centre Sagamie

Pascal Dufaux

2012-01-30T14:24:00.003-05:00

CCTV MELANCHOLY

Pascal Dufaux
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Dans mon atelier, j’ai installé un système de vidéo surveillance en circuit fermé que j’utilise comme instrument photographique. C’est ce genre de dispositif que l’on retrouve maladroitement accroché au plafond de la plupart des petits commerces et qui le plus souvent ne fait que capter et retransmettre en continu l’absence d’événement de la vie quotidienne. Chacun de ces envahissants systèmes de sécurité couplant caméra et moniteur est une sorte de fontaine à images sous l’objectif desquels nous allons et venons, et sur l’écran desquels s’imprègnent pour quelques secondes les contours brouillés de nos silhouettes dans la lumière sale et parasitée d’une électronique bon marché. Cette technologie banale et terne est la quintessence du vide par l’image, le symptôme même de l’épuisement possible d’une certaine représentation enthousiaste du monde. Pourtant, son vacuum est plein, l’indifférence de son point de vue particulièrement pertinent et le bruit de sa circuiterie étrangement signifiant pour nous les contemporains de la crise de l’avenir. C’est pour sa capacité à user à la corde la joliesse du sujet placé devant son optique que cette machine à image m’intéresse. Machine de vision lucide et fatiguée, machine à images indifférentes, dont j’ai eu envie de pointer le rayon sur certains objets et thèmes - inspirés de loin par l’iconographie des vanités, ces peintures de genre de l’art flamand du XVIIe -, qui nous rappelle comment les choses de la vie sont éphémères, fragiles et belles.

Pascal Dufaux crée des machines automates optiques avec lesquelles il produit photographies et installations médiatiques. Il a récemment participé aux 23e Instants Vidéo de Marseille sous le commissariat de Marc Mercier et à l’exposition Paranoïa sous le commissariat de Charles Carcopino (Créteil, Maubeuge et Lille). Sa nouvelle sculpture vidéo cinétique Fontaine sera présentée dans le cadre de la première édition de la Biennale internationale d’art numérique organisée par ELEKTRA sous le commissariat d’Alain Thibault à Montréal au printemps 2012. Pascal Dufaux est représenté par la Galerie Joyce Yahouda.

http://vimeo.com/22264662

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Pascal Dufaux

Artist in Residence

In my studio, I have installed a closed circuit television surveillance system which I am using as a photographic tool. It is a similar set-up to those that are often seen conspicuously hanging from the ceilings of retail shops and which most often serve no other purpose than to uninterruptedly record and transmit the complete absence of anything actually taking place in the course of the daily grind. Each of these invasive security systems, linking camera to monitor, constitutes a fountain of images, as the lens captures our comings and goings, our blurry silhouettes passing for a couple of seconds at a time across a screen in the dull and parasitic light of cheap electronic gadgetry. This banal and drab technology represents sheer vacuity through imagery, the sure symptom of the exhaustion of any truly vibrant representation of the world. The vacuum, however, is full, the inconsequentiality of its vantage point is timely and the hum of the circuits unsettlingly meaningful for those of us now facing the crisis of the future. It is the ability of this image-making machine to erode the prettiness of the subject caught in front of the lens which fascinates me. A machine of limpid, jaded vision, machine of apathetic images, which I want to focus on certain objects and themes – inspired from afar by the iconography of vanity as portrayed in 17th century Flemish art – a reminder of just how ephemeral, fragile and beautiful are the things of life.

Pascal Dufaux creates robotic optical devices which he uses to produce photographs and media installations. He recently participated in the 23rd Instants Vidéo de Marseille, under the curatorship of Marc Mercier, and in the Paranoïa exhibition, under the curatorship of Charles Carcopino (Créteil, Maubeuge and Lille). His new kinetic video sculpture, Fontaine, will be presented as part of the first International Digital Art Biennial organised by ELEKTRA under the curatorship of Alain Thibault in Montreal in the spring of 2012. Pascal Dufaux is represented by the Joyce Yahouda Gallery.

http://vimeo.com/22264662

Geneviève Chevalier‏

2012-01-23T17:21:00.003-05:00

Geneviève Chevalier Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Geneviève Chevalier est artiste, commissaire d’exposition indépendante et doctorante au programme Études et pratiques des arts de l’UQÀM. Son champ d’intérêt couvre l’exposition, les méthodologies in situ et la question des sphères publiques. L’approche qu’elle privilégie est généralement contextuelle et dans le cadre de ses recherches, elle travaille présentement — à titre de commissaire invitée pour la Galerie d’art Foreman de l’Université Bishop’s — sur l’exposition in situ en deux volets Projet Stanstead ou comment traverser la frontière. Également, depuis 2010, à titre d’artiste, Chevalier réalise l’œuvre Orford : territoire insulaire, un projet qui s’articule à travers la documentation (photographie, vidéo, carte topographique ainsi que certains éléments d’archives tirés de la collection du groupe citoyen S.O.S. Parc Orford qui a mené une lutte contre le démantèlement du Parc provincial du Mont-Orford de 2006 à 2010). En juillet 2011, une randonnée ouverte au public a été offerte dans le Parc du Mont-Orford en compagnie de l’historien de l’art et alpiniste Benedict Fullalove (ACAD). Les participants y ont été invités à documenter leur randonnée ainsi qu’à utiliser une carte topographique développée par l’artiste. L’événement a été suivi d’une conférence de Fullalove au Centre d’arts Orford. Le projet sera présenté dans son ensemble à la Thames Art Gallery, Ontario, en 2013.

Comme artiste, le travail de Chevalier a été présenté au D.U.M.B.O. Art Center de Brooklyn; à la Thames Art Gallery, Ontario; au C.R.A.N.E., France; au centre Dare-Dare, Montréal; aux centres Wagon art itinérant et Regart, Québec et Lévis; à la Maison de la culture Notre-Dame-de-Grâce, Montréal ainsi qu’au Musée des beaux-arts de Sherbrooke. Elle a reçu une bourse de la Fondation suédoise Brucebo pour les beaux-arts, différentes bourses du Conseil des arts et des lettres du Québec (CALQ) et du Centre interuniversitaire des arts médiatiques (CIAM). Elle a également réalisé des projets de commissariat pour la Galerie d’art Foreman de l’Université Bishop’s, dont l’exposition collective Motelisation et des expositions individuelles avec Ron Benner : Projet /10 et Valérie Blass : Dos-à-dos / Face-à-face. Récemment, Chevalier a occupé les postes de co-conservatrice et de conservatrice adjointe à la Galerie d’art Foreman de l’Université Bishop’s. Elle a également enseigné au Cégep St-Jean-sur-Richelieu et au Collège Gérald-Godin à Montréal. Elle détient un diplôme de maîtrise en beaux-arts de l’Université Concordia. Née à Québec, elle vit et travaille à Eastman dans les Cantons de l’Est.

