Veronika Horlik

Veronika Horlik  

Artiste en résidence / Artist in Residence 

(English follows)

Confronté par l'assaut sur la forêt boréale, on découvre aussi la forêt.

Mes céramiques sculpturales s’inspirent de mon expérience de travail en reboisement dans le Nord canadien. Les images de matières organiques calcinées proviennent de paysages forestiers appelés « burns » : terres doublement dévastées soumises à la coupe d’arbres et ensuite au feu de forêt. Dans ces terrains de sylviculture brûlés, jonchés de débris d’arbres nommés « slash », l’incursion industrielle côtoie les forces et la beauté de la nature.

L’œuvre PROUNS(SLASH) est inspirée par les paysages canadiens de reboisement, par le jeu vidéo japonais Katamari Damacy, et présente une juxtaposition de médiums bi et tridimensionnels. En forçant une relation entre objet et image, mon travail joue sur notre compréhension de l’objet quand il se retrouve en relation contiguë avec une représentation bidimensionnelle.

La légende de Katamari Damacy raconte l’histoire d’un prince qui tente de reconstruire les étoiles de l’Univers, accidentellement anéanties par son père le Roi de tout le Cosmos.  Pour se faire, le prince roule des boules nommées Katamari qui ramassent tout objet sur leur passage. Plus les boules accumulent d’objets, plus elles grossissent. Quand une boule est suffisamment grande, elle est lancée dans l'espace et se transforme en une nouvelle étoile.

Veronika Horlik est une artiste montréalaise qui partage son temps entre sa pratique artistique, l’enseignement en arts visuels/céramique au Cégep John Abbott et en Art Education à l’université McGill. De 1995 à 2008, elle a aussi travaillé en reboisement pour l'industrie de sylviculture.

http://www.v-ron.com/

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Veronika Horlik 

Artist in Residence 

Confronted by the assault on the Boreal forest, you also discover the forest.

My sculptural ceramic practice draws on my experience working in reforestation in the Canadian North. The images and representations of charred organic material are derived from forest landscapes called burns : twice devastated land subjected to deforestation and then subsequently to forest fire.  In these vast burned sylviculture sites, mechanical incursions mix with the strength and beauty of nature, and a constant air of devastation mixes with the possibility of magnificent regeneration. 

The work PROUNS(SLASH) is inspired by Canada’s reforestation landscapes , by the Japanese video game Katamari Damacy, and present a juxtaposition of two and three-dimensional media. Forcing a relationship between object and image, my work examines and emphasizes the materiality and undeniable physical presence of the ceramic medium.

The legend of Katamari Damacy tells the story of a young prince who attempts to reconstruct the stars of the Universe, accidentally annihilated by his father the King of All Cosmos. To do this, the prince rolls adhesive Katamari balls on the ground that collect all objects in their passage. When each ball is large enough, it is launched into space by the prince and is transformed into a new star. 

Veronika Horlik, is a Montreal ceramic artist who divides her time between her studio practice, and teaching in Visual Arts/Ceramics at John Abbott College, and Art Education at McGill University. From 1995 to 2008, she also worked in seasonal reforestation in Canada’s forestry industry.

http://www.v-ron.com/ 

Chloé Beaulac

Chloé Beaulac
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Chloé Beaulac communique sa perception des passages et des savoir-faire identitaire. Son travail est fortement dirigé par sa quête philosophique personnelle, et est donc, par le biais de manipulations symboliques, autobiographique. À partir de documentation propre à ses collections d’objets et ses souvenirs personnels, elle opère par un processus de déconstruction-reconstruction et crée une iconographie et une histoire personnelle qui prend souvent la forme de romans graphiques éclatés ou de photos-romans contemporains. Chaque sujet exige sa propre matière et son propre traitement. Son travail n’est donc pas dicté par des règles préétablies, sinon celle du voyage, du savoir-faire, du rituel et de la transformation.

Chloé Beaulac est une artiste multidisciplinaire. La place de l’humain dans la nature et dans l’histoire est au centre de sa pratique artistique. À la manière d’une exploratrice, elle parcourt un territoire et se laisse imprégner par l’histoire, les mythes et la personnalité qu’il dégage. Elle partage ces entretiens avec la nature et fait revivre cet éveil des sens au spectateur à travers la photographie, la sérigraphie, le dessin, la peinture et la sculpture. Ainsi, elle offre au spectateur des espaces surnaturels à explorer à son tour.

http://www.chloebeaulac.com/

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Chloé Beaulac
Artist in Residence

Chloé Beaulac communicates her perception and understanding of identity, know-how and rites of passage. She makes use of photography, drawing, silk-screening, painting, installation and sculpture. Driven by her personal philosophical quest, her work is resolutely autobiographical. She works from a documentation based on her memories and personal collection of objects. Beaulac deploys a deconstruction–reconstruction process in order to create a personal iconography and history, which often takes the shape of wildly imaginative graphic novels or contemporary photo-novels. Her work is not dictated by pre-established rules, except for those guiding journeys into the unknown, rituals and transformations.

Chloé Beaulac is a multidisciplinary artist. Understanding and depicting our role in nature and history is at the heart of her artistic pursuit. In the manner of an explorer, she travels a territory and lets herself be permeated by its history, myths, and intrinsic character Through photography, silk-screening, drawing, painting and sculpture, Beaulac draws on her encounters with nature in order to share her sensory experiences with viewers. She thus invites viewers to explore supernatural environments on their own terms.

http://www.chloebeaulac.com/

Nadia Seboussi

Nadia Seboussi
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Nadia Seboussi s’intéresse à la problématique du déplacement, à la fois sur le plan formel, esthétique et transculturel. La figure du « déplacé » occupe une place prépondérante dans sa recherche puisque le phénomène de la migration découle des problèmes sociopolitiques qu’engendre la globalisation ou la guerre. Parallèlement, à cette thématique, elle a exploré à travers une multitude d'œuvres les histoires postcoloniales, la mémoire de la guerre civile algérienne ainsi que les rapports complexes qu'entretiennent le Sud et le Nord. Depuis 2010, elle travaille sur un nouveau corpus d'œuvres intitulé Connecter les mémoires des peuples (Connecting memory) en référence aux impacts des guerres civiles sur l'imaginaire collectif des peuples qui les subissent. Dans ses recherches, elle réfléchit à l'inscription médiatique de ces conflits tout en questionnant la représentation de la violence politique et contemporaine à travers l’image médiatique. Son travail se situe entre le documentaire, l’essai et la vidéo, en privilégiant l’aspect installatif avec une réflexion approfondie autour des possibilités du récit et des structures narratives qui en découlent.

