’art Le SABORD. Ainsi, à chaque numéro du magazine Art Le SABORD, un auteur est invité à présenter le travail de trois artistes ayant réalisé une résidence de création au Centre SAGAMIE. Ce partenariat de publication permet la diffusion et la documentation de l’art actuel tout en favorisant sa compréhension auprès d’un vaste lectorat.

Situé à Alma au Lac-Saint-Jean, SAGAMIE est un Centre de recherche et de production spécialisé en impression numérique grand format et en traitement numérique de l’image en art actuel. L’activité principale du Centre est orientée vers la résidence d’artiste à laquelle viennent se greffer des activités de diffusion et de publication. Le Centre offre ainsi aux artistes, commissaires et théoriciens des conditions propices à la recherche, à la création et à la diffusion d’œuvres et de textes inédits qui s’inscrivent dans un continuum visant à contribuer de façon significative aux nouveaux discours entourant les arts contemporains numériques.

Grâce au soutien du Conseil des arts et des lettres du Québec, du Conseil des arts du Canada et de la Ville d’Alma, le Centre SAGAMIE offre un des plus important programme d’artistes en résidence au Canada. Le centre reçoit annuellement près de 40 créateurs du Québec, du Canada et de l’étranger qui sont accueillis pour des séjours intensifs d’expérimentation et de création dans un vaste laboratoire informatique.

En résidence au Centre SAGAMIE, ces artistes redéfinissent l’intervention infographique, développent de nouveaux langages, de nouvelles écritures artistiques et proposent des interfaces fécondes entre le numérique et leur démarche personnelle. Les Chroniques numériques rendent ainsi compte du travail de ces artistes qui apportent une contribution importante aux enjeux actuels de l’image, en développant une réflexion novatrice sur le médium numérique, en questionnant le photographique et la picturalité ou en interpellant les outils numériques de création face à leur champ spécifique d’investigation.

Bruno Santerre

Bruno Santerre
Lancement du livre produit par le Centre SAGAMIE

Au SALON DU LIVRE DE RIMOUSKI
Le jeudi 5 novembre 2009 dès 17:00
Au Centre des congrès de l'Hôtel Rimouski

C'est le Musée régional de Rimouski qui vous invite à ce lancement.
En effet, deux autres livres publiées par le Musée régional de Rimouski seront également lancées lors de cet événement, soit le catalogue de l'exposition collective Confluences, De l'Île à la mer et la publication souvenir 100 ans de Desjardins. Dès 18h45, M. Bernard Lamarche, Conservateur de l'art contemporain au Musée Régional de Rimouski prendra la parole sur la scène en compagnie de l'artiste Bruno Santerre et de l'historien d'art Pierre Rannou.

Le livre de Bruno Santerre découle d’une résidence d’édition réalisée par l'artiste de Rimouski au Centre SAGAMIE. Ce séjour de création lui a permis de développer deux projets photographiques inédits intitulés L’Atelier en déplacement et L’Atelier en retrait, qui sont accompagnés d’un essai de Laurier Lacroix. Comme point de départ à ce projet d’édition, Santerre a travaillé dans la lumière de deux artistes qui ont, comme lui, utilisé la lumière dans leurs recherches plastiques. Il a ainsi déplacé son atelier à Paris, Amsterdam et Delft, sur les lieux où ont vécu Brancusi et Vermeer, afin d’y réaliser, dans leurs ateliers ou autour de ceux-ci, des séries de prises de vues. Afin de situer la démarche qui a mené à la création de ces nouvelles séries d’œuvres, Pierre Rannou nous entretient, en première partie de l’ouvrage, de trois expositions individuelles de Santerre, dans lesquelles les notions d’atelier et de galerie se confondent et invitent le spectateur à participer à la fabrication du regard.

Bruno Santerre vit et travaille à Rimouski (Québec). Parmi ses expositions individuelles récentes, notons Dans la lumière de l’atelier (en déplacement), au Centre d’artistes Vaste et Vague, Carleton (2009), Dans la lumière, Centre national d’exposition, Jonquière (2009), Dans la lumière de l’atelier (nuages et ombres blanches), chez Circa, Montréal (2007); Dans la lumière de l’atelier, tracer le rebord des nuages, chez Plein sud, Longueuil (2006); Dans l'atelier de Palomar, chez Occurrence, Montréal (2004); Voir, savoir et croire, (avec Laurie Walker), au Musée régional de Rimouski (1997). Depuis 1982, ses travaux ont été diffusés à l’occasion de nombreuses expositions collectives notamment, en France, à la Galerie Calibre 33 et à la Villa Arson (Nice); à la Librairie du Québec (Paris); à l'Université de Metz; à l'École des Beaux-Arts de Nancy et, au Canada, à la Galerie Sans Nom (Moncton); à la Pitt International Gallery (Vancouver); au Musée national des Beaux-arts du Québec; au Musée d'art de Joliette; au Musée régional de Rimouski; à la Galerie Trois Points, chez Skol et Circa (Montréal). Il a aussi participé à la Biennale nationale de sculpture contemporaine à Trois-Rivières (2004) et au Symposium international d'art in situ Lumières, réflexion de l'insondable, au Musée régional de Rimouski (2003). Titulaire d’une maîtrise en Arts plastiques à l’Université du Québec à Montréal en 1988, il a été reçu comme artiste en résidence au Centre d’artistes Vaste et Vague, Carleton (Québec), au Centre Sagamie, Alma (Québec), à la Villa Arson, Nice (France) et au Centro internazionale di sperimentationi artistiche à Boissano (Italie). Ses œuvres ont accompagné des recueils de poésie de Paul Chanel Malenfant et d’André Gervais aux Éditions du Noroît et il a réalisé un livre d'artiste avec André Gervais, Le poète intervalii dans la variante amoureuse, publié en 1996 aux Éditions Roselin. Récipiendaire en 2008 du Prix à la création artistique (région Bas-Saint-Laurent) du Conseil des arts et des lettres du Québec, Bruno Santerre a réalisé plusieurs œuvres d'intégration à l'architecture au Québec. Ses œuvres font partie de plusieurs collections publiques et privées au Canada.

Pour commander / To order:

BRUNO SANTERRE, L'Atelier en déplacement / The Shifting studio
Auteurs : Laurier Lacroix, Pierre Rannou,
102 pages couleur, texte intégral en français et en anglais, 8 X 9.75 po.
102 pages, colour, full text in French and English, 8 X 9.75 in.
ISBN 978-2-923612-11-9 2009
Prix / Price: 25.00 + Transport au Canada 2.65 + tps 1.38 + tvq 0.20 = Total: $29.23

Jeane Fabb

Jeane Fabb
Artiste en résidence / Artist in Residence
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Ma pratique artistique se fonde sur une interaction directe avec la nature. Je m’investis dans des activités et des processus d’observation qui accentuent et révèlent le principe d’interconnexion avec mon environnement immédiat. À travers des projets art-nature menés à l’international, j’ai pu explorer une diversité d’écologies se déployant sur différents continents. C’est pourtant dans la région où j’ai vécu pour les 35 dernières années, la forêt des Hautes-Laurentides au Québec que se développe en continu une connexion personnelle au lieu, de même les moyens de l’exprimer.