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Geneviève Chevalier
Artiste en résidence / Artist in Residence

Geneviève Chevalier is a visual artist, an independent curator and a doctoral student in the program Études et pratiques des arts at UQÀM. Her research focuses on exhibition practices, site-specific methodologies and notions of public spheres. The approach she generally privileges is contextual and as part of her research, she is currently working—as guest curator at the Foreman Art Gallery of Bishop’s University—on the two-part site-specific exhibition entitled Stanstead Project or How to Cross the Border. Since 2010, Chevalier has been working as an artist on the project Orford: Insular Territory which articulates itself through documentation (silver gelatine prints, sound recording, video, topographical map and archives taken from the group of local citizens SOS Parc Orford which fought against the dismantlement of the Mount Orford Provincial Park, from 2006 to 2010). In July 2011, a hike open to the general public was offered in company with mountain climber and art historian Benedict Fullalove from ACAD. Participants were then invited to document their hike, usinga map created by the artist. The event was followed by a conference by Fullalove at the Orford Centre for the Arts. The project will be presented in its entirety in 2013 at the Thames Art Gallery, Ontario.

Chevalier’s work as an artist has been presented at the D.U.M.B.O. Art Center in Brooklyn; the Thames Art Gallery, Chatham, Ontario; C.R.A.N.E., France; Regart and Wagon Art itinérant Artist Run Centres, Lévis and Québec City; Centre Dare-Dare, Montréal and Museum of Fine Arts, Sherbrooke. She has been awarded a grant from the Brucebo, Swedish Foundation for the Arts, various grants from the Conseil des arts et des lettres du Québec (CALQ) and the Centre interuniversitaire des arts médiatiques (CIAM). In the past, Chevalier has worked as co-curator at the Foreman Art Gallery and taught at the Cégep St-Jean-sur-Richelieu and Cégep Gérald-Godin. She holds an MFA from Concordia University. Born in Québec City, she now lives and works in Eastman, Eastern Townships, Québec

Sonia Boudreau / Lancement de livre

2012-01-17T19:18:00.000-05:00

Sonia Boudreau DIAGNOSTIC 201100006131
Lancement du livre édité par le Centre SAGAMIE
à Espace Virtuel
ce jeudi 19 janvier 2012 à 17h
534, Jacques-Cartier est, Chicoutimi, 418-698-3873

La mécanique du vivant se retrouve toujours à la base de mon travail. J'explore des avenues métaphysiques de phénomènes déstabilisants touchant le corps en me penchant méticuleusement sur les détails et jouant avec l’altération des échelles. Je cherche à créer un langage visuel associé à la notion de duplicité selon laquelle l’humain assiste à sa propre vie comme un spectateur. Avec le projet Diagnostic, je me suis amusé à décortiquer un simple rapport radiologique afin de démontrer une certaine "absurdité dramatique" de son langage. Ce livre d'artiste, empruntant parfois l'esthétique de la BD, montre à quel point les codes techniques peuvent être sujets à l'interprétation. Avec une bonne dose d'ironie, j'ai construit un récit qui démontre comment notre environnement peut modeler nos perceptions jusqu'à l'hypocondrie. Je pose ainsi un regard amusant, personnel et métaphorique, à la fois autobiographie et autofiction, sur les concepts de thérapie, de douleur et de maladie.

Sonia Boudreau vit et travaille au Saguenay depuis 2001. Elle détient un baccalauréat interdisciplinaire en arts ainsi qu’une maîtrise en arts visuels de l’UQAC. Boursière du CALQ à plusieurs reprises, elle a présenté son travail individuel dans divers centres d'artistes, événements et expositions collectives un peu partout au Québec. En marge de sa pratique solo qui touche surtout l'installation, le dessin et le livre, elle fait partie du collectif Cédule 40 qui évolue depuis 2005 dans les champs de l'installation, du jardin et de la sculpture. Elle est aussi membre des Ateliers d’artistes Touttout. En plus de sa pratique artistique, elle enseigne les arts plastiques au Cégep de Chicoutimi et est activement impliquée dans le milieu culturel au Saguenay-Lac-St-Jean.

John Boyle-Singfield‏

2012-01-16T20:10:00.001-05:00

"Sleep" , 2011. Compilation de vidéos corporatives représentant des gens en train de dormir.
"Sleep" , 2011. Compilation of corporative videos showing people asleep.

John Boyle-Singfield
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

John Boyle-Singfield est un artiste résidant à Montréal. Il produit des œuvres dans un large éventail de médias incluant musique, vidéo, image, performance et internet. L’artiste s’engage dans plusieurs stratégies comme l’archivage web, l’appropriation, le readymade social et considère la notion de " non-auteur " pour donner forme à son travail. Son travail explore la production et la dissémination de l’art dans un monde saturé par la technologie.

John Boyle-Singfield est né en 1987 à Chicoutimi (QC), Canada. Il termine son baccalauréat en arts interdisciplinaire en 2012. Certaines de ses œuvres ont été présentées au centre d’artiste le Lobe et à la galerie Espace Virtuel de Chicoutimi. En 2010, il expose pour sa première exposition solo une série de peintures " économiseur-écrans " (screensavers). Au cours de la même période, il réalise une seconde exposition dans son appartement à Chicoutimi. Il y présente une série de matériaux bruts; châssis, toiles blanches, bois et articles de sculpture qui n’ont pas été utilisés par l’artiste durant l’année.

Pour sa dernière exposition à la Galerie Sans Nom (Moncton, NB), John Boyle-Singfield a transformé la galerie en centre d'entrainement personnel réservé aux artistes. Entièrement fonctionnel, l'espace questionne l'agriculture humaine, le readymade social et les modes de production et d'attribution de valeur.

Plusieurs liens sur le travail web de l’artiste se retrouvent sur son site web : http://www.johnboylesingfield.com

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John Boyle-Singfield

Artiste en résidence / Artist in Residence

John Boyle-Singfield is an artist living in Montreal. He produces works across a large array of media including music, video, image-based practices, performance and the internet. The artist takes part in various strategies akin to web archiving, appropriation and social readymade while considering the idea of the "non-author" to give shape to his work. His work explores production and the dissemination of art in a world saturated with technology.

John Boyle-Singfield was born in 1987 in Chicoutimi (QC), Canada. He is working towards a Bachelor's degree in Interdisciplinary Arts to be completed in 2012. Some of his works have been presented at Le Lobe and at Espace Virtuel in Chicoutimi. In 2010, he presented a series of "screen-saver" paintings in the context of his solo exhibition. Concurrently, he held another exhibition in his apartment in Chicoutimi where he presented a series of raw materials : stretchers, blank canvases, wood and sculpture elements that were not used by the artist during the year.