Nadia Seboussi est une artiste montréalaise d’origine algérienne, elle est titulaire d’un ingéniorat en électronique et a travaillé dans la presse écrite francophone algérienne avant d’immigrer au Canada. Ayant une pratique autodidacte en art plastique, elle entreprend des études en arts visuels et médiatiques à l’Université du Québec à Montréal et finalise en 2013, une maîtrise dans la même discipline. Elle a été lauréate de plusieurs bourses et prix d’excellence dont la bourse d'excellence Pierre Ayot en arts visuels et la bourse d’excellence Jacques de Tonnancour pour l’ensemble du parcours académique. Le prix Féminin de la relève, décerné au festival de vidéo à Montréal, Prix GIV, Prix StudioXX. Elle est la récipiendaire de la bourse Claudine et Stephen Bronfman en art contemporain 2013. Son travail a été exposé en France, en Espagne, au Mexique, à Cuba et à Montréal. Elle a participé en novembre 2014 à la Biennale internationale de l'image en mouvement en Argentine BIM. Elle exposera bientôt à Toronto et à Montréal.

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Nadia Seboussi
Artist in Residence

Nadia Seboussi is interested in the problematic of displacement, at once on a formal, aesthetic and transcultural level. The figure of the “displaced person” is at the core of her research, for the migration phenomenon is directly linked to socio-political problems brought about by globalization or war. In parallel to this theme, she has explored the memory of the Algerian civil war, as well as the complex relationship between the South and the North. Since 2010, she has worked on a new body of works titled Connecter les mémoires des peuples (Connecting Memory) in reference to the impact civil wars have on the collective imaginary of peoples who experience them. In her research, she reflects on the media reception of these conflicts, all the while questioning the representation of contemporary political violence via media images. Her work is situated at the intersection of documentary, the essay and video, and it favours an installation approach with an in-depth reflection about the possibilities of storytelling and the narrative structures associated with it.


Nadia Seboussi is a Montreal-based artist of Algerian origin. She holds a degree in electronic engineering and she worked as a print journalist in the francophone Algerian press before immigrating to Canada. At first a self-taught visual artist, she then went on to study visual and media arts at the Université du Québec à Montréal, where she eventually completed an MFA in 2013. She has received several grants and has been awarded numerous prizes, such the Pierre-Ayot award  for outstanding achievement in the visual arts the Jacques de Tannancours award for her academic accomplishments, the Prix Feminin de la relève awarded by the Festival de video in Montréal, the Prix GIV, and the Prix Studio XX. In 2013, she received the Claudine and Stephen Bronfman Fellowship in Contemporary Art. Her work has been exhibited in France, Spain, Mexico, Cuba and Montreal and, in 2014, she took part in the Biennale Internationale de l'image en movement (BIM) in Argentina. She has upcoming exhibitions in Toronto and Montreal.

Andréanne Gagnon

Andréanne Gagnon
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Dans ma pratique, je m’intéresse aux frontières entre les différentes disciplines artistiques. L’ambiguïté des œuvres produites les induit aux limites du dessin, de l’estampe et de la photographie. L’œuvre met de l’avant les qualités intrinsèques des matériaux et participe à la redéfinition même des techniques empruntées en s’inscrivant dans un processus de recherche marqué par une curiosité de la matière et le déploiement d’œuvres en grappe.

Mon travail est issu d’une recherche suggérant un rapport particulièrement sensible aux détails plastiques, permettant au regardeur de voyager à travers des microcosmes picturaux magnifiés, dévoilant ainsi de petites topographies et des éléments fins qui ne seraient pas visibles autrement. Le grand dépouillement visuel de ces œuvres nous permet d’entrevoir une complexité inhérente aux matériaux manipulés. Je questionne l’appareil photographique et les pratiques qui en découlent en proposant un système de lecture varié où se rencontrent divers langages des arts visuels.

Andréanne Gagnon vit et travaille à Québec. Elle est titulaire d’un baccalauréat en pratique des arts visuels et médiatiques de l’Université Laval (2013). Ses œuvres ont entre autres été présentées lors d’expositions individuelles et collectives à la Salle Alphonse-Desjardins de l’Université Laval, à VU PHOTO, à Caravansérail, à l’Espace F, à la première Foire en art actuel de Québec présentée à l’Œil de Poisson, à The Artist Project/Untapped Emerging Artist (Toronto) et prochainement à l’Usine C. Elle développera bientôt un projet en collaboration avec ZOCALO afin de produire des œuvres qui serviront à l’édition d’un livre d’artiste.


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Andréanne Gagnon
Artist in Residence

My practice focuses on the borders between various artistic disciplines. The ambiguity of the created works situates them at the limits of drawing, engraving and photography. By way of a research process guided by a curiosity in matter and the display of works in clusters, my creative activity highlights the intrinsic qualities of the materials and partakes in a fundamental redefinition of the techniques used.

A particular relationship to the importance of plastic details is at the root of my research approach. The resulting works allow viewers to travel through magnified pictorial microcosms, which thus reveal small topographies and fine elements that would otherwise not be visible. The pared down visual quality of these works makes it possible to glimpse the complexity inherent in the materials used to make them. By proposing a varied reading system in which diverse visual art languages overlap, I question the photographic camera and the practices derived from it.

Andréanne Gagnon lives and works in Quebec City. She holds an BFA from Université Laval (2013). Her works have been presented in group and solo exhibitions at the Salle Alphonse-Desjardins at Université Laval, VU PHOTO, Caravansérail, Espace F, the first Foire en art actuel de Québec presented at l’Œil de Poisson, and The Artist Project/Untapped Emerging Artist (Toronto), to name but these. She has an upcoming exhibition at l’Usine C, and she is currently working on a collaboration project with ZOCALO to produce works for an artist book publication.