Les relations qu’ont actuellement les femmes avec la terre façonnent mon travail. Au sein de mon processus de recherche, j’intègre un dialogue avec les femmes au sujet d’enjeux écologiques et de leurs attachements personnels à l’environnement. Pour divers projets, j’invite les femmes vivant dans la région où je travaille à participer à des actions in situ. Ce travail s’efforce de rendre visibles les états d’intimité et de profonde familiarité avec la nature, les liens sensuels et émotifs avec les lieux, la connaissance locale des écologies et une attention à la présence qui réside sous le couvert du " pittoresque " et des " ressources naturelles ".

Dans mon travail, la photographie joue à la fois le rôle de témoin et celui d’outil documentaire. Se déroulant souvent dans des lieux retirés, mes actions ne sont vues que par peu de gens ou encore, par personne du tout. L’hiver dernier, dans un projet qui s’intitule Touch Wood, j’ai entrepris une série d’interactions, en privé, avec les arbres dans la forêt derrière chez moi. L’appareil photo était alors le seul témoin. Avec le projet en cours The Earth in her Bones, je crée une série de portraits de 28 femmes résidant dans les Laurentides. Je les photographie dans des sites qu’elles ont elles-mêmes choisis et qui ont une profonde résonance dans leurs vies.

Biographie
À l’âge de sept ans, Jeane Fabb a quitté l’Angleterre pour vivre à Montréal. Elle a fait des études en arts visuels à l’Université Concordia et, en 1975, elle s’est établie dans la forêt boréale des Hautes-Laurentides où elle explore les liens complexes entre les dimensions écologique, culturelle et mythique de la nature. Elle a réalisé des installations in situ et des actions en Amérique du Nord et en Amérique du Sud et a présenté des expositions d’installations, de photographies et de vidéos à travers le pays et à l’international. www.jeanefabb.ca

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Artist statement

My art practice is based on direct interaction with nature. I engage in activities and observation processes that intensify and reveal a sense of interconnectedness with my immediate environment. During international art nature projects I’ve explored diverse ecologies in different continents; however, it is the region where I’ve lived for the past 35 years, the forested Upper Laurentians in Quebec, where personal connection to place, and the expression thereof, steadily evolves.

Women’s contemporary relationships with the land shape my work. My research process often includes dialogue with women about ecological issues and personal ties to the environment. In various projects, women who live in the region where I am working participate in site-specific actions. This work seeks to make visible states of intimacy and profound familiarity with nature, sensual and emotional ties to place, local knowledge of ecologies, and awareness of presence lying beneath ‘’scenery’’ and ‘’natural resources’’.

Photography plays the role of both witness and documenter in my work. Actions often take place in remote places, and perhaps are seen by a few, or by no one at all. Last winter, in a project called Touch Wood, I undertook a daily process, in private, of interactions with the trees in the forest behind my house. The camera was the only witness. In my current project, The Earth in her Bones, I am creating a portrait series of 28 women residents of the Laurentians, each one photographed in a site she has selected for its deep resonance in her life.

Biography
Jeane Fabb emigrated from England to Montreal at age seven. She studied visual arts at Concordia University, and in 1975 she settled in the boreal forest of the Upper Laurentians where she explores the complex ties between ecological, cultural and mythic dimensions of nature. She has realised site-specific installations and actions in regions of North and South America and Europe, as well as national and international exhibitions of installations, photo and video. www.jeanefabb.ca

Karen Elaine Spencer

Karen Elaine Spencer
Artiste en résidence / Artist in Residence

English to follow

À travers ma pratique artistique, j’ausculte l’éphémère et examine la trajectoire que nous, en tant qu’êtres transitoires, décrivons dans l’espace. La perspective d’un mouvement linéaire vers l’avant se trouve déconcertée par des gestes performatifs qui semblent ne mener nulle part. Je prends le métro, je flâne, je me promène, je rêve : ces activités s’équivalent toutes en importance. Or, des segments temporels et des répétitions de mouvements sont définis afin que certaines séquences puissent se détacher des autres. Un motif est repris et entretenu dans le temps (souvent pendant un an), permettant d’engager un processus où il n’est plus possible de départager ma pratique artistique de mon quotidien. Je travaille avec ce qui est à portée de main, avec des matériaux qui témoignent de notre existence au jour le jour : carton, oranges, pain, craie. Par le détournement des matériaux, des intentions ou des mouvements, j’interviens dans divers espaces, avec l’espoir de modifier, ne serait-ce que légèrement, la perception de ce qui est possible.

Karen Elaine Spencer vit et travaille à Montréal (Québec) où elle a obtenu une maîtrise en arts de l’Université du Québec à Montréal (UQAM). En prenant le temps de prendre le temps, l’artiste puise dans l’ordinaire et met au jour le potentiel poétique de l’existence au quotidien. Ses œuvres ont été présentées dans différents centres culturels au Canada et en Europe. Ses plus récentes expositions sont rêves à la poste au 3e impérial (Granby), porteur de rêves à Dare-Dare (Montréal), i dreamt i ran away from home à Visualeyez (Edmonton) et lit de pain à Paris.

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My artistic practice investigates the fleeting and how we as transient beings circulate through space. The notion of a linear movement forward is confronted through performative gestures that lead nowhere. I ride the metro, I loiter, I ramble, I dream. Any one activity is deemed as important as any other and segments of time and repetitions of movement are delineated to separate certain moments from other moments. A body of work is sustained over time (often a year) enabling a process whereby my artistic practice is indistinguishable from my daily life. I work with what is near at hand, materials that speak of our day-to-day existence: cardboard, oranges, bread, chalk. Through a détournement of materials or intentions or movements I intervene into spaces; hoping to shift, ever so slightly, perceptions of what is possible.

Karen Elaine Spencer lives and works in Montréal, Québec where she obtained her Masters in Art at l’Université du Québec à Montréal (UQAM.) Karen takes the ordinary events of daily life and mines these for their poetic underpinnings, taking the time to take time. Her work has been presented in art centres throughout Canada and Europe with recent exhibitions being: “dream letters for granby” at 3e impérial in Granby, “dream listener” at Dare-Dare in Montréal, “i dreamt I ran away from home” at Visualeyez in Edmonton, and "lit de pain" in Paris.

GUY BLACKBURN T O U C H E

GUY BLACKBURN
T O U C H E

Commissaire
GUY SIOUI DURAND

Lancement de la publication
produite par le Centre SAGAMIE
Le jeudi 22 octobre à 17h.