For his latest exhibition at Galerie Sans Nom (Moncton, NB), John Boyle-Singfield transformed the gallery space into a personal training center reserved for artists. Entirely functional, the space questions human agriculture, social readymade as well modes of production and the attribution of value.

Many links about the artist's internet works can be found on his website : http://www.johnboylesingfield.com

Jacinthe Lessard-L.

2012-01-10T19:39:00.001-05:00

Jacinthe Lessard-L.
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Jacinthe Lessard-L. explore l'esthétique générique de l'espace habitable, les interstices entre le normatif et l'individuel et ce, dans des œuvres qui rappellent bien souvent les formes picturales de la modernité. Elle est obsédée par ce temps de grands idéaux et ce qui reste de ces visées positivistes dans notre quotidien; particulièrement dans les objets manufacturés en série. Aussi, beaucoup de ses projets questionnent la nature de la photographie, son rôle historique, sa soi-disant transparence et son rapport au référent; ce qui est documenté avec sa caméra est souvent construit de toutes pièces, dans un autre médium. Son séjour au Centre SAGAMIE lui permettra de développer une série de photographies qui sera présentée dès mars prochain dans une exposition intitulée "La Chambre" à la galerie les Territoires à Montréal. Dans ce projet, les chambres noires de diverses caméras sont moulées puis photographiées sous divers angles. L'espace physique de la Camera Obscura est donc rendu visible ici; celui-ci tend à rétrécir (voire disparaître) avec le développement de la technologie - de la photographie numérique. Il s'agit finalement d'un hommage envers cet espace qui a profondément lié l'avènement de la photographie avec la peinture et l'histoire de l'art.

Jacinthe Lessard-L. détient une maîtrise en Beaux Arts de l’Université Concordia. Ses œuvres ont été exposées au Québec, à Toronto, Nancy, Göteborg, Glasgow et récemment, au Musée de L'Élysée de Lausanne dans l'exposition reGénération2: photographes de demain. Cette dernière fait l'objet d'une publication chez Thames and Hudson et poursuivait en 2011 une tournée internationale. Son travail fait partie de plusieurs collections privées au Canada et aux État-Unis ainsi que de la collection du Cirque du Soleil, du Musée de l'Élysée de Lausanne, du Katrine Harris Print Collection, à Cape Town en Afrique du Sud; il est distribué par l'Aperture Foundation.

http://jacinthelessard-l.com/fr/

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Jacinthe Lessard-L.

Artiste en résidence / Artist in Residence

Jacinthe Lessard-L's work explores the generic aesthetics of everyday life and contemporary dwelling spaces while referring to pictorial forms from modernity. She is obsessed with a diversity of artistic movements that promoted great ideals and the remnants of those positivist positions in today’s world, especially in mass-produced objects. Many of her projects also investigate the nature of photography, its historical role, its so-called transparency and its relationship to the referent; what is documented with her camera is often entirely constructed in another medium. Her stay at the Centre SAGAMIE will provide her with the opportunity to developp a series of images that will be shown in march at the galerie Les Territoires in Montreal. In this project, the interiors of different cameras are molded and photographed. What is made visible here is the physical space of the Camera Obscura that tend to shrink (and almost disappear) with the development of technology - of digital photography. It is a visual homage to a space that once deeply linked photography with painting and art history.

Jacinthe Lessard-L. holds a Master in Fine Arts from Concordia University. Her works has been exhibited in the province of Quebec, Toronto, Nancy, Gothenburg, Glasgow, and recently at the Musée de L'Élysée in Lausanne as part of the 2011 international travelling exhibition reGeneration2 : Tomorrow's Photographers Today which is also the subject of a publication by Thames and Hudson. Her work is included in many private collections in Canada and the United Sates and in the collections of Le Cirque du Soleil, Musée de l'Élysée in Lausanne, the Katrine Harries Print Cabinet, South Africa; it is distributed by the Aperture Foundation.

http://jacinthelessard-l.com/eng/

Pierre Blache‏

2011-12-13T07:09:00.000-05:00

Pierre Blache
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Depuis près d’une vingtaine d’années, mon intérêt pour la photographie se porte sur la représentation critique du paysage. Plus particulièrement, ma caméra recherche des lieux qui ont la possibilité d’évoquer en un même temps malaise et fascination. Ces espaces, que je donne à voir, se trouvent souvent perturbés par de subtiles inscriptions, des présences un peu troubles qui y sont associées.
Pour moi, l’acte photographique a toujours été lié au déplacement. Que ce soit au coin de la rue ou à l’autre bout du monde, l’errance me procure l’état d’esprit nécessaire à la captation des images. Ces photographies me permettent de construire des fictions qui se nourrissent d’impressions, d’émotions ressenties, autant que de brèves incursions dans la culture locale (littérature, cinéma, musique, croyance). J’opte pour des associations poétiques où les images en séquences s’interpellent pour recréer une réalité qui se veut proche de la mémoire que je garde des lieux et des gens croisés.

Pierre Blache a reçu une formation en photographie et en arts visuels au Collège de Matane et à l'Université Concordia de Montréal. Depuis 1989, il a assumé plusieurs responsabilités au sein de VOX, centre de l’image contemporaine, du Mois de la Photo à Montréal et de la revue Ciel variable. C’est depuis 1992, qu’il s’intéresse à la représentation critique de l’environnement par le biais de la photographie de paysage. En plus de ses expositions personnelles au pays, il a participé à de nombreuses expositions collectives au Canada, en Europe et en Amérique latine. Ses plus récentes expositions témoignent de son intérêt pour la relation qu’entretiennent la vidéo, le son et l’image fixe.

http://www.pierreblache.ca/

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Pierre Blache
Artist in Residence

For almost twenty years now, my interest in photography has focused primarily on creating a critical representation of landscape. More particularly, my camera seeks out places that can evoke feelings of both uneasiness and fascination. The spaces that are exposed in my work often reveal evidence of disturbance by subtle inscriptions or unsettling presences that have become associated with them.
For me, the photographic act has always been bound up with a sense of displacement. Whether my rambling has taken me to the other end of the world or just to the next street corner, it has always produced in me the state of mind necessary to capture images. These photographs allow me to construct fictions that feed off of impressions and emotions and brief incursions into local culture (literature, film, music, beliefs). I opt for poetic connections in which sequential images refer back and forth to each other, re-creating a reality which comes close to the memory I preserve of the places and the people I have encountered.