Ève K. Tremblay

Ève K. Tremblay
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Ève K. Tremblay (1972) a grandi entre Val-David et Montréal. Des études en littérature française à l’Université de Montréal sont suivies par un certificat au Neighborhood Playhouse School of the Theatre de New York et un BFA (majeur en photographie) de l'université Concordia. Dans les dix dernières années, elle a travaillé et vécu entre Montréal, Berlin, New York métropolitain et reçu plusieurs bourses et résidences d’artistes (entre autres: iaab /Bâle, CEAAC/Strasbourg, Residency Unlimited/New York). Dans ses œuvres le thème de la conscience est abordé de façon poétique, inspirée principalement par la littérature, le cinéma, et la science. La plupart de ses œuvres sont des photographies et vidéos interconnectées ou figurent des amis, des membres de sa famille ou des scientifiques. Depuis 2007, son cycle d'œuvres EKTBF451/EKTFF451 a ouvert son langage visuel avec la performance, les livres, les médias mixtes et les images sur céramiques. Ses œuvres ont été publiées et exposées notamment au Musée National des Beaux-Arts de Québec, au MACVAL, à la Bergen Kunsthall, à la Kunstraum Kreuzberg, à la Triennale Québécoise au Musée d'art contemporain de Montréal, à la Biennale de Prague et à la Biennale Nordique Momentum 7. Des photographies et céramiques de corpus récents tels que Brain Navigations, Clair Obscur dans l'atelier de mon père, et Suite cônes pyrométriques seront exposées ce printemps à la galerie Molly Krom de New York, à la Gallery 44 de Toronto, au Musée d'art contemporain des Laurentides de St-Jérôme et à la Foire Papier avec la Galerie Antoine Ertaskiran.

http://www.evektremblay.com


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Ève K. Tremblay
Artist in Residence

Ève K Tremblay (1972) grew up between Val-David and Montreal. After studies in French Literature at the University of Montreal she attended The Neighborhood Playhouse School of The Theater in New York. She completed a BFA with photography major at Concordia University in Montreal in 2000. During the past 10 years she has lived and worked between Montreal, Berlin, New York metropolitan area and attended many artists residencies such as the iaab (Basel), CEAAC (Strasbourg) and Residency Unlimited (New York). The thematic of consciousness is explored in her works with a poetic twist, inspired by literature, theater, cinema and science. Most pieces are photographs and videos including her friends, family members and scientists. In 2007 she started a process-based cycle of works entitled EKTBF451/EKTFF451, broadening her practice to other mediums such as videos, performances, books, mixed medias, and image transfers on ceramics. Her works have been published and exhibited namely at the National Museum of Fine Arts of Québec, MACVAL, Bergen Kunsthall, Kunstraum Kreuzberg, in the Quebec Triennial at the Museum of Contemporary Art of Montreal, the Prague Biennale and Momentum 7, the Nordic Biennale. Recent photographs and ceramics from the body of works Brain Navigations, Clair Obscur dans l'atelier de mon père et Suite Cônes pyrométriques will be shown spring 2015 at Gallery Molly Krom, New York, Gallery 44, Toronto, and the Museum of Contemporary Art in St-Jérôme and at Foire Papier with Galerie Antoine Ertaskiran.

http://www.evektremblay.com

Karen Kraven

Karen Kraven
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Née à London en Ontario, Karen Kraven vit et travaille à Montréal. Ses oeuvres mettent en place des rencontres inattendues entre sculptures et images, des ressemblances étranges et des juxtapositions trompeuses. Comme une mise en scène qui a été cristallisée dans le temps, ces espaces confondent et ravissent à travers les stratégies développées par l'artiste. Kraven exploite l'illusion et l'attraction trouvées dans des activités comme le sport, la chasse, la pêche et les jeux de cartes. Ces motifs prennent l'apparence d'objets quotidiens, de substituts faits à la main ou de leurres. Dans un état de transformation, ils s'effondrent les uns sur les autres, nous mystifiant en réapparaissant élargis, divisés et aplatis.

Kraven détient une maîtrise de l'Université Concordia à Montréal et a été récipiendaire de la bourse Dale & Nick Tedeschi. Ses expositions récentes incluent Razzle Dazzle Sis Boom Bah à la Fonderie Darling (Montréal), A Mucker and a Grinder à la Parisian Laundry et As Above, So Below au Centre Clark (Montréal). Ses oeuvres ont été aussi exposées au Centre Dare-Dare (Montréal), à la Leonard & Ellen Bina Gallery (Montréal) et à la Blackwood Gallery (University of Toronto, Mississauga). Kraven a fait une résidence au Banff Centre et au Reverse Pedagogy (Venise). De 2013 à 2016, elle occupe un Studio de création à la Fonderie Darling (Montréal).


http://www.karenkraven.com/

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Karen Kraven
Artist in Residence

Born in London, Ontario, Karen Kraven lives and works in Montreal. Her work set up unexpected encounters between sculptures and images, uncanny resemblances and misleading juxtapositions. Like a stage or film set that's been frozen in time, these spaces confound and delight through the practiced strategies of a con artist. Kraven exploits the illusion and attraction found in such pursuits as sports, hunting, fishing and playing card games. These motifs take the guise of everyday items, handmade surrogates and decoys. Shifting and mutating, they collapse upon one another, mesmerizing us as they reappear enlarged, divided and flattened.

Kraven holds an MFA from Concordia University (Montreal) where she was the recipient of the Dale & Nick Tedeschi Fellowship. Recent solo exhibitions include "Razzle Dazzle Sis Boom Bah" at the Darling Foundry (Montreal), "A Mucker and a Grinder" at Parisian Laundry and "As Above, So Below" at Centre Clark (Montreal). Her work has also been shown at Centre Dare-Dare (Montreal), Leonard & Ellen Bina Gallery (Montreal) and Blackwood Gallery (University of Toronto Mississauga). She has participated in artist's residencies at The Banff Centre and with Reverse Pedagogy (Venice). From 2013-2016, she will have a Montreal Artist's Creation Studio at the Darling Foundry (Montreal).

http://www.karenkraven.com/

Émilie Bernard

Émilie Bernard
Artiste en résidence / Artist in Residence 
(English follows)

Mon travail se définit par un vif intérêt pour la collection et par le grand déploiement de petites pièces. J’accumule et énumère pour créer des successions de variantes, des déclinaisons, des inventaires continuels. Cette pratique sensible au geste du collectionneur se manifeste en deux temps : par des objets et par des dessins évoquant des éléments d’architecture, de la nature ou du quotidien. Je fabrique des objets familiers et étranges, bruts et délicats, épurés et complexes, principalement en plâtre, par moulage, assemblage et taille directe. Je crée des dessins à la fois épurés et détaillés qui jouent avec une banque de sujets que je schématise et réinterprète. Grâce à la répétition et à la redite, ces dessins travaillés avec un souci de la subtilité deviennent des fragments d'inventaire ou se déploient tels des motifs.