GUY BLACKBURN
Né en 1956, Guy Blackburn vit et travaille à Chicoutimi. Depuis le début des années 80, il a participé au Québec, au Canada (Ontario, Nouveau-Brunswick) et à l’étranger (France, Allemagne, Pologne, Chili) à différentes expositions et manifestations. Depuis 1990, Blackburn a proposé un corpus d’œuvres qui a su intéresser un large public, une médiatisation et une analyse importantes. Pensons seulement aux projets La Cécité, Hommage à Anna, Espace interdit, Quémander l’affection et à la série de quatre installations au Musée de la guerre froide de Carps en Ontario. Plus récemment, au Musée de Rimouski et à la Galerie Séquence de Chicoutimi, il a présenté l’exposition Sans Silence, et Extrait d’ambiguïté à la Biennale nationale de sculpture contemporaine de Trois-Rivières. Sa dernière aventure d’art Touche est une œuvre majeure produite et diffusée avec la complicité du Centre SAGAMIE d’Alma. Bien que l’on puisse parler chez Blackburn de pratique ouverte, l’installation demeure au cœur de son travail. Ses réalisations explorent de façon percutante, voir même troublante, les nouvelles conditions individuelles et sociales issues des récentes pratiques scientifiques. Une approche singulière et une pratique sans compromis.

GUY SIOUI DURAND
Wendat (Huron) de Wendake (Québec), Guy Sioui Durand est sociologue, critique (PH.D.) et commissaire indépendant. L’art actuel et l’art amérindien sont ses domaines d’intervention. Co-fondateur de la revue Inter et du Lieu, centre d’artistes de Québec, chargé de cours en théorie de l’art à l’Université du Québec à Chicoutimi, il a publié trois livres dont L’art comme alternative en 1997 et Riopelle. Indianité en 2003. Il écrit pour plusieurs périodiques, catalogues et dans Internet. Depuis 2000, Sioui Durand a été commissaire d’une dizaine d’événements dont Touche, de Guy Blackburn au Centre SAGAMIE d'Alma, Urbaine Urbanité III (Place Valois, Montréal 2005), Identités et Remplacements (24e édition du Symposium international d’art contemporain, Baie Saint-Paul 2006), Art Sauvage (12e Rencontre Internationale d’Art Performance, Québec 2006). Conseiller autochtone d’Espace 400e (Québec 2008), Sioui Durand participait en avril au Forum Théorique de la Xe Biennale de La Havane (Cuba, 2009) et en juin à la Délégation des conservateurs autochtones canadiens (Biennale de Venise, 2009). En novembre 2009, il est invité aux festivals Accion ! 09 Mad (Madrid) et Arrt d’Accio (Valence) en Espagne (www.siouidurand.org).


Prix spécial, sur place lors du lancement 15$ taxes incluses

Pour commander / To order:

Guy Blackburn, TOUCHE
Commissaire / Guy Sioui Durand / Curator
70 pages couleur, texte en français seulement, 8 X 10 po.
70 pages, colour, text in French only, 8 X 10 in.
ISBN 978-2-923612-15-7 2009
Prix / Price: 20.00 + Transport au Canada 2.65 + tps 1.13 + tvq 0.20 = Total: $23.98

Annie Baillargeon

Annie Baillargeon
EMBALLAGE ANATOMIQUE

VERNISSAGE jeudi le 22 octobre à 17h00 / Opening Thursday, October 22, 5:00 p.m.
EXPOSITION du 22 octobre au 11 décembre 2009 / Exhibition October 22 - December 11, 2009
English to follow

Le projet Emballage anatomique est une série d’œuvres numériques regroupées en huit diptyques dans lesquels les éléments s’organisent en structures qui rappellent l’ornementation, le papier peint ou l’emballage cadeau. Elles révèlent au passage, par le détail, une orchestration axée sur la déformation et le camouflage de corps humains. L’œuvre s’articule dans l’espace photographique par des positions et des attitudes qui engendrent des scénarios liés à différentes thématiques. Ces compositions, tissées par la démultiplication des différents corps, réfèrent à des rencontres que j’ai faites lors de mes résidences. Elles reformulent des historiettes et des scènes allégoriques où la présence énigmatique de l’individu est mise au premier plan.

La chorégraphie, qui naît de l’utilisation de ces nombreux corps, propulse l’espace numérique vers divers niveaux de lectures. Réduits à une échelle infiniment petite, les corps sont contraints à s’amalgamer à d’autres membres de leur espèce au travers d’une dynamique conflictuelle. Au même moment, ils s’assemblent en agglomérats sur une surface d’où émane une vibration d’harmonie, un équilibre rappelant une certaine notion d’infini. Ce travail aborde autant la quête identitaire de l’individu que celle de la collectivité, tout en questionnant métaphoriquement la fragilité humaine et l’aspect éphémère des liens qui unissent les individus entre eux.

Annie Baillargeon est une artiste qui vit et travaille à Québec. Son action englobe la photographie, l’installation, la vidéo et la performance. Elle est membre et cofondatrice du collectif multidisciplinaire Les Fermières Obsédées, dont les performances et les manœuvres insufflent depuis 2001 une indiscipline au genre de l’art action. Parallèlement, elle développe un travail en solo qui se situe à la croisée des genres et des médiums, principalement axé sur l’utilisation du corps comme véhicule de questionnement sur les enjeux existentiels de l’individu. Au nombre de ses expositions solos, dans les centres d’artistes du Québec et du Canada, on compte L’œil de poisson et le Centre VU de Québec, Espace F de Matane, la Galerie Séquence de Saguenay et la Galerie 44 de Toronto. Elle a participé aux expositions collectives L’envers des apparences, au Musée d’art contemporain de Montréal, C’est arrivé près de chez vous, au Musée National des beaux-arts de Québec et The constructed images, au festival Contact image à Toronto. Son travail a été également diffusé dans le Moulin à images de Robert Lepage à Québec.


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Annie Baillargeon
EMBALLAGE ANATOMIQUE

Opening Thursday, October 22, 5:00 p.m.
Exhibition October 22 - December 11, 2009

The "Emballage anatomique" project consists of a series of digital creations presented in the form of eight diptychs, the compositional elements of which are structured to resemble ornamental art. The components of each image are clustered like constellations, reminiscent of wallpaper or gift wrapping patterns. But the details in the images reveal themselves to be precisely orchestrated variations on the corruption and dissimulation of human bodies. The poses and attitudes delineated in the photographs intimate varying scenarios that evoke different themes. The various bodies are distilled in these compositions, referring back to my encounters during my artistic residencies. They are a retelling of anecdotes and allegorical scenes in which the enigmatic presence of the individual is the prominent feature.

The presentation of numerous bodies engenders a kind of choreography in a digital space which is opened up to different levels of interpretation. Reduced to an infinitely small scale, the bodies are constrained to seek amalgamation with other individuals of their kind through the dynamics of conflict. At that same moment, they bond together in clusters on a plane which vibrates with harmony, an equilibrium which hearkens back to an imprecise understanding of infinity. These compositions are a reflection on the search for both individual and group identity, interlaced with a metaphorical inquiry into the fragility of the human experience and the ephemeral nature of the bonds that bring individuals into partnership.

Annie Baillargeon is an artist who lives and works in Quebec. Her work includes photography, art installations, video and performance art. She is a co-founding member of the multi-disciplinary collective Les Fermières Obsédées, whose performances and tactics since 2001 have infused an element of insubordination into the genre of action art. All the while, she has been working on her own solo creations which incorporate different genres and media, making use primarily of the human body as a means of inquiry into the existential choices facing the individual. Her solo exhibitions have been presented in artistic centers throughout Quebec and Canada, including L’œil de poisson and the Centre VU in Quebec City, Espace F in Matane, the Galerie Séquence in Saguenay, and Gallery 44 in Toronto. She has participated in collective exhibitions such as "L’envers des apparences", at the Montreal Museum of Contemporary Art, "C’est arrivé près de chez vous", at the Musée National des beaux-arts de Québec, and "The constructed images", at the Contact Festival in Toronto. Her work was also featured in Robert Lepage's "Image Mill", presented in Quebec City.