Pierre Blache studied photography and visual arts at the Collège de Matane and at Concordia University in Montreal. Since 1989, he has participated actively in VOX contemporary image, in Le Mois de la Photo à Montréal and in magazine Ciel variable. Beginning in 1992, his interest has focused on the critical representation of the environment through landscape photography. In addition to his individual exhibitions throughout the country, he has participated in group exhibitions in Canada, Europe and Latin America. His most recent exhibitions highlight his interest in the relationship between video, sound and fixed images.

http://www.pierreblache.ca/

Roberto Pellegrinuzzi‏

2011-11-28T20:08:00.001-05:00

Roberto Pellegrinuzzi
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Roberto Pellegrinuzzi est né à Montréal en 1958. Il vit et travaille à Montréal et à Bolton-est. Depuis 1985, il a présenté plus d’une cinquantaine d’expositions individuelles au Canada et en Europe. Il a participé a de nombreuses expositions collectives au Canada, en Europe, en Inde, au Mexique. Ses oeuvres font partie de nombreuses collections publiques et privées dont le Musée des beaux-arts du Canada, Le Fond National d'art contemporain de France, La Maison européenne de la photographie (Paris), le Musée des beaux-arts de Montréal, le Musée d'art contemporain de Montréal, le Musée national des beaux-arts du Québec, l'Hôtel Gault (Montréal) et le Crédit Lyonnais. Il a réalisé à ce jour plus d’une quinzaine d’oeuvres d’art public dans le cadre du Programme québécois d’intégration des arts à l’architecture et à l’environnement.

Dans mon travail, et ce depuis plusieurs années, une grande part de mes recherches (de mon intérêt) questionne l’histoire même de la photographie, ses mécanismes et ses propriétés physiques. Cette nouvelle série regroupée sous le titre Constellation m’a amené à travailler différemment le paysage (un thème récurrent dans ma pratique). Ces nouvelles pièces utilisent un dispositif de mise en plans successifs de l’image. Je décompose celle-ci en de multiples réseaux géométriques sur différents plans. Ces plans une fois réassemblés confèrent à l’image une profondeur, une tridimentionnalité. Dans ces multitudes d’embriquements et de réseaux - selon l’angle ou la distance de visionnement - , l’image se déstructure et se recompose. L’image se dématérialise sous notre regard, au profit de la géométrie, elle devient une proposition abstraite. Cette perte de sens nous amène instinctivement à recentrer notre regard afin que l’image initiale refasse surface, ce qui oblige le spectateur (le regardeur) à se déplacer dans un jeu de va-et-vient, pour la reconstruire. On pourrait faire un parallèle avec une balade en forêt, où la déambulation entre les arbres, la proximité de ceux-ci, brouillent notre vision sur l’ensemble du paysage, lorsque tout à coup on débouche sur un point de vue spectaculaire, voire global du paysage.

http://www.pellegrinuzzi.com/

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Roberto Pellegrinuzzi
Artist in Residence

Roberto Pellegrinuzzi was born in Montreal in 1958. He lives and works in Montréal and Bolton-est. Since 1985, his work has been exhibited in over fifty solo exhibitions in Canada and in Europe. He has participated in numerous group exhibitions in Canada and in Europe, in India, and in Mexico. His work can be found in major public and corporate collections including the National Gallery of Canada, the Fond National d’art contemporain (Paris), La Maison Européenne de la Photographie (Paris), the Montreal Museum of Fine Arts, the Musée d’art contemporain de Montréal, the Musée national des beaux-arts du Québec, and Hotel Gault (Montreal). Pellegrinuzzi has also been awarded over fifteen public artwork commissions as part of the gouvernement du Québec's 1% public art program.

For many years now, a large part of my work has been an investigation of (an interest in) the very history of photography, its devices, its physical properties. In this new series, titled Constellation, I take a different approach to landscape (a recurring theme in my art). The image in these pieces is layered into consecutive planes, decomposed into a network of geometric patterns. These planes, once reassembled, give the image depth and three-dimensionality. Among the many interleavings and networks—depending on one’s viewing angle and distance—the image breaks down and comes back together. As the image dematerializes under our gaze, dissolving into the geometric and abstraction, the loss of cognisance instinctively leads us to refocus in an attempt to recapture the initial image, which obliges the spectator—the viewer—to move around, to-and-fro, to reconstruct it. One may compare the experience with a stroll in the proverbial wood, where the closeness of the trees blurs our view of the countryside—until we suddenly come upon a spectacular, panoramic view of the landscape.

http://www.pellegrinuzzi.com/

Marco Royal Nicodemo‏

2011-11-21T16:17:00.001-05:00

Marco Royal Nicodemo
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Il est difficile de regarder l'environnement de nos jours sans y voir nos traces. Nous avons créé un lien étroit avec la nature et nous essayons sans cesse de l'adapter à nos besoins. En essayant de comprendre ce qui unit ces éléments complexes qui forment notre environnement, il est devenu intéressant pour moi de voir comment il est possible de changer ces cycles naturels par l'entremise de la technologie. La production de mes oeuvres dépend principalement de la peinture et du dessin, mais ces oeuvres sont basées sur des photos et des objets qui ont été pris et utilisés dans la nature. Ces expériences directes influencent grandement la façon dont j'utilise mes matériaux et que j'approche les surfaces à travailler. Mon projet en cours explore comment la création de monuments est le résultat d'une intervention technologique et humaine. Je m'intéresse à voir comment ces éléments topographiques peuvent représenter une narration qui raconte notre relation avec notre environnement. Au Centre SAGAMIE, je prévois explorer l'idée du monument comme "écriture topographique".

Marco Royal Nicodemo est né à Montréal en 1982. Il obtiendra son bac en Beaux-Arts de l'Université Concordia à Montréal. Son travail a déjà été présenté à Tokyo, New York et Montréal. Ses succès académiques lui ont mérité la Bourse de l'Étudiant du nouveau Millénaire ainsi qu'une invitation à devenir membre de la Société Golden Key. Inspiré par la technologie et le paysage, ses travaux explorent les liens et les influences que l'un a sur l'autre. Marco Royal Nicodemo habite et travaille à Montréal.
http://www.marcoroyalnicodemo.com

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Marco Royal Nicodemo
Artist in Residence

It is difficult to look at the environment today without noticing our footprint. We have created an inextricable bond with our landscape and it seems that we constantly try to adapt it to our needs. By searching to understand the complex links that exist between key elements of the environment, it has become interesting to me to find out how we might alter natural cycles and occurrences through technology. My principal way of creating works is through painting and drawing, however, I have based most of these works on actual photographs and objects that I have created and used in the landscape. The first hand experiences of working in the landscape fuel the techniques that I use to apply media and to work the pictorial surfaces.
My current project explores how landmarks are created as a result of human and technological intervention. I am interested in seeing how these topographical elements can be read as narratives and how our relationship with the environment can be "written" in the landscape. As an artist in residence at the Centre Sagamie, I will be creating work that will explore the idea of landmarks and "topographical writing".