Native de la Gaspésie, Émilie Bernard vit et travaille à Québec. En 2010, elle a complété une maîtrise en arts visuels à l’Université Laval. Son travail a été présenté dans plusieurs centres d’artistes, galeries et centres d’exposition au Québec, en Finlande et en Islande. Depuis 2011, elle réalise surtout des résidences de création. Elle a notamment élaboré des projets au Vermont Studio Center (États-Unis), au Kulttuurikauppila Art Centre (Finlande), à The association of Icelandic visual artists (Islande), au Akos Centre (Arménie) et à l’Œil de Poisson (Québec). Jusqu’à présent, elle a été appuyée par le Conseil des arts et des lettres du Québec, Première Ovation et le Conseil des arts du Canada.


http://emilie-bernard.com/


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Émilie Bernard
Artist in Residence 

My work is guided by a deep interest in collecting and characterized by a broad display of small pieces. I accumulate and enumerate to create sequences of variations, assortments, and continual inventories. This practice, reminiscent of a collector’s meticulous gestures, is expressed in two ways: through objects and through drawings which evoke architecture, nature or everyday life. I make familiar and strange objects, at once rough and delicate, pared down and complex, using mainly plaster, casting, assemblage or direct carving techniques. I create drawings that are both polished and detailed, which play with a range of subjects that I condense and reinterpret. By way of repetition and recurrence, these subtly rendered drawings become fragments of an inventory in which they unfold like motifs.


Originally from Gaspésie, Émilie Bernard lives and works in Quebec City, where she earned a MFA at Université Laval. Her work has been presented in several artist-run centres, galleries and exhibition centres in Quebec, Finland and Iceland. Since 2011, she has primarily devoted her time to creation residencies. She notably developed projects at the Vermont Studio Center (US), the Kulttuurikauppila Art Centre (Finland), The Association of Icelandic Visual Artists (Iceland), the Akos Centre (Armenia) and l’Œil de Poisson (Quebec City). To date, she has been supported by the Conseil des arts et des lettres du Québec, Première Ovation and the Canada Council for the Arts.

http://emilie-bernard.com/

Exposition David Lafrance

David Lafrance

La peur de perdre

(English follows)

EXPOSITION du 19 février 2015 au 30 avril 2015

VERNISSAGE le jeudi 19 février 2015 à 17h00

David Lafrance présente La peur de perdre, au Centre SAGAMIE d’Alma, une nouvelle série de tableaux miniatures denses et complexes illustrant la possession des lieux : des environnements intérieurs en voie de devenir un domicile.

Cette série s’inscrit dans une suite portant sur le quotidien et la proximité. L’œuvre est supportée par l’immanence du réel, mais poussée aux limites du possible des avenues graphiques et esthétiques de la peinture moderne. Le corpus présenté a été stimulé par un déménagement domestique où chaque objet du quotidien est revisité et analysé. Garder, jeter, donner ou revendre? C’est dans ce chaos ménager que fut entreprise au compte-goutte la création de la présente série, stimulant la réflexion portant sur des sujets d’actualité socioéconomique comme l’austérité, l’hyperconsommation, la mondialisation, la lutte des classes et la dépendance aux technologies.

Cette recherche picturale invite une multitude de sujets à co-habiter tant bien que mal, formant entre hasard et conscience des compositions symboliques. Par le « design d’intérieur », la nature morte et l’abstraction, les thèmes de la domesticité et de l’acquisition se déchirent. On y retrouve tantôt des accumulations maladives, tantôt la négligence des lieux. Ce sont les signes de l’expression du malaise de l’artiste tiraillé entre l’abondance matérielle et la crise sociale, grands thèmes anxiogènes de notre époque. 

Si les tableaux soulignent l’abondance démesurée des biens matériels, ceux-ci sont fabriqués à une échelle des plus réduite, presque miniature, ne prenant que très peu d’espace et facilitant le transport et l’entreposage. Cette résolution quant au support donne alors un peu d’espoir vis-à-vis la perte de contrôle dans un lieu limité.

David Lafrance est né en 1976 au Québec et vit et travaille à Montréal. Il est diplômé depuis 2001 de l’Université Concordia à Montréal en peinture et dessin. Ces dernières années ce peintre, aussi graveur et sculpteur, a réalisé plusieurs expositions au Québec, au Canada et au États-Unis. Il est récipiendaire de bourses du Conseil des arts et des lettres du Québec. On peut retrouver ses œuvres dans plusieurs collections publiques et corporatives. En complément à son œuvre picturale, sa pratique artistique évolue à travers la musique expérimentale et bruitiste. Il est cofondateur, avec son frère Vincent, des Jouets Lafrance, un projet de sculptures populaires autodidactes. Il est représenté par la galerie Hugues Charbonneau.

L’artiste travaille sur des peintures sensorielles et stimulantes adoptant différents cadres figuratifs. Ses compositions sont motivées par l’accumulation plus ou moins logique de sujets qui nourrissent la recherche au niveau des préoccupations de notre société. À la source de cette quête, à caractères esthétique et symbolique, il y a un malaise, un problème d’identité et d’autodétermination créé par le vide spirituel contemporain. Il trouve une source d’inspiration dans la façon dont les gens consomment, s’évadent, fantasment et développent le goût du beau et de la sécurité comme refuge.

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David Lafrance

La peur de perdre

EXHIBITION February 19, 2015 / April 30, 2015

OPENING Thursday, February 19, 5 p.m

David Lafrance is presenting La peur de perdre at the Centre SAGAMIE in Alma. This exhibition comprises a series of dense and complex miniature paintings illustrating the occupation of a place: interior environments in the process of becoming a home.

This series is part of an ongoing project focused on the everyday and proximity. Though the work is supported by the immanence of the real, it pushes the graphic and aesthetic possibilities of modern painting to its limits. The exhibited body of work was inspired by a home move in which everyday objects had to be reconsidered and analyzed one by one. Should it be kept, thrown out, given away or sold? It is in this domestic chaos that the current series slowly began to arise. The presented works stimulate thought about topical socioeconomic subjects such as austerity, hyper-consumption, globalization, class struggle and technology dependence.

This visual research brings together a multitude of not always compatible subjects, which take shape as a symbolic composition born of a mix between chance and conscious choice. The “interior design”—combining the still-life and abstraction—causes the themes of the home and acquisition to clash. Here, sickly accumulations alternate with neglected places. These signs express the malaise of the artist, who is torn between material abundance and social crisis, two major sources of anxiety in our era.