Catherine Bodmer

Catherine Bodmer
Artiste en résidence / Artist in Residence

La pratique artistique de Catherine Bodmer comprend des installations, des oeuvres in-situ et des photographies. La notion de transformation est au cœur de sa recherche, ainsi que l’observation des aspects banals et ordinaires de la vie, cherchant à leur donner une dimension supplémentaire. Depuis quelques années, Catherine Bodmer a commencé à travailler avec les moyens de la photographie et le traitement numérique afin d’explorer l’espace de l’image et de l’imagination, ainsi que la position de l'individu dans ces espaces. Son attention s’est portée sur des lieux et situations évoquant un sens d’ouverture et de speculation, mais aussi de précarité. En concevant les images comme une matière malléable, l'artiste s'intéresse aux altérations subtils de certains éléments dans l'image, suggérant des situations à la fois cohérentes et divergentes. La manipulation des pixels numériques, ainsi que les stratégies de multiplication et de variation d’un sujet se veulent au service d’une idée plus vaste, soulignant la vulnérabilité de notre existence face à une compréhension de plus en plus complexe et caleidoscopique de la réalité.

Catherine Bodmer, d’origine suisse, détient un diplôme de l’École des Beaux-arts de Lucerne en Suisse, et a obtenu une maîtrise en arts plastiques de l’Université du Québec à Montréal en 1999. Depuis une dizaine d’années, elle est impliquée activement dans le milieu des centres d’artistes autogérés et a travaillé en tant que coordonnatrice artistique à La Centrale/Galerie Powerhouse (1999-2002) et à articule (2004-2009) à Montréal. Son travail a été présenté dans plusieurs expositions individuelles et collectives à travers le Canada, ainsi qu’au Mexique et à Taiwan. En 2008, elle a reçu le Prix du Duc et de la Duchesse de York en photographie du Conseil des Arts du Canada. http://www.catherinebodmer.com

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Catherine Bodmer is a visual artist whose practice includes installation, photography and site-specific work. The idea of transformation is at the centre of her work, as well as the observation of the ordinary and banal aspects of life, which she seeks to infuse with a supplementary dimension. Since a few years, Catherine Bodmer has been working with the means of photography to explore the space of the image and the imagination. Her attention has been drawn to places and situations that evoke a sense of openness and speculation, but also of precariousness. Conceiving of the image as a “matter” that can be transformed, she is interested in the subtle alterations of certain elements in the image, suggesting situations that are coherent and divergent at the same time. The manipulation of pixels, as well as strategies of multiplication and variation of a subject serve a broader idea that highlights our existence’s vulnerability in relation with an increasingly complex and kaleidoscopic understanding of reality.

Originally from Switzerland, Catherine Bodmer has a degree from the School of Art of Lucerne in Switzerland and earned a master’s degree in visual arts from the Université du Québec à Montréal in 1999. Over the last ten years, she has been actively involved in artist-run centres and was the artistic coordinator at La Centrale/Powerhouse Gallery (1999-2002) and at articule (2004-2009) in Montreal. Her work has been presented in several individual and group exhibitions throughout Canada, as well as in Mexico and Taiwan. In 2008, she received the Duke and Duchess of York Prize of Photography of the Canada Council for the Arts. http://www.catherinebodmer.com

Jean-Jacques Ringuette

Jean-Jacques Ringuette
Artiste en résidence / Artist in Residence

La démarche de Jean-Jacques Ringuette s’articule autour de la notion d’incarnation, au sens large de la manifestation des divers états et attitudes de la psyché. Son travail, souvent marqué du sceau d’un humour grinçant, prend régulièrement le corps (ou son évocation) pour motif principal. Ses œuvres cherchent à cerner l’inconfort de l’esprit dans sa fréquentation du monde et font montre d’un intérêt marqué pour les identités troubles et les bribes d'existence irrésolues.

Sous le titre Figures de la mascarade ou La vie passionnante de Félicien*, sa production récente investie l’univers de la mascarade (déguisements, masques, jeux de rôles et personnages). Dans des mises en scène dépouillées mais sophistiquées, marquées d’un certain maniérisme dans l’exploration des ressources expressives de la gestuelle, l’artiste s’intéresse aux diverses figures de la marginalité et réactualise une longue tradition d’autoreprésentation en clown:

"À mes yeux, la dimension tragique de la figure symbolique du clown porte en elle les grotesques scories de l’enfance, lesquelles peuplent toujours notre inconscient d’adulte. Historiquement, cet imaginaire témoigne aussi de la marginalisation progressive du statut de l’artiste à partir de la fin du XVIIIe siècle: le créateur en marge de la société, en retrait du monde…"

À Rome (Italie), Jean-Jacques Ringuette a représenté le Québec à deux reprises dans le cadre de l’événement Orrizonte Quebec. Il était aussi du Printemps du Québec à Paris, et de l’événement Quebec a Catalunya à Barcelone (Espagne). Ses œuvres ont été exposées à New York, Seattle et Chicago (États-Unis), à Bielefeld et Berlin (Allemagne) de même qu’à Montréal, Québec et dans plusieurs autres villes de la province.

Jean-Jacques Ringuette détient une maîtrise en photographie de l’Université Concordia de Montréal et un baccalauréat en arts visuels avec spécialisation en photographie de l’Université d’Ottawa. Ses œuvres font partie de collections privées ainsi que des collections du Musée national des beaux-arts du Québec.

* La création de ce corpus d’œuvres a été rendue possible grâce à l'appui financier du Conseil des arts et des lettres du Québec.

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Jean-Jacques Ringuette at the Centre SAGAMIE

In his work, Jean-Jacques Ringuette explores the concept of incarnation, understood as the physical manifestation of the psyche’s variable states and attitudes. An acidic humour often underscores his creations, in which the human body (or its evocation) routinely appears as the principal motif. His work, punctuated by an interest in perturbed identities and the bits and pieces of tentative existences, is an attempt to describe the mind’s discomfort as it comes to grips with the outside world.

Entitled Figures de la mascarade or La vie passionnante de Félicien*, his most recent creations are an inquiry into the world of masquerade (disguises, masks, role playing and impersonations). Within stark but sophisticated settings, and characterised by a certain mannerism in the display of gestures, the artist expresses his interest in marginal characters and reunites with the long tradition of the clown as a representation of self:

“To my mind, the tragic aspect in the symbolic figure of the clown is shaped by the grotesque residues of childhood which litter the adult subconscious. Historically, this fantasy is also indicative of the gradual marginalisation of the artist beginning at the end of the 18th century: the creator outside the pale of society, withdrawn from the world…”

In Rome, Italy, Jean-Jacques Ringuette has represented Quebec twice at the Orrizonte Quebec. He also participated in the Printemps du Québec à Paris and the Quebec a Catalunya in Barcelona, Spain. His work has been exhibited in New York, Seattle, and Chicago in the United States, in Bielefeld and Berlin, Germany, and in Montreal and other cities in the province of Quebec.