Marco Royal Nicodemo was born in Montreal in 1982. His completion of a major in painting and drawing will earn him a Bachelors of Fine Arts from Concordia University in Montreal. His work has been seen in Tokyo, New York and Montreal. His academic achievement earned him the Student of the new Millennium award and membership in the Golden Key Society. Inspired by technology and the landscape, his works explore the links and influences that one subject has on the other. Marco Royal Nicodemo lives and works in Montreal. http://www.marcoroyalnicodemo.com

Douglas Scholes

2011-11-16T16:12:00.001-05:00

Douglas Scholes
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Je crée des installations sculpturales et performatives afin d'explorer la relation entre l'entretien et une esthétique pragmatique; ceci exprime mon intérêt envers l'art en tant que part intégrante, plutôt que simple réflexion, du quotidien. Cette esthétique pragmatique se rapporte à l'aspect intrinsèque et évolutif des choses, des objets et des structures trouvés dans nos environnements, apparences fondamentalement dynamiques dues au passage du temps. L'esthétique pragmatique est manifeste dans les états temporels des nombreux éléments qui composent notre société contemporaine. Je suis fasciné par l'apparence d'un objet qui a été créé à la fois par une attention détachée et par l'entretien nécessaire au renversement des signes de négligence -la dichotomie entre l'entretien et la détérioration- par l'inévitable, l'habituelle et la prévisible réaction de l'un à l'autre. Je moule, construis et installe des objets qui se défont ou se détériorent, et que je reconstruis alors dans une tentative Sisyphéenne de maintien de l'ordre.

Douglas Scholes est né à Montréal. Durant la période de changements économiques et sociaux de l'époque, sa famille quitte la ville pour s'installer à Barrie, en Ontario. Plus tard Scholes déménage sa propre famille à Lethbridge, en Alberta, où il complète un baccalauréat en beaux-arts à l'Université de Lethbridge (1999). Précédemment, il a été impliqué dans diverses professions, notamment la cuisine institutionnelle où il a été en mesure de combiner ses penchants artistiques avec la logistique de la mise en place et de l'ordre, ainsi que la construction de maisons, alors qu'il élevait sa famille. Il arrive ensuite à Montréal et complète ses études supérieures en arts plastiques à l'Université du Québec à Montréal (2001) alors qu'il travaille à la Galerie de Bellefeuille - à nouveau combinant le pragmatique (marché de l'art) et ses intérêts artistiques. Depuis l'obtention de sa maîtrise, il poursuit sa pratique sculpturale, performative et installative dans le cadre de présentations et d'expositions au Canada (3e Impérial, Granby; Galerie Joyce Yahouda, Montréal; Southern Alberta Art Gallery, Lethbridge; Les MacLaren Art Centre, Barrie; Fonderie Darling, Montréal), aux États-Unis (Imagination Station, Detroit), en France (la Maison Laurentine, Aubepierre-sur-Aube), en Irlande (université de l'Ulster), et en Pologne (Académie d'Art dans les deux Cracovie et Wroclaw). De mars à août 2012, il sera l'artiste en résidence du Conseil des Arts du Canada à SPACE, Londres, au Royaume-Uni. Scholes est un cinquième du collectif artistique CRUM (Centre de recherche urbaine de Montréal).

http://www.dougscholes.ca

Douglas Scholes
Artist in Residence

I use sculptural and performance installations to explore the relationship between maintenance and the pragmatic aesthetic as an expression of my interest in art as part, rather than a mere reflection, of the everyday. The pragmatic aesthetic refers to the intrinsic and evolving appearance of things, objects, and structures found in our environments, appearances that are inherently dynamic due to the passage of time. The pragmatic aesthetic is evident in the temporal states of many elements of contemporary society. I am fascinated by the appearance of an object that has both been created by abandoned attention and by the maintenance that is performed to reverse signs of neglect - the dichotomy between maintenance and deterioration - the inevitable, usual, predictable reaction of one to the other. I cast, build and install objects that fall apart or that deteriorate which in turn I rebuild in a Sisyphean attempt to maintain order.

Douglas Scholes was born in Montreal. During the economic and social changes of the time his family was part of the exodus from the city resulting in a move to Barrie, Ontario. Later he moved his own family to Lethbridge, Alberta, where he completed a bachelor’s degree in Fine Arts at the University of Lethbridge (1999). Leading up to this, he was engaged in various professions including institutional cooking, where he as able to combine his artistic leanings with the pragmatics of mise en place and order, house construction and raising his family. Soon after, he arrived in Montreal and completed his graduate work in studio Fine Arts at Université du Québec à Montréal in 2001 while working at the Galerie de Bellefeuille, again combining pragmatics (art market) and artistic interests. Since receiving his MFA he has been practicing his craft of sculpture and installation performances through presentations and exhibitions in Canada (3e impérial, Granby; Joyce Yahouda Gallery, Montreal; Southern Alberta Art Gallery, Lethbridge; The MacLaren Art Center, Barrie; Darling Foundry, Montreal), United States (Imagination Station, Detroit), France (La Maison Laurentine, Aubepierre-sur-Aube), Ireland (Ulster University), Poland (Academy of Art in both Krakow and Wroclaw). For six months, from March to August 2012, he will be the Canada Council for the Arts artist in residence at SPACE in London, UK. He is a one-fifth member of the artist collective Centre de recherche urbaine de Montréal (CRUM).

Website: http://www.dougscholes.ca

Exposition Giorgia Volpe Exhibition‏

2011-11-07T17:07:00.002-05:00

Giorgia Volpe
Mues et Entrelacs
English follows

EXPOSITION du du 10 nov. au 16 déc. 2011

VERNISSAGE le jeudi 10 novembre à 17h00

Souvent associée aux pratiques relationnelles, la démarche artistique de Giorgia Volpe se caractérise aussi par une recherche plus strictement formelle. Ces deux aspects de la démarche de l’artiste se cristallisant dans un intérêt constant pour la matière, investie pour ses qualités propres et pour son pouvoir symbolique. Les trois séries photographiques exposées dans le cadre de Mues et Entrelacs : Baluchons, Versatiles et Courtepointe empruntent leur sujet à la chair, au textile, à l’environnement. Travaillant par agencements formels, les séries utilisent le collage, le découpage, la superposition, le photomontage d’une pluralité de matières, jusqu’à leur synthèse graphique en une succession de motifs. Centrale dans l’œuvre de Giorgia Volpe, la notion de geste y trouve matière à s’affirmer à la fois dans la production et la manipulation, mais également dans la présentation d’un corps devenu conceptuel dans sa symbiose avec ce, qui l’habille et l’entoure.