Though the paintings emphasize the excessive abundance of material goods, they are created on a very small, almost miniature scale, and thus take up hardly any space, which facilitates their transportation and storage. In thus inscribing the resolution in the support, the artist provides some hope for a situation in which limited space can lead to a loss of control.

David Lafrance was born in 1976 in Quebec and he lives and works in Montreal. In 2011, he graduated from Concordia University (Montreal) with a specialization in painting and drawing. For the last few years the painter, who is also an engraver and sculptor, has had several exhibitions in Quebec, Canada and the US. He has received grants from the Conseil des arts et des lettres du Québec and his works are part of several public and corporate collections. In addition to his visual work, his artistic practice also includes experimental and noise music. He is the cofounder, alongside his brother Vincent, of the Lafrance Toys project, which consists of folk sculptures created in a self-taught manner. He is represented by the Galerie Hugues Charbonneau

Through the use of various figurative frameworks, the artist creates sensory and stimulating paintings. His compositions are motivated by a more or less logical accumulation of subjects that reference current social concerns. At the root of this aesthetically and symbolically inflected quest there is a malaise, a struggle with identity and self-determination issues brought about by the spiritual bareness of our times. He draws his inspiration from the way in which people consume, engage in escapism, fantasize and cultivate a taste for beautiful things and security as a refuge.

Anne-Marie Ouellet et Thomas Sinou

Anne-Marie Ouellet et Thomas Sinou
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Anne-Marie Ouellet et Thomas Sinou fonde L’eau du bain en 2008 pour créer des œuvres théâtrales, installatives et sonores. Leurs trois volets de « La trilogie de la mort de l’enfant » ont été présentés dans différents festivals au Québec et en France. Sur toute l’année 2011, L’eau du bain a été accueillie en résidence à Mains d’œuvres, en banlieue parisienne. En collaboration avec l’Usine C, L’eau du bain travaille actuellement sur un nouveau cycle avec la série « Portraits », des œuvres performatives mettant en scène des adolescents et des personnes âgées. Le son de l’ère est froid, est le sixième projet de la compagnie.

Faisant appel au théâtre, à l’art sonore et à l’installation, les créations de L’eau du bain sont des mélanges hybrides qui s’intéressent au franchissement des frontières. À chaque nouvelle création, les règles de jeu se modifient et de nouvelles machines sont élaborées pour mettre en place une réelle interaction entre l’espace, l’environnement sonore, les artistes, le public et des éléments du réel. Du Lac Saint-Jean gelé à un CHSLD, le collectif se déplace pour créer, déborde du plateau pour aller à la rencontre de nouveaux paysages et de nouveaux personnages. Dans leurs œuvres, il est souvent impossible de distinguer ce qui est réel de ce qui est fictif.

http://www.eaudubain.com/


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Anne-Marie Ouellet and Thomas Sinou
Artist in Residence

Anne-Marie Ouellet and Thomas Sinou founded L’eau du bain in 2008 to create theatrical, installation and sound works. The three parts of the “La trilogie de la mort de l’enfant” were presented in various festivals in Quebec and in France. In 2011, L’eau du bain was invited to undertake a one-year residency at Mains d’Œuvres, located on the outskirts of Paris. In collaboration with Usine C, L’eau du bain is currently working on a new cycle with the series “Portraits”, which consists of performative works featuring adolescents and elderly persons. Le son de l’ère est froid is the company’s sixth project.

Drawing on theatre, sound art and installation, L’eau de bain’s creations are hybrid mixtures intent on crossing borders. With each new work, the rules of the game are modified and new machines are developed to trigger a veritable interaction between the space, sound environment, artists, audience and elements of the real. From the frozen Lac Saint-Jean lake to nursing homes, the group travels to create, always eager to go beyond the stage in search of new landscapes and characters. In their works, it is often impossible to distinguish between fact and fiction.

http://www.eaudubain.com/

Éric Raymond

Éric Raymond

Artiste en résidence / Artist in Residence 

(English follows)

Mes œuvres interrogent l'origine des images. Exploitant la nature arbitraire des associations visuelles, mon travail pose le problème de la genèse des représentations avec insistance. Depuis 1997, je me consacre à la réalisation du corpus Lanternes / Lighthouses auquel s'intègre la série de boîtes lumineuses Plus grand que nature. Celle-ci exploite les qualités plastiques de la macrophotographie pour développer un questionnement sur l’écart entre les représentations visuelles et leurs contreparties verbales. Le souci de «faire image» se transpose dans les titres pour y provoquer des déplacements de sens qui en altèrent la lecture initiale.


Depuis plus de trente ans, Éric Raymond est actif dans le domaine des arts visuels et médiatiques. Son travail a été présenté sur la scène nationale et internationale notamment à la Absolut L.A. International Biennial Art Invitational (L.A. U.S.A.), Ars Electronica (Linz, Austria), L.A. Freewave (L.A. U.S.A.), Artcore Gallery (Toronto), Trinity Square Video Gallery (Toronto), Dazibao (Montréal), TPW (Toronto), Inter Access (Toronto), le Centre des Arts Saidye Bronfman (Montreal), Netwerk/ Center for contemporary art, (Aalst, Belgique), le Centro Cultural PUCP (Lima, Peru), la galerie de la Maison du Canada (Londres) et la Maison des métallos (Paris).

http://www.eric-raymond.com/

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Éric Raymond

Artist in Residence 

My work raises questions about the origin of images. Through the use of arbitrary visual associations, it explores issues related to the sources of mental representations. Since 1997, I have been developing a body of work called Lanternes/ Lighthouses, which includes the Larger Than Life lightboxes series. Those pictures use the characteristics of macrophotography to question the gap between visual representations and their language counterparts. The idea of “picturing” something is transposed in the titles to provoke a semantic shift that will alter the initial interpretation of the image.



Eric Raymond has been active in the field of visual and media arts for over thirty years. He has exhibited his work on the national and international scene in several solo and group shows notably at the Absolut L.A. International Biennial Art Invitational (L.A. U.S.A.), Ars Electronica (Linz, Austria), L.A.Freewave (L.A. U.S.A.), Artcore Gallery (Toronto), Trinity Square Video Gallery (Toronto), Dazibao (Montréal), TPW (Toronto), Inter Access (Toronto), the Saidye Bronfman Centre for the Arts (Montreal), Netwerk/ Center for contemporary art, (Aalst, Belgium), the Centro Cultural PUCP (Lima, Peru), Canada House Gallery, London (England), Maison des métallos (France).

http://www.eric-raymond.com/

Lorna Bauer

Lorna Bauer and Jon Kowles, Professionnal Development, 2014. 