Jean-Jacques Ringuette earned his Master’s degree in photography at Concordia University in Montreal and a Bachelor’s in visual arts (specialising in photography) at the University of Ottawa. His work figures in several private collections, as well as in the Musée national des beaux-arts du Québec.

* This series of works was made possible with the financial support of the Conseil des arts et des lettres du Québec.

Josette Villeneuve

Josette Villeneuve
Artiste en résidence * Artist in Residence

L'espace nous englobe, il se déploie alentour, tout autour de nous, mais il est aussi inscrit en nous et subtilement, il agit tel le vecteur de notre rapport au monde… (*)

Ma pratique est orientée vers cette notion de territoire, de déplacement, de lieux que nous habitons. En 2003, j'ai fait la découverte d'une nouvelle matière : les étiquettes de vêtements. Une matière " pauvre " qui m'est apparue somptueuse et étrangement riche. Chaque étiquette collectée porte en elle-même la marque d'un lieu, d'un travail, d'un savoir-faire. Mes premières réalisations avec cette matière : Un monde à raccommoder (2005) et Se faufiler dans le paysage (2006) expriment une forme d’écologie de la mémoire, un détournement de matière qui recycle aussi des morceaux de traditions artistiques et sociales. Depuis 2007, les simulacres de drapeaux confectionnés d’étiquettes proposent un emblème melting-pot, transposition ou contrefaçon de ce symbole. Ces installations questionnent la problématique identitaire de notre société, problématique qui s'accentue avec les multiples déplacements propulsés par la mondialisation des marchés.

Durant sa résidence au Centre SAGAMIE, Josette Villeneuve développera une série en lien avec son exploration des motifs de drapeaux, de géographie, de géopolitique, de mixages de ces ouvrages à l’exemple du monde que nous habitons.

* Chantal Grande et Marie-Josée Jean. Publication Espace Vox, no 7 juin 2003.

Josette Villeneuve a reçu sa formation à l’Université du Québec à Trois-Rivières. Sélectionnée pour l’édition 2006 de la Biennale nationale de sculpture contemporaine de Trois-Rivières, son installation Un monde à raccommoder (Revue Art Le Sabord no 76) a fait l’objet de nombreuses présentations à travers le Québec et récemment à la Galerie Glendon de Toronto.

Elle est récipiendaire de la Bourse Loto-Québec en 2006 pour une œuvre éphémère côté/jardin de la Biennale nationale de sculpture contemporaine et du Prix des arts visuels Télé-Québec remis par Culture Mauricie durant la même année. En 2007, l’appui du Conseil des arts et des lettres lui permet d’approfondir une recherche sur la symbolique du drapeau (Bourse de type A, recherche et création) dont elle propose des variantes lors de sa participation au Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul à l’été 2008. Le Conseil des arts et des lettres du Québec lui remet le Prix à la création artistique en région à l’automne 2008.

Elle a réalisé plusieurs projets d’intégration des arts à l’architecture et à l’environnement du gouvernement du Québec dans des écoles, CHSLD et bibliothèques et ses œuvres font partie de nombreuses collections privées et publiques.

www.josettevilleneuve.com

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We are surrounded by space, it spreads out everywhere, all around us, but it also lies within us, operating unnoticeably as the vector of our relationship with the world…(*)

My work is concerned with the notion of territory, of displacement, of the places which we inhabit. In 2003, I discovered a new raw material: the labels on clothes. An “impoverished” material which appeared sumptuous and strangely rich to me. Each label contains within itself the stamp of place, labour and expertise. My first productions making use of this material, Un monde à raccommoder (2005) and Se faufiler dans le paysage (2006), are an expression of a sort of ecology of memory, a new take on a known object, recycling aspects of artistic and social traditions. Since 2007, I have used clothes labels to create reproductions of flags as emblems of a melting pot, symbols transposed and counterfeited. These installations confront the question of identity in our society, an issue which has grown more acute with the increasing displacements generated by the globalization of markets.

During the course of her residency at the Centre SAGAMIE, Josette Villeneuve will produce a series of works furthering her exploration of the motifs of flags, geography and geopolitics, blending these elements together as a reflection of the world in which we live.

* Chantal Grande and Marie-Josée Jean. Publication Espace Vox, no 7, June 2003.

Josette Villeneuve studied at the Université du Québec à Trois-Rivières. Her installation, Un monde à raccommoder (Journal Art Le Sabord no 76), was presented at the 2006 Biennale nationale de sculpture contemporaine de Trois-Rivières and was exhibited throughout Quebec and, recently, at the Glendon Gallery in Toronto.

In 2006, she was recipient of the Bourse Loto-Québec for her ephemeral production côté/jardin de la Biennale nationale de sculpture contemporaine and was equally awarded the Prix des arts visuels Télé-Québec by Culture Mauricie. In 2007, with the support of the Arts Council (Type A Grant, research and creation), she was able to continue her research into the symbolism of flags, presenting some of her results at the International Symposium of Contemporary Art in Baie-Saint-Paul in 2008. The Quebec Arts Council awarded her the Prix à la création artistique en région in the fall of 2008.
She has worked on several Quebec government projects for the integration of art in architecture and the environment in schools, residential and long-term care centers and libraries. Her work features in a number of private and public collections.

www.josettevilleneuve.com

Marie-Hélène Leblanc (Texte) / Ève Breton-Roy (Dessins)

Marie-Hélène Leblanc (Texte) / Ève Breton-Roy (Dessins)
Débâtir la ville / Unbuilding the city

Lancement de ce livre / oeuvre
au Centre SAGAMIE
Le jeudi 3 septembre 2009 à 17h

Les artistes ont réalisé ce livre d’artistes dans le cadre d’une résidence d’édition au Centre SAGAMIE, à Alma (Québec). Formé de fragments de textes et de dessins, l'ouvrage présente à la fois la ville, une de ses habitante et leur déconstruction respective. Débâtir la ville, c’est aussi contribuer à la lente déconstruction d’une ville constituée de buildings de papier. Ce livre comme objet singulier, s’inscrit dans un tout formé d’exemplaires empilés recréant les édifices d’une ville. Il devient strate de buildings et extrait de vie de ses habitants. En se procurant un livre, le lecteur devra donc soustraire un exemplaire à cette maquette de ville et contribuera ainsi à sa déconstruction.

Marie-Hélène Leblanc vit et travaille à Gatineau où elle occupe le poste de directrice artistique du centre d’artistes Daïmõn, un centre de production en photo, vidéo et nouveaux medias. Elle s’intéresse à l’architecture, à l’habitation temporaire, aux proches et au lointain. Elle a participé en tant que commissaire et/ou artiste à une dizaine d’expositions au Québec et en France.

Eve Breton Roy vit et travaille à L’Anse-Saint-Jean où elle dirige Terrain vague inc., à la fois maison d’édition de livres d’artistes et atelier de reliure artisanale. Elle détient une maîtrise en arts visuels de l’Université du Québec à Chicoutimi où elle a questionné le livre comme objet, ses caractéristiques formelles comme matérialisation de la pensée. Elle présentait en octobre 2007 "Campagne de salissage" , sa première exposition solo au centre d’artistes Espace Virtuel de Chicoutimi.