Née à São Paulo au Brésil, Giorgia Volpe vit et travaille à Québec depuis 1998. Artiste multidisciplinaire et professeure en arts visuels, elle est titulaire d’un baccalauréat en arts plastiques et enseignement des arts (Université de São Paulo, 1993) et d’une maîtrise en arts visuels (Université Laval, 2001). Elle a fait de nombreuses expositions individuelles et collectives au Brésil, au Canada, aux États-Unis et au Mexique. Au cours des dernières années, elle a conçu plusieurs interventions publiques et a pris part à de nombreuses résidences d’artistes. En 2006, elle a agi à titre de commissaire pour l’événement Habiter, au Centre VU de Québec. Elle a été commissaire de l’exposition Variations et Récupération, Estampe actuelle de Québec présentée à la galerie Gravura Brasileira à São Paulo. Elle a obtenu plusieurs prix et bourses au Brésil et au Canada, du Conseil des arts et lettres du Québec et du Conseil des Arts du Canada. Ses œuvres figurent parmi plusieurs collections d’art contemporain au Brésil et au Canada. En octobre 2011, elle pris part au parcours Résonance lié à la Biennale de Lyon.

http://www.giorgiavolpe.net/

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Giorgia Volpe
Mues et Entrelacs

Exhibition Nov. 10 - December 16, 2011

Opening Thursday, November 10, 5 p.m.

Giorgia Volpe’s artistic work is often associated with relational situations but it is also driven by more strictly formal explorations. These two aspects of the artist’s creativity are crystallized in the ongoing interest in the raw material itself, employed both for the particular qualities it possesses and for its symbolic power. The three photographic series presented as part of Mues et Entrelacs, Patchwork, Bundles and Tractiles, have taken their subjects from the environment, fabric and flesh. In a variety of formal configurations, the series takes numerous different materials and, through the use of collage, cut-ups, superimposition and photo-montage, creates a graphic synthesis of successive motifs. The concept of gesture, which has always been central in Giorgia Volpe’s work, is once again highlighted in the production and manipulation and also in the presentation of the human body as a conceptual entity in symbiosis with all that clothes and surrounds it.

Born in São Paulo, Brazil, Giorgia Volpe has been living and working in Quebec since 1998. Multidisciplinary artist and professor of visual arts, she has a Bachelor`s degree in plastic arts and art education (São Paulo University, 1993) and a Master`s in visual arts (Laval University, 2001). Her work has been featured in several solo and group exhibitions in Brazil, Canada, the United States and Mexico. During the last few years, she has produced several public art interventions and has participated in a number of artistic residencies. In 2006, she curated the Habiter event at the Centre VU in Quebec City. She curated the Variations et Récupération, Estampe actuelle de Québec exhibition presented at the gallery Gravura Brasileira in São Paulo. She has been the recipient of several awards and grants in Brazil and in Canada from the Conseil des arts et lettres du Québec and the Canada Arts Council. Her work is included in several contemporary art collections in Brazil and Canada. She has been invited to participate in the Résonance event, part of the Biennale de Lyon, in October 2011.

http://www.giorgiavolpe.net/

Stéphane Dionne‏

2011-10-31T17:39:00.000-04:00

Stéphane Dionne
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Je crée des œuvres vidéographiques dont les fondements s’appuient sur la relation de l’individu vis-à-vis de lui-même, de l’autre et de son milieu de vie. J’aborde visuellement ce thème à partir d’une réflexion plastique et esthétique basée sur une exploration du mouvement et du temps. Je transpose en images ce qui peut se dégager de cette relation plutôt que de prétendre l’exprimer objectivement. Ainsi, le sujet capturé en vidéo est interprété et traduit de façon subjective. Par la fiction, je construis un regard critique sur ce qui anime l’individu à être en contact avec l’autre et à la fois sur ce qui l’en éloigne.

Cela prend la forme de tableaux vidéographiques: des plans fixes incorporant du mouvement. Je travaille la couleur, l’assemblage, la fragmentation et la manipulation d’images, à l’intérieur desquelles je découpe des individus. Par le travail de montage, mes figurants se voient isolés, extraits de leurs réalités et transposés dans un univers composite de plusieurs individus. Ce processus a pour effet de révéler un espace-temps qui leur semble propre, alors qu’ils évoluent dans l’ignorance des réalités d’autrui.

Lors de mon passage au Centre SAGAMIE, j’explorerai les différentes avenues de l’impression en tentant d’amalgamer cette pratique vidéographique à ma pratique photographique afin de franchir les limites de l’image vidéo lorsque celle-ci est imprimée.

Stéphane Dionne vit et travaille à Montréal. Il détient une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal, son travail vidéographique et photographique a été présenté dans le cadre de différents événements artistiques québécois. Il est le récipiendaire 2010 de la Bourse FSSB. On a pu voir son travail notamment à la Galerie Simon Blais, à la maison de la culture du Plateau Mont-Royal et dans le cadre du projet d’art public Artistique avenue à Québec. http://stephanedionne.blogspot.com/

Stéphane Dionne
Artist in Residence

I create video works, the foundations of which are based upon the individual's relationship with himself, with the other, and with the environment in which he dwells. I address this theme visually from a reflection that is both material and aesthetic, based on an exploration of movement and time. I transpose into images what can emerge from this relationship rather than pretend to express it objectively. Thus, the subject captured through video is interpreted and translated in a subjective manner. By means of fiction, I construct a critical outlook on what it is that drives the individual to be in contact with the other, as well as what keep him at a distance

This takes on the form of videographic tableaus : still images incorporating movement. I work with colour, composition, fragmentation and the manipulation of images, within which I cut out figures. Through editing, my characters find themselves isolated, removed from their own realities and transposed into a composite universe of several individuals. This process has the effect of revealing a time-space context that seems all their own, while they evolve ignoring the realities of others.

During my stay at Centre SAGAMIE, I will explore the various avenues of the printed image while attempting to fuse this video practice to my photographic practice, in order to go beyond the boundaries of the video image when it exists in printed form.

Stéphane Dionne lives and works in Montreal. He holds a Master's degree in Visual and Media Arts from Université du Québec à Montréal. His video and photographic works have been presented in the context of various artistic events in Quebec. He is the recipient of the 2010 FSSB Award. His work has been seen at Galerie Simon Blais, at the Maison de la culture du Plateau Mont-Royal and in the context of the public art project Artistique Avenue in Quebec City. http://stephanedionne.blogspot.com/

Sébastien Pesot‏

2011-10-24T19:37:00.006-04:00

Sébastien Pesot
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Sa démarche artistique a beaucoup évolué ces dernières années et ses derniers projets représentent un jalon important de cette transformation. Ses débuts ont surtout été marqués par une abondante production de monobandes vidéographiques qui furent présentées un peu partout dans le monde. Ses préoccupations se concentraient alors autour de l’exploration de la plasticité de l’image vidéographique, des possibilités de déconstruction et de reconstruction de l’image vidéo, d’un intérêt marqué pour l’abstraction et le formalisme se rapprochant de la peinture, mais aussi d’un certain niveau d’engagement social. C’est à partir d’installations vidéo comme Caméra orchestra et Auto-, mais aussi de certaines expérimentations musicales et performatives, que son travail tend aujourd’hui à sortir du cadre de l’écran. Deux nouvelles approches prirent alors forme à l’intérieur de sa démarche : un intérêt pour le performatif et l’autoreprésentation ainsi que le déploiement de son travail vidéo dans l’espace physique. L’intérêt pour le corps performatif et l’autoreprésentation semblait, et semble encore, une avenue intéressante afin d’effectuer un retour vers la matérialité et la corporéité. Cet intérêt pour la matérialité ne pouvait que s’accompagner du souhait de faire sortir l’image de l’écran, de la réinjecter dans le monde matériel, d’activer certaines relations entre l’image virtuelle et l’environnement physique.