Lorna Bauer 

Artiste en résidence / Artist in Residence 

(English follows)

Mes oeuvres interpellent les aspects moins visibles de la production artistique et, dans certains cas, elles analysent la construction de l'image représentée et médiatisée. Mes projets prennent habituellement la forme de créations liées à des sites historiques et leur réalisation peut s'échelonner sur plusieurs mois. Ces oeuvres émanent d'une recherche portant sur un site spécifique et se prolongent dans des oeuvres rigoureuses répondant à un contexte donné. Bon nombre de mes recherches sont issues d'un intérêt pour l'architecture, pour le plan urbain, ainsi que pour les histoires personnelles liées à un lieu en particulier.

L'artiste Lorna Bauer vit et travaille à Montréal. Ses oeuvres ont fait l'objet d'expositions individuelles à la Galerie Nicolas Robert, à Sporobole, chez YYZ Artist Outlet, à la galerie Les Territoires, au centre d'art de l'Université de Toronto, ainsi qu'au Projection Access Space de l'Art Gallery de Mississauga. Son travail a récemment été présenté dans le cadre des expositions Le travail qui nous attend au Musée d'art contemporain de Montréal et Decisive Moments, Somewhere Else chez Trinity Square Video, à Art Metropole, ainsi qu'à la Convenience Gallery (en compagnie de Jon Knowles). En 2012, Lorna Bauer a obtenu une résidence dans le cadre d'un échange Québec-New-York et au Couvent des Récollets à Paris en 2013. Ses oeuvres seront sous peu présentées lors d'une exposition individuelle à Kingston chez Modern Fuel. 

http://www.lornabauer.com/

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Lorna Bauer 

Artist in Residence 

I use my work to question - in a reflective way- the less visible aspects of making art, at times analyzing how images are constructed, represented and mediated. Projects are generally characterized as historical site related works made over several months and develop out of site-specific research, leading to precise works that respond to a given context.  Many of these works begin out of an interest in the architecture, the urban plan, and personal histories of a particular place.

Bauer lives and works in Montreal. She has presented her work in solo exhibitions at Galerie Nicolas Robert; Sporobole; YYZ Artist Outlet; Gallery Les Territoires; The University of Toronto Art Centre and in the Projection Access Space at the Art Gallery of Mississauga. Recently, Bauer's work was included in The Work Ahead of Us at the Musée d'art Contemporain de Montréal; Decisive Moments, Somewhere Else at Trinity Square Video, Art Metropole and Convenience gallery (w Jon Knowles). Bauer has been awarded two Conseil des Arts et Lettres studio residencies, one in New York City as part of the Québec-New York State residency exchange (2012), and the other at the Couvent des Récollets, in Paris (2013). Upcoming activities include a solo exhibition at Modern Fuel in Kingston.

http://www.lornabauer.com/

Alain Lefort

Alain Lefort
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Depuis de nombreuses années, mes recherches artistiques portent sur la représentation photographique du territoire. Je cherche à représenter l’idée d’une nature qui soit autant sauvage ou inquiétante que bucolique et pastorale. Mes compositions photographiques recèlent des tensions et des antinomies qui peuvent provoquer chez le spectateur une inquiétante étrangeté (CF S. Freud). C’est-à-dire que je cherche à composer des paysages qui soient invitants en recélant un potentiel dramatique, voire angoissant.

Généralement, je procède par série en explorant un type de paysage naturel difficilement accessible ou méconnu. Ces paysages sont choisis pour leur potentiel esthétique et graphique ainsi que pour la charge dramatique que je pressens. Travaillant in situ, je m’extirpe d’une zone de confort et m’expose aux difficultés du lieu pour chercher et ressentir ses caractéristiques. Sur place, j’explore et capte ces paysages à l’aide de diverses caméras, anciennes ou récentes, analogues ou numériques. Les manipulations informatiques subséquentes aux prises de vue me permettent d’agencer les matières photographiques propres à chaque médium employé. Ces manipulations sont l’occasion d’accentuer certains effets dramatiques des prises de vues initiales, de revisiter la composition et d’agencer les matières photographiques. Ce travail aboutit à une surface structurée, de grand format et où le spectateur pourra se confronter aux tensions que je cherche à créer plastiquement.

Ainsi, qu’il s’agisse des grandes forêts brûlées du Nord du Québec (Ce qu’arbre a dit), des mangroves des Everglades en Floride (Le Souffle d’Écho) ou les paysages lacustres des Laurentides et de Charlevoix (Arcadia), j’explore ces environnements en quête de compositions qui soient à la fois conviviales, poétiques et peut-être même, étouffantes et inquiétantes.

Alain Lefort est né à Montréal (Canada) en 1968, où il vit et travaille actuellement. Il a étudié la photographie à l’Université Concordia à Montréal. Il s’inscrit dans le paysage artistique montréalais depuis 1992. Son travail est diffusé en permanence à Montréal et à Québec par Lacerte Art contemporain ainsi qu’à Neubacher Shor Contemporary à Toronto. Alain Lefort compte à son actif plus d’une cinquantaine d’expositions tant individuelles que collectives au Québec comme à l’étranger (Albanie, États-Unis, Portugal...). Ses oeuvres ont notamment été acquises par le Cirque du Soleil, le Musée national des beaux-arts du Québec, Loto-Québec et UMA (la Maison de l’image et de la photographie). Son travail a aussi fait l’objet de nombreuses publications.

http://www.alainlefort.com/

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Alain Lefort
Artist in Residence

For quite some time now, the photographic representation of the land has been the focus of my artistic research. I seek to represent an idea of a nature that is both wild or unsettling and bucolic and pastoral. My photographic compositions convey underlying tensions and antinomies which may trigger feelings of the uncanny (S. Freud). I aim to compose landscapes which are inviting, but which also comprise a dramatic, or even troubling potential.

I usually develop my work in a series approach by exploring a type of natural landscape that is hard to access or little-known. These landscapes are selected on the basis of their aesthetic and graphic potential as well as for the dramatic charge I sense within them. I work onsite and try to step out of my comfort zone in order to expose myself to the site’s difficulties and to discover and experience its characteristics. In the field, I explore and capture these landscapes with the help of various old or recent, analog or digital cameras. The subsequent digital modifications of the shots enable me to assemble the photographic materials inherent in each of the mediums I use. These modifications make it possible to highlight certain of the initial shots’ dramatic effects, to rework the composition and to assemble the photographic materials. This process results in a large-scale structured surface in which the viewer can confront the tensions I seek to create on a visual and formal level.