Prix spécial, sur place lors du lancement 15$ taxes incluses

Pour commander / To order:

Débâtir la ville Unbuilding the city Prix régulier/Regular Price 20$
Marie-Hélène Leblanc / Ève Breton-Roy
70 pages couleur, texte intégral en français et en anglais, 6.25 X 6.25 po.
70 pages, colour, full text in French and English, 6.25 X 6.25 in.
ISBN 978-2-923612-09-6 2009
Prix / Price: 20.00 + Transport au Canada 2.65 + tps 1.13 + tvq 0.20 = Total: $23.98

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Marie-Hélène Leblanc (Text) / Ève Breton-Roy (Drawings)
Débâtir la ville / Unbuilding the city

Book Launch
at the Centre SAGAMIE
Thursday, September 3, 2009, 5:00 pm

The two artists have produced an art book during the course of their residency at the Centre SAGAMIE in Alma, Quebec. Composed of drawings and brief texts, this book is a description of the city and of one of its inhabitants, and of their respective deconstruction. Unbuilding the city is also a concrete stage in the deconstruction of a city made of paper buildings. Each copy of the book is presented in an arrangement designed to represent the edifices in a city. It is thus part and parcel of those edifices and also represents an extract of the lives of the city’s citizens. By purchasing a book, the reader physically removes a component of the city model and subsequently contributes to its deconstruction.

Marie-Hélène Leblanc lives and works in Gatineau where she is the artistic director of the Daïmõn artists’ center, a production center for photography, video and new media. Her interests lie in architecture and temporary habitation, both far and near. She has contributed as both commissioner and artist in a dozen exhibitions in Quebec and France.

Eve Breton Roy lives and works in L’Anse-Saint-Jean where she heads Terrain vague inc., a publishing house for art books and a book-binding workshop. She received her Master’s degree in visual arts from the Université du Québec à Chicoutimi where she analysed books as objects in themselves and the formal characteristics of their role as the materialisation of thought. In October 2007, she presented "Campagne de salissage", her first solo exhibition, at the Espace Virtuel artists’ center in Chicoutimi.

Special price at the book launch: $15, tax included.

To order:
Débâtir la ville Unbuilding the city Prix régulier/Regular Price 20$
Marie-Hélène Leblanc / Ève Breton-Roy
70 pages couleur, texte intégral en français et en anglais, 6.25 X 6.25 po.
70 pages, colour, full text in French and English, 6.25 X 6.25 in.
ISBN 978-2-923612-09-6 2009
Prix/Price: 20.00 + Transport au/in Canada 2.65 + tps 1.13 + tvq 0.20 = Total: $23.98

Matthieu Brouillard

Matthieu Brouillard
La Résurrection / Les Enfants de la symétrie brisée
The Resurrection / Children of Broken Symmetry

VERNISSAGE jeudi 3 septembre à 17h00 / Opening Thursday, September 3, 5:00 p.m.
EXPOSITION du 3 septembre au 9 octobre 2009 / Exhibition September 3 - October 9, 2009
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Du 3 septembre au 9 octobre 2009, le Centre SAGAMIE présentera La Résurrection / Les Enfants de la symétrie brisée, de Matthieu Brouillard, premier volet de deux séries photographiques auxquelles l’artiste travaille depuis 2006.

" (…) Brouillard est un Lon Chaney des temps présents de l’image photographique, un maître de la déformation comme de la ventriloquie. Chaney, réputé pour ses performances virtuoses aux maquillages grotesques, où il apparaissait en personnage torturé, cul-de-jatte au dos voûté, souvent altéré jusqu’à en être méconnaissable, était également un ventriloque doué qui pouvait revêtir un aspect en apparence inoffensif, comme dans le film Le Club des Trois. Brouillard est un autre talentueux pourvoyeur de difformités et des grotesqueries mélancoliques de la vie en déséquilibre. Mais comme Chaney, il est aussi un brillant caméléon, et un interprète transcendant de la condition humaine. "

- Extrait de Teatro Grottesco : la conscience tourmentée de Matthieu Brouillard, par James D. Campbell (publié par le Centre SAGAMIE en 2009).

Né en 1976 à Montréal, Matthieu Brouillard pratique la photographie, le dessin et l’écriture. Il a notamment présenté son travail dans le cadre d’expositions au Canada (VU, 2006 ; Dazibao, 2005 ; Gallery 44, 2005…) et en Europe (Dresden, 2008 ; Berlin, 2009 ; Essen, 2009 ; Bern, 2009…), de même que dans des revues d’art (CV Photo, 2007 ; Le Sabord, 2006). Narragonie, un premier livre de ses images et textes sur la photographie, a été publié en 2007 aux Éditions J’ai VU (Québec) et préfacé par le romancier Gaétan Soucy. Il s’est mérité de nombreuses bourses de recherche en philosophie de la photographie et en création artistique. Matthieu Brouillard vit et travaille à Montréal et à Zürich.

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Matthieu Brouillard
The Resurrection / Children of Broken Symmetry

From September 3 to October 9, 2009, Centre SAGAMIE will present The Resurrection / Children of Broken Symmetry,by Matthieu Brouillard, the first part of two photographic series that the artist has been working on since 2006.

“Brouillard is a latter-day Lon Chaney of the photographic image, as much a master of deformation as he is one of ventriloquism. Chaney, known for his virtuoso performances in grotesque make-up, legless, hunched-up, and often altered beyond recognition, was also a brilliant ventriloquist in sheep’s clothing, as in The Unholy Three. Brouillard is an equally gifted purveyor of deformities and the melancholy grotesqueries of the unhinged life. But he is also, like Chaney, a brilliant chameleon ? and a transcendent interpreter of the human condition.”

- Excerpt from Teatro Grottesco: the haunted consciousness of Matthieu Brouillard, by James D. Campbell (published by Centre SAGAMIE in 2009).

Born in 1976 in Montreal, Matthieu Brouillard practices photography, drawing and writing. His work has been presented in exhibitions in Canada (VU, 2006 ; Dazibao, 2005 ; Gallery 44, 2005…) and in Europe (Dresden, 2008 ; Berlin, 2009 ; Essen, 2009 ; Bern, 2009…), as well as in contemporary-art magazines (CV Photo, 2007 ; Le Sabord, 2006). Narragonie, a first book of his images and writings on photography, has been published in 2008 and prefaced by French-Canadian novelist Gaétan Soucy. He has received numerous grants for research on philosophy of photography and artistic creation. Matthieu Brouillard currently lives and works in Montreal and Zürich.

Emanuel Licha

Emanuel Licha

Artiste en résidence / Artist in Residence
Marie-Hélène Leblanc, commissaire / curator
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EMANUEL LICHA est né à Montréal en 1971. Après l’obtention d’une maîtrise en géographie urbaine, il complète ses études en arts visuels à l’Université Concordia, puis par le Post-diplôme de l’Ecole nationale des beaux-arts de Lyon en 2001.