Né à Rimouski (Québec, Canada) en 1971, Sébastien Pesot a obtenu un baccalauréat en histoire de l'art à l'Université de Montréal en 1996, et une maîtrise de l’École des arts visuels de Montréal (UQAM) en 2000. Il vit en ce moment en Estrie et enseigne à l’Université de Sherbrooke. Après plusieurs années à battre le rythme dans divers groupes punk, Pesot a réalisé quelques vidéos expérimentales qui ont été présenté dans une vingtaine de pays, à l’intérieur d’une centaine de festivals et événements, tels la 3e, 4e et 5e Manifestation internationale vidéo et art électronique (Montréal), le FIFA, Festival international du film sur l'art (Montréal), Wro 01 et 03, biennale d’arts médiatiques (Pologne) ou Chroma (Mexique) où il a reçu le prix du public pour la meilleure vidéo. Depuis, il travaille principalement à des installations audio-vidéo tout en investissant le champ de la performance et de l’infographie. Son travail solo à entre autres été présenté à Slash-tmp à Berlin (2010), au Musée d’art contemporain des Laurentides (2010), Le Lieu à Québec (2009) et à la Maison de la culture Côte-des-Neiges à Montréal (2008).

Sébastien Pesot
Artist in Residence

His artistic approach has evolved immensely over the last few years and the present computer graphics project represents a critical stage in this transformation. In his early work, he was mostly concerned with the plasticity of the video graphic image, the possibilities of deconstruction and reconstruction of the video image. His interest lay in an abstraction and formalism similar to that found in painting, together with a certain level of social commitment. His work in video installations and as a musical and performing artist has led him to move beyond the framework of the screen. He began to explore new approaches in his creative work: an interest in performance and self-representation, and the extension of his video creations throughout physical space. This interest in the material and corporal aspects of his work led inevitably to the desire to extract the image from the screen and re-inject it into the material world, thereby initiating certain relationships between the virtual image and the physical environment.

Born in Rimouski (Québec, Canada) in 1971, Sébastien Pesot completed a Bachelor's degree in art history at the Université de Montréal in 1996 and a Master's degree at the École des arts visuels de Montréal (UQAM), in 2000. He presently resides in the Eastern Townships, where he teaches at the Université de Sherbrooke. After a decade as a drummer in various punk rock bands, Pesot produced several experimental videos which have been screened in twenty different countries at festivals and events including the 3rd, 4th and 5th Manifestation internationale vidéo et art électronique (Montreal), FIFA (Montreal), WRO 01 and 03, the Media Arts Biennial (Poland) and Chroma (Mexico), where he was the recipient of the audience award for best video. Since then he has mainly been producing audio-video installations, while continuing to work on performance art and computer graphics. His solo work has been featured at Slash-tmp in Berlin (2010), at the Musée d'art contemporain des Laurentides in St-Jérôme (2010), at Le Lieu in Quebec City (2009) and the Côte-des-Neiges Cultural Center in Montreal (2008), among others.

Exposition de Guy Blackburn à la Galerie d'Art d'Outremont

2011-10-23T09:46:00.002-04:00

Guy Blackburn
TOUCHE

EXPOSITION à la GALERIE D'ART D'OUTREMONT
du 28 octobre au 20 novembre 2011VERNISSAGE
le vendredi 28 octobre 2011 à 17h30

Dans le cadre de l'événement 175 NORD / Rencontres culturelles entre la région du Saguenay-Lac-Saint-Jean et Montréal organisé par Accès culture Montréal et à l’invitation de la Galerie d’art d’Outremont, le Centre SAGAMIE présente le travail installatif de l’artiste Guy Blackburn.

Le Centre SAGAMIE s’est impliqué de façon importante dans le développement et la diffusion de l’œuvre de Blackburn en favorisant l’intégration des outils numériques de création et d’impression au mode installatif de recherche de l’artiste. L’exposition du travail de Guy Blackburn à la Galerie d’art d’Outremont permet donc de présenter autant le travail de l’artiste que celui du Centre SAGAMIE, en proposant un exemple éloquent d’intégration de l’imprimé numérique à une démarche singulière d’art actuel.

Nous avons ainsi invité Guy Blackburn à revisiter les différents éléments de l’installation TOUCHE qu’il a réalisée au Centre SAGAMIE au cours d’une résidence de longue durée (trois mois) grâce au soutien financier du Conseil des arts et des lettres du Québec (CALQ). Ce projet a été présenté pour la première fois au Centre SAGAMIE sous la direction du commissaire Guy Sioui-Durand qui a assisté l’artiste dans le développement de cette expérience d’envergure. Nous avons également édité une publication qui témoigne de cette installation et un lancement a été prévu lors du vernissage de l’exposition à la Galerie d’art d’Outremont.

Au cœur du projet TOUCHE, l’idée d’intégration de l’image numérique dans l’œuvre installative exige de l’artiste une modification de ses stratégies, de ses réflexes et de ses acquis. Bien au-delà de la fonction première de l’image et de sa représentation, celle-ci est imaginée comme matériau et doit participer à la même logique d’utilisation que l’ensemble des objets construisant le corps de cette installation. Blackburn investit l’espace physique et métaphorique de la galerie en puisant à la source et dans la continuité de son iconographie singulière où s’entrechoquent une volonté de toucher l’invisible et l’expérience sensorielle des matériaux. De cet exigeant laboratoire de création a émergé un trajet à risque dans lequel on voit s’affirmer une expérience de déconstruction et de reconstruction du sensoriel et du démesuré.

Guy Blackburn est un artiste majeur au Québec. Bien que l’on puisse parler chez lui de pratique ouverte, l’installation demeure au cœur de son travail. Ses réalisations explorent de façon percutante, voire même troublante, les nouvelles conditions individuelles et sociales issues des récentes pratiques scientifiques.