Whether it be the vast burned forests of northern Quebec (Ce qu’arbre a dit), the mangroves of the Florida Everglades (Le Souffle d’Écho) or the Laurentides and Charlevoix lake landscapes (Arcadia), I explore these environments in search for compositions which are at once welcoming and poetic, and, in some regards, oppressive and unsettling.

Alain Lefort was born in 1968 in Montreal (Canada), where he currently lives and works. He studied photography at Concordia University in Montreal. He has been involved in the Montreal art milieu since 1992. His work is on permanent display in Montreal and Quebec City through Lacerte Art contemporain, as well as at the Neubacher Shor Contemporary in Toronto. Alain Lefort has had over fifty solo and group exhibitions in Quebec and abroad (Albania, the US, Portugal...). His works have notably been acquired by the Cirque du Soleil, the Musée national des beaux-arts du Québec, Loto-Québec and UMA (La Maison de l’image et de la photographie). Several publications have also been dedicated to his work.

http://www.alainlefort.com/

Emmanuelle Jacques

Emmanuelle Jacques
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

La pratique d'Emmanuelle Jacques est issue du dessin et des arts imprimés. Elle se présente sous forme d’installations, de livres d’artistes, de vidéos, d’art relationnel ou d’autres manœuvres. Son travail se développe par projets, dont certains évoluent en parallèle depuis plusieurs années. En poursuivant des tâches répétitives, voire interminables, elle crée des contextes favorables à la réflexion, dont la durée lui permet de formuler ses idées et donner sens à son travail. Marquée par la philosophie absurde, elle balance entre un sentiment d’émerveillement devant le monde et de révolte devant l’impossibilité d’y trouver un sens. Ses projets récents explorent les notions d’espace et de territoire, que ce soit à travers leur appropriation par les individus ou les collectivités (Une cartographie subjective, Les chemins de traverse), leur portée poétique et politique (Lieux communs) ou leur dimension imaginaire (La création de l’univers, Cartographies spontanées).

Emmanuelle Jacques vit à Montréal, où elle a complété un baccalauréat en arts visuels à l’UQAM en 2004. Elle a présenté son travail, animé des ateliers de création et réalisé des projets en résidence à Montréal, Toronto, Vancouver, Winnipeg, Moncton, Saint John’s, Baie-Comeau, Natashquan et aux Îles-de-la-Madeleine. Son livre d’artiste Lieux communs : Commonplaces s'est classé finaliste au concours Artist Book of the Moment de la galerie de l’université York (Toronto, 2012). Engagée dans son milieu, elle a présidé le conseil d'administration d'Arprim et consacré 5 ans à la transformation de l'organisme en centre d'artistes voué à la diffusion des pratiques actuelles liées aux arts imprimés.

https://emmanuellej.wordpress.com/

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Emmanuelle Jacques

Artist in Residence

Emmanuelle Jacques’s practice is rooted in drawing and the print media. Her work is presented in various forms such as installations, artist books, videos, relational art or other manoeuvres. She develops her work by way of projects, some of which have been unfolding in parallel for several years. In pursuing repetitive, even endless tasks, she creates contexts that are conducive to lengthy reflection, which allows her to articulate ideas and make her work meaningful. Having been influenced by the philosophy of the absurd, she views the world with both a sense of wonder and, due to the impossibility of finding meaning in it, one of revolt. Her recent projects explore notions of space and territory, whether it be through their appropriation by individuals or communities (Une cartographie subjective, Les chemins de traverse), their poetic and political resonance (Lieux communs: Commonplaces) or their imaginary dimension (La création de l’univers, Cartographies spontanées).

Emmanuelle Jacques lives in Montreal where she earned a BFA at UQAM in 2004. She has presented her work, given workshops and carried out residency projects in Montreal, Toronto, Vancouver, Winnipeg, Moncton, Saint John’s, Baie-Comeau, Natashquan and the Îles-de-la-Madeleine. Her artist book Lieux communs: Commonplaces was a finalist in the Artist Book of the Moment competition at the Art Gallery of York University (Toronto, 2012). An active member of her milieu, she was the president of Arprim's board of directors and for 5 years she took part in the organization’s transformation into an artist-run centre dedicated to the dissemination of contemporary print-related art practices.

https://emmanuellej.wordpress.com/

Aude Moreau

Aude Moreau
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Depuis 2010, Aude Moreau développe des projets d’interventions in situ qui utilisent la fenestration des édifices à bureaux de grands centres urbains pour y inscrire du langage. Construites à partir du signal qu’émet la lumière du bureau, ces interventions utilisent la production énergétique déjà existante de la ville illuminée pour en rejouer le spectacle. La dynamique de cette démarche privilégie l’angle sous lequel l’intervention artistique agit de l’intérieur de la production urbanistique pour se réapproprier l’espace symbolique de la ville. Ce cycle de travail qui a débuté avec une première intervention réalisée en collaboration avec la Tour de la bourse à Montréal et s’est poursuivi avec deux projets en cours de réalisation à Los Angeles et à Manhattan. Dans le cadre de cette résidence au Centre SAGAMIE, l'artiste développera un corpus d’œuvres qui seront issues de la documentation des différentes étapes de réalisation de ces projets.

Aude Moreau détient une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal. Ses interventions et installations ont été présentées au Québec, aux États-Unis, en France, en Italie, en République tchèque et au Luxembourg. Récipiendaire de la bourse en art contemporain Claudine et Stephen Bronfman et du Prix Powerhouse en 2011, Aude Moreau a exposé récemment au Musée d’art contemporain de Montréal et à la galerie de l’UQAM dans le cadre de l’échange Montréal/Brooklyn. Son travail fait partie de la collection Loto-Québec, de la collection Prêt d’œuvres d’art du Musée National des Beaux-Arts du Québec et de la Banque d’œuvre d’art du Canada. Son travail est représenté par la galerie Antoine Ertaskiran.

http://audemoreau.net/

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Aude Moreau
Artist in Residence

Since 2010, Aude Moreau has been developing site-specific intervention projects in which she uses the windows of office buildings in metropolitan areas to inscribe text. These interventions are constructed with the light signal emitted by the respective offices, thus using the energy source already present in the illuminated city in order to replay its spectacle. The underlying dynamic of the approach favours a perspective in which the artistic intervention proceeds from inside urban production in view of re-appropriating the symbolic space of the city. This work cycle, which began with an initial intervention at the Montreal Stock Exchange Tower, is ongoing with two projects currently in progress in Los Angeles and Manhattan. As part of this residency at the Centre SAGAMIE, the artist will develop a body of works which will draw on the documentation of the project’s various production stages.