Artiste multidisciplinaire, Emanuel Licha interroge les rapports entre l’intime et le politique. Il aborde des questions d’ordre éthique par un regard porté sur l’architecture envisagée comme témoin des violences humaines. Son travail s’intéresse à l’espace public et à l’architecture et l’amène à envisager les objets du paysage urbain comme autant d’indices sociaux, historiques et politiques. Il réalise des interventions dans l’espace public, ainsi que des installations, performances, vidéos et photographies.

Le projet en cours fait suite à un séjour effectué dans un camp d’entraînement de l’armée américaine en Californie. Avec l’aide de décorateurs hollywoodiens les militaires y ont réalisé une mise en scène de la vie d’un village irakien en vue de la préparation des troupes à la réalité du terrain.

Ses plus récentes expositions personnelles incluent : War Tourist, Loop Videoart, Barcelona; R for Real, galerie Cortex Athletico, Bordeaux, 2008; Une autre fête au même instant brille dans Paris, Centre culturel canadien, Paris, 2005; Agnes & Bruce, Ex-Teresa Arte Actual, México, 2005; Nothing Less, Nothing More, Just Transformed, Careof, Milan, 2004; In & Out, Galerie B-312, Montréal, 2004 et YYZ, Toronto, 2003; Honeymoon in Kosovo, Institute for Contemporary Art, Pristina, 2004.

Il a également participé à des expositions collectives dans les institutions suivantes: en 2008: Musée d’art contemporain de Montréal; 2007: University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa; Israeli Center for Digital Art, Holon; 2006: MACBA, Barcelone; Frac Franche-Comté, Besançon; Literaturhaus, Munich; 2005: HartWare MedienKunstverein, Dortmund; Witte de With Center for Contemporary Art, Rotterdam; 2003: Galerie im Taxispalais, Innsbruck; Biennale de Tirana; 2002: Steirischer Herbst, Graz; Stiftung Binz39, Zürich; 2000: Biennale de Montréal; 1999: Musée d’art moderne de la Ville de Paris.

Son travail fait partie de plusieurs collections privées et publiques, dont: Musée d’art contemporain de Montréal, USF Contemporary Art Museum, Tampa, Fonds national d’art contemporain (Fnac), Paris, Museu d’art contemporani de Barcelona (Macba), Frac Franche-Comté.

Emanuel Licha enseigne à l’Ecole nationale supérieure d’architecture de Paris-La Villette.

www.emanuel-licha.com

MARIE-HÉLÈNE LEBLANC vit et travaille à Gatineau où elle occupe le poste de directrice artistique du centre d’artistes Daïmõn, un centre de production en photo, vidéo et nouveaux medias. Elle s’intéresse à l’architecture, à l’habitation temporaire, aux proches et au lointain. Elle a participé en tant que commissaire et/ou artiste à une dizaine d’expositions au Québec et en France.

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Emanuel Licha Artist in Residence
Marie-Hélène Leblanc, curator

EMANUEL LICHA was born in Montreal in 1971. After earning a Master’s degree in urban geography, he pursued his education in visual arts at Concordia University, followed by a post-graduate diploma at the Ecole nationale des beauxarts de Lyon, France, in 2001.

As a multidisciplinary artist, Emanuel Licha questions the relations between intimacy and politics. He raises ethical questions by looking at architecture as witness of human violence. His work focuses on public spaces and architecture, leading to a reading of the features of the urban landscape as so many social, historical, and political signs. He conducts events in public spaces as well as doing installations, performances, videos, and photographs.

His actual project was initiated by a stay he made in a US Army training center in California. With the help of set designers from Hollywood, the Army has created an Iraqi village, in order to have the troops get familiar with the reality over there.

Recent solo shows include: War Tourist, Loop Videoart, Barcelona ; R for Real, galerie Cortex Athletico, Bordeaux, 2008; Une autre fête au même instant brille dans Paris, Canadian Cultural Centre, Paris, 2005; Agnes & Bruce, Ex-Teresa Arte Actual, México, 2005; Nothing Less, Nothing More, Just Transformed, Careof, Milan, 2004; In & Out, Galerie B-312, Montreal, 2004 and YYZ, Toronto, 2003; Honeymoon in Kosovo, Institute for Contemporary Art, Pristina, 2004.

His work has also been exhibited at: in 2008: Musée d’art contemporain de Montréal; 2007: University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa; Israeli Center for Digital Art, Holon; 2006: MACBA, Barcelona; Frac Franche-Comté, Besançon; Literaturhaus, Munich; 2005: HartWare MedienKunstverein, Dortmund; Witte de With Center for Contemporary Art, Rotterdam; 2003: Galerie im Taxispalais, Innsbruck; 2002: Steirischer Herbst, Graz; Stiftung Binz39, Zürich; 2000: Montreal Biennial; 1999: Musée d’art moderne de la Ville de Paris.

His work is part of various private and public collections, including: Musée d’art contemporain de Montréal, USF Contemporary Art Museum, Tampa, Fonds national d’art contemporain (Fnac), Paris, Museu d’art contemporani de Barcelona (Macba), Frac Franche-Comté.

Emanuel Licha is Assistant Professor at the Ecole nationale supérieure d’architecture de Paris-La Villette.

www.emanuel-licha.com

11ième CHRONIQUE NUMÉRIQUE

Onzième CHRONIQUE NUMÉRIQUE à lire dans le magazine Art Le Sabord numéro 83, actuellement en kiosque.

Cette chronique de JEAN-FRANÇOIS CARON intitulé L'OUÏE À L'OEIL, présente le travail de trois artistes ayant réalisé une résidence de création au Centre SAGAMIE soit:

GENNARO DE PASQUALE, SOPHIE CASTONGUAY et CHRISTIAN BARRÉ.

Pour commander ce numéro ou pour vous abonner au magazine Art Le SABORD :(819) 375-6223 art@lesabord.qc.ca http://www.lesabord.qc.ca

Le concept original des CHRONIQUES NUMÉRIQUES est issu d’une collaboration étroite entre le Centre SAGAMIE et les Éditions d’art Le SABORD. Ainsi, à chaque numéro du magazine Art Le SABORD, un auteur est invité à présenter le travail de trois artistes ayant réalisé une résidence de création au Centre SAGAMIE. Ce partenariat de publication permet la diffusion et la documentation de l’art actuel tout en favorisant sa compréhension auprès d’un vaste lectorat.

Situé à Alma au Lac-Saint-Jean, SAGAMIE est un Centre de recherche et de production spécialisé en impression numérique grand format et en traitement numérique de l’image en art actuel. L’activité principale du Centre est orientée vers la résidence d’artiste à laquelle viennent se greffer des activités de diffusion et de publication. Le Centre offre ainsi aux artistes, commissaires et théoriciens des conditions propices à la recherche, à la création et à la diffusion d’œuvres et de textes inédits qui s’inscrivent dans un continuum visant à contribuer de façon significative aux nouveaux discours entourant les arts contemporains numériques.

Grâce au soutien du Conseil des arts et des lettres du Québec, du Conseil des arts du Canada et de la Ville d’Alma, le Centre SAGAMIE offre un des plus important programme d’artistes en résidence au Canada. Le centre reçoit annuellement plus de 50 créateurs du Québec, du Canada et de l’étranger qui sont accueillis pour des séjours intensifs d’expérimentation et de création dans un vaste laboratoire informatique.

En résidence au Centre SAGAMIE, ces artistes redéfinissent l’intervention infographique, développent de nouveaux langages, de nouvelles écritures artistiques et proposent des interfaces fécondes entre le numérique et leur démarche personnelle. Les Chroniques numériques rendent ainsi compte du travail de ces artistes qui apportent une contribution importante aux enjeux actuels de l’image, en développant une réflexion novatrice sur le médium numérique, en questionnant le photographique et la picturalité ou en interpellant les outils numériques de création face à leur champ spécifique d’investigation.

Josée Pellerin

Josée Pellerin
Artiste en résidence * Artist in Residence

[…] c’est par le cinéma que j’ai habité imaginairement tellement de villes que je ne connaissais pas et que j’ai aujourd’hui le sentiment de mieux connaître, même si cette connaissance confine parfois à l’illusion.
Thierry Jousse dans La ville au cinéma

Que de fois avons-nous fait l’expérience d’une ville réelle par le biais de la fiction et ce, bien avant de s’y retrouver. De quelle manière le cinéma médiatise-t-il la ville et de quelle nature est l’expérience réelle que nous en faisons? De telles visions de l’imaginaire ne finissent-elles pas par altérer notre regard porté sur le monde environnant? Ces villes-personnages dont New York, Rome, Londres, Berlin et bien d’autres, devenus mythiques par le regard des Scorsese, Fellini, Hitchcock, Wenders, constituent une matière première qui, une fois détournée, propose une couche fictive renouvelée. Voici la prémisse qui a inspiré une nouvelle série photographique nourrie par un questionnement plus large sur notre fascination individuelle et collective pour la fiction.

Les œuvres de Josée Pellerin, titulaire d’une maîtrise en arts visuels et d’une formation en multimédia, furent présentées lors de nombreux événements au Québec, au Canada, en France et au Mexique. En 2005, elle effectuait une résidence d’artiste à Buenos Aires, Argentine et suite à ce séjour, elle publiait en 2006 aux éditions J’ai Vu un livre d’artiste intitulé Heureusement qu’il y avait le monde autour de moi. Dernièrement, son travail a été présenté à la Galerie Glendon de Toronto, à la Galerie L’œuvre de l’Autre de l’Université du Québec à Chicoutimi et à la Galerie Orange de Montréal qui la représente. Elle vit et travaille à Montréal où elle enseigne à l’École des arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal.

La série en cours de réalisation sera présentée dans l’espace d’exposition du Centre SAGAMIE en février 2010 et sera accompagnée d’une publication.

L’artiste remercie le Conseil des Arts et des Lettres du Québec pour son appui financier.

www.joseepellerin.com

Daniel Corbeil

Daniel Corbeil
Artiste en résidence * Artist in Residence
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Paysage fractionné

Depuis plusieurs années, Daniel Corbeil réalise des photographies, des installations et des dispositifs de maquettes utilisant le simulacre technique comme moyen d’explorer la représentation du paysage. Préoccupé par les conséquences, sur ce dernier, des perturbations environnementales, l’artiste a récemment présenté diverses expositions qui, de façon ludique, proposaient une réflexion sur l’illusion scientifique comme moyen d’appréhender le réel.

Le projet de résidence au Centre SAGAMIE consiste en la réalisation d’une murale photographique résultant de l’assemblage de multiples fragments de photographies existantes. Ces dernières seront découpées ou déchirées en morceaux irréguliers, puis juxtaposées de façon à évoquer un paysage fictif vu depuis une perspective aérienne. Daniel Corbeil utilisera ainsi des tirages sur papier comme une matière première, fragmentée et déconstruite pour être ensuite assemblée de manière à mettre en relief les effets de texture du sol, les plans de couleur, ainsi que les compositions géométriques ou linéaires. De plus, certains fragments seront scannés, agrandis et démultipliés à l’aide du support numérique, puis réimprimés et insérés dans la murale pour accentuer les effets de perspective et engager une réflexion sur les frontières entre abstraction et figuration en matière de représentation du paysage.

Originaire de l’Abitibi-Témiscamingue, Daniel Corbeil vit et travaille à Montréal. Détenteur d’une maîtrise en art de l’Université du Québec à Montréal, l’artiste expose professionnellement depuis 1989. Récemment, son travail relatif aux effets des changements climatiques sur le paysage a fait l’objet de diverses expositions individuelles : Laboratoire climatique : nouvelles expérimentations (Musée d’art contemporain des Laurentides, 2006) ; Perspective entre ciel et terre (Galerie Thérèse Dion Art contemporain, 2006) ; Laboratoire climatique : paysages sous observation, (galeries L’Œil de Poisson et centre Vu, 2004). Les œuvres récentes de Daniel Corbeil seront présentées, pendant l’automne 2009 et l’hiver 2010, à la Galerie des arts visuels de Québec, ainsi qu’à la galerie Axe-Néo7.

L’artiste tient à remercier le Conseil des arts et des lettres du Québec pour son soutien dans la réalisation de ce projet.

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Daniel Corbeil
Paysage fractionné (Fractured Landscape)

For a number of years, Daniel Corbeil has been producing photographs, installations, and arrangements of models using technical mock-ups as a means of portraying landscape. Concerned with the consequences on the landscape of environmental stresses, Corbeil recently presented various exhibitions that used a ludic approach to offer a reflection on scientific illusion as a means of understanding reality.

The project that Corbeil proposes to produce during his residency at the SAGAMIE Centre consists in the creation of a photographic mural grouping together numerous fragments of already existing photographs. These photographs are to be cut up or torn into irregular shapes which will then be assembled in such a way as to create a fictitious landscape as perceived from an aerial perspective. As his working material, Daniel Corbeil will be using paper prints which will be fragmented and deconstructed and ultimately arranged together to evoke the texture of the ground, the different colour patterns, and various geometrical and linear compositions. Some of the fragments will be scanned, enlarged and serially copied with the aid of digital technology, then reprinted and inserted in the mural to highlight the effects of perspective and inspire a reconsideration of the boundaries between abstract and figurative approaches to landscape art.

Born in l’Abitibi-Témiscamingue, Daniel Corbeil lives and works in Montreal. Daniel Corbeil has a Master’s degree in art from the Université du Québec à Montréal and has been exhibiting his work professionally since 1989. Recently, his work related to the effects of climate change on the landscape has been featured in individual exhibitions, most recently Laboratoire climatique: nouvelles expérimentations (Musée d’art contemporain des Laurentides, 2006), Perspective entre ciel et terre (Galerie Thérèse Dion Art contemporain, 2006), Paysages sous effet de serre (Centre d'exposition Circa, 2004), Laboratoire climatique: paysages sous observation (L’Œil de Poisson and Centre Vu, 2004). His most recent creations will be showcased during the fall of 2009 and the winter of 2010 at the Galerie des arts visuels de Québec and at the Axe-Neo7 Gallery.

The artist wishes to thank the Quebec Council for Arts and Letters for its support in this project.