Aude Moreau holds a MFA from the Université du Québec à Montréal. Her interventions and installations have been presented in Quebec, the US, France, Italy, the Czech Republic and Luxembourg. In 2011, she received the Claudine and Stephen Bronfman Fellowship in Contemporary Art as well as the Prix Powerhouse Galerie La Centrale. She recently exhibited her work at the Musée d’art contemporain de Montréal and the Galerie de l’UQAM as part of the Montreal/Brooklyn event. Her works are part of the Loto-Québec collection, the Prêt d’œuvres d’art at the Musée National des Beaux-Arts du Québec and the Canada Council Art Bank. She is represented by the Galerie Antoine Ertaskir.

http://audemoreau.net/

Michel Huneault

Michel Huneault
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Michel Huneault est un photographe et artiste visuel basé à Montréal. Avant de se consacrer à temps plein à sa pratique artistique, en 2008, Michel a travaillé en tant que professionnel du développement international pendant plus de dix ans, ce qui l’a mené dans plus d’une vingtaine de pays. Il détient une maîtrise en Études latino-américaines de l’Université de la Californie à Berkeley, où il fut boursier Rotary pour la paix et la résolution de conflits. C'est à Berkeley qu'il fut étudiant et assistant de cours de Gilles Peress, de l’Agence Magnum Photo, puis apprenti à son studio new-yorkais, ce qui constitue sa principale formation en photographie.

Aujourd'hui, son travail photographique continue de s'attarder aux enjeux liés au développement, à la paix (ou la guerre), et aux géographies compliquées, un corpus incluant du travail exécuté au Canada (Lac-Mégantic), au Japon (Tohoku) et en Haïti (Port-au-Prince). Son travail récent a été présenté dans différents festivals et galeries au Canada, au Royaume-Uni et aux Pays-Bas. La longue nuit de Mégantic, un travail d'un an portant sur le deuil et le traumatisme, a pris initialement affiche à la Maison de la culture Rosemont en mai 2014. Après avoir reçu le prix du meilleur portfolio présenté au festival Contact 2014, La longue nuit de Mégantic sera ensuite exposée à Toronto en janvier 2015.

http://www.michelhuneault.com/

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Michel Huneault
Artist in Residence

Michel Huneault is a Montreal-based photographer and visual artist. Before devoting himself full time to his artistic practice in 2008, Michel worked for over ten years in the international development field, a profession which took him to over twenty countries. He holds a MA in Latin American Studies from the University of California, Berkeley, where he was a Rotary World Peace Fellow. At Berkeley, he was the student and teaching assistant of Gilles Peress, from the Magnum Photo Agency, and afterwards became his apprentice at his New York studio, which comprises his main training in photography.

Currently, his photography work continues to focus on development related issues, to peace (or war), and complex geographies. His body of work includes work created in Canada (Lac-Mégantic), Japan (Tohoku) and Haiti (Port-au-Prince). His recent work was shown in various galleries and festivals in Canada, the UK and the Netherlands. La longue nuit de Mégantic, a one-year work about grief and trauma, was first exhibited at the Maison de la culture Rosemont in May 2014. After having received the Portfolio Reviews Exhibition Award at the 2014 Contact festival, La longue nuit de Mégantic will subsequently be exhibited in Toronto in January, 2015.

http://www.michelhuneault.com/

Marie Brunet

Marie Brunet
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Pour cette résidence au Centre SAGAMIE, j'entends poursuivre ma recherche sur l’intégration de la photographie au tissage sur métier tout en étendant son application à des tissus imprimés de formes variées. Cette exploration est rendue possible grâce une bourse de recherche/création du Conseil des Arts de Saguenay en partenariat avec la MRC du Fjord-du-Saguenay. En 2013, une aide financière du Programme de soutien aux initiatives culturelles du milieu, soutenue conjointement par la MRC du Fjord-du-Saguenay et le centre d’artistes Le Lobe de Chicoutimi, en collaboration avec le Centre SAGAMIE d’Alma, m’avait permis d’explorer la technique du tissage sur métier en intégrant des montages photographiques afin de créer de grandes murales avec la participation du Cercle des Fermières.

Née à Québec en 1960, Marie Brunet détient un baccalauréat en arts plastiques (Université du Québec à Montréal, 1983). En 1984, elle fonde l’atelier La Presse la Bête à Cornes (Montréal), un lieu de production et de diffusion en lithographie. Depuis 2000, elle se consacre principalement à la photographie. Récipiendaire de différentes bourses, son travail a été vu à plusieurs reprises tant au Canada, en Allemagne, en Inde qu’en France. Membre de diverses associations et comités de développement culturel, elle a réalisé plusieurs œuvres publiques dans le cadre de la politique d’intégration des arts à l’architecture et à l’environnement. Elle réside et travaille à L’Anse-Saint-Jean depuis 2002.

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Marie Brunet
Artist in Residence

For this residency at the Centre SAGAMIE, I intend to pursue my research about integrating photography with loom weaving, all the while broadening photography’s application to printed fabrics of various types. This exploration has been made possible thanks to a research/creation grant from the Conseil des Arts de Saguenay in partnership with the Fjord-du-Saguenay MRC. In 2013, funding from the Programme de soutien aux initiatives culturelles du milieu, jointly supported by the MRC of the Fjord-du-Saguenay and the artist-run centre Le Lobe in Chicoutimi, in collaboration with the Centre SAGAMIE in Alma, enabled me to explore loom weaving techniques by integrating photomontages in view of creating large-scale murals with the participation of the Cercle des Fermières.

Born in Quebec City in 1960, Marie Brunet holds a BFA (Université du Québec à Montréal, 1983). In 1984, she founded La Presse la Bête à Cornes studio (Montreal), which is dedicated to silkscreen production and dissemination. Since 2000, her work has been shown on many occasions in Canada, Germany, India and France. She is a member of various cultural development committees and has created several public works as part of the policy to integrate art with architecture and the environment. Since 2002, she lives and works in Anse-Saint-Jean.