Né en 1956, Guy Blackburn vit et travaille à Chicoutimi. Depuis le début des années 80, il a participé au Québec, au Canada et à l’étranger (France, Allemagne, Pologne et Chili) à de nombreuses expositions et manifestations d’art. Depuis 1990, Blackburn propose un corpus d’œuvres qui a su intéresser un large public ainsi qu'une médiatisation et une analyse importantes. Pensons seulement aux projets La Cécité, Hommage à Anna, Espace interdit, Quémander l’affection, et à la série de quatre installations au Musée de la guerre froide à Carps en Ontario. Plus récemment au Musée de Rimouski et à la Galerie Séquence de Chicoutimi, il a présenté l’exposition Sans Silence alors que la Biennale nationale de sculpture contemporaine de Trois-Rivières proposait Extrait d’ambiguïté. Sa dernière aventure d’art intitulée TOUCHE est une œuvre majeure produite et diffusée par le Centre SAGAMIE d’Alma.

http://www.galeriedartdoutremont.ca
http://www.accesculture.com

Sylvie Cotton, Lancemement de livre‏

2011-10-23T09:44:00.001-04:00

Sylvie Cotton
Désirer résider, Pratique en résidence1997-2011
Lancement de la publicationéditée par SAGAMIE édition d'art
àLa Galerie L'Œuvre de l'Autre de Chicoutimi
cemercredi 19 octobre à 17 h
La Galerie L'Œuvre de l'Autre
Le centre d'exposition de l'UQAC
555 boul. de l'Université
Chicoutimi G7H 2B1
418-545-5011 poste 4718

Lancement et rencontreavec l'artiste
dans le cadre du finissage(vernissage) qui marque la fin de la résidence de l'artiste, "Toutest une fleur" à La Galerie L'Œuvre del'Autre de l'UQAC.

Sylvie Cotton est une artiste interdisciplinaire vivant à Montréal.Sa recherche inspire les situations que l’existence lui offre pour lesexpirer dans le champ de l’art, éclairant ainsi des échangesavec autrui ou des rencontres avec les phénomènes et leurperception la plus directe possible. Le travail a pour matériauxpremiers la présence, le dévoilement, l’abandon, tandis queles modes et dispositifs choisis relèvent de l’offrande, du foisonnementou de la collection. Ses projets s’inscrivent le plus souvent in situ maisaussi par ce qu’elle nomme in spiritu, c’est-à-dire en union avecl’état d’esprit du moment de la création. Pour les réaliser,elle fait appel à diverses formes artistiques : performance et artaction, dessin, photographie, installation et écriture (aphorismeset schémas). Le séjour en résidence est égalementconçu comme un médium et une pratique à part entière.Elle expérimente en fait ses premiers séjours en résidencecomme des performances, où le format temporel devient un médiumen soi que l’artiste exploite selon cinq axes : « tenter ce qui tente», « déployer l’atelier intérieur », «savoir attendre sans en avoir le temps », « dénoyauterles intentions » et « communier avec l’espace ».

En 2001, elle a réalisé, comme consultante pour le Regroupementdes centres d’artistes autogérés du Québec (RCAAQ),une étude portant sur l’accueil d’artistes en résidence dansles centres. Elle a participé aux conférences internationalesResArtis de 2003 à Helsinki et de 2010 à Montréal.Depuis 2001, en plus d’avoir créé des projets et donnédes conférences au Québec, au Canada et dans d’autres pays(Serbie, Italie, Pologne, Allemagne, Espagne, Estonie, États-Unis,Finlande, Japon), Sylvie Cotton a réalisé deux livres d’artiste,Je préfère tout et On est tous la même personne.

Pour commander, contactez nous : sagamie@cgocable.ca

Sylvie Cotton, Désirer résider, Pratiqueen résidence, 1997-2011
Auteure: Sylvie Cotton, texte intégral en françaiset en anglais
134 pages, photographies couleur, 8X10 po./in., reliureallemande
ISBN: 978-2-923612-31-7 2011
Prix/ Price: 30.00$ + Transport au Canada 8.00 + tps 1.90 + tvq 0.71 = Total: 40.61$
Prix spécial pour le lancement (sur place seulement): 25$

Martin Désilets

2011-10-11T15:28:00.000-04:00

Collapsing Icons (Molinari) - titre de travail / working title

Martin Désilets
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Dans mon travail, divers fragments cohabitent : la photographie d’une marque laissée par autrui dans la ville, le tracé aléatoire d’un pinceau, des formes trouvées ou empruntées, des images et des icônes qui émergent ou se défont, des mots - les miens et ceux des autres. Dans un espace indéfini que je ne saurais réduire à de la représentation, ces gestes, ces traces, ces formes, ces mots et ces pensées trouvent un lieu pour se poser, ou parfois demeurent suspendus. Je n'espère ni ne désespère, je peins, j’assemble, mais pas dans l'indifférence.

Des motifs, des constructions urbaines, des tableaux iconiques associés aux avant-gardes dont les formes ont été découpées, réassemblées et photographiées, des voiles et des pellicules de peinture sur papier ou sur verre; voilà le matériel à partir duquel se développent mes dernières recherches, que j’entends poursuivre lors de cette résidence à Sagamie.

Martin Désilets est titulaire d’une Maîtrise en arts plastiques de l’Université du Québec à Montréal. En février 2012, la Maison des arts de Laval présentera une exposition de son travail, dont le commissariat est assuré par Patrice Loubier. Ses œuvres ont fait l’objet d’une douzaine d’expositions individuelles au Canada et à l’étranger. Il a participé à plus d’une vingtaine d’expositions de groupe, dont Territoires urbains au Musée d’art contemporain de Montréal et aux Oakville Galleries. Plusieurs de ses œuvres se trouvent dans différentes collections privées et publiques, dont la collection permanente du Musée national des beaux-arts du Québec et celle du Musée d’art contemporain de Montréal.

Martin Désilets
Artist in Residence

In my work various fragments coexist : the photograph of a mark left by another in the city, the random path of a paintbrush, forms that are found or borrowed, images and icons that emerge or come apart, words - mine and those of others. In an undefined space that I could not reduce to representation, these gestures, these traces, these forms, these words and thoughts find a safe place to land, or sometimes, remain suspended. I do not hope nor do I despair, I paint, I assemble, but not indifferently.

Patterns, urban constructions, iconic paintings associated with avant-garde movements whose shapes have been cut out, reassembled and photographed, veils and thin overlays of paint on paper or on glass; this is the material that constitutes the basis of my latest research, that which I intend to pursue during this residence at Sagamie.

Martin Désilets holds a Master of Fine Arts degree from the Université du Québec à Montréal. In February 2012, the Maison des arts de Laval will present an exhibition of his work, for which Patrice Loubier is the curator. His works have been presented in a dozen solo exhibitions in Canada and abroad. He has participated in over twenty group exhibitions, including Urban Territories at the Musée d’art contemporain de Montréal and at Oakville Galleries. Several of his works belong to various private and public collections including the permanent collections of the Musée national des beaux-arts du Québec and of the Musée d'art contemporain de Montréal.

Stéphanie Béliveau

2011-09-26T19:58:00.000-04:00

Stéphanie Béliveau
Artiste en résidence/ Artist in Residence
(English follows)

De l’intimité au réel.C’est le titre d’un court essai portant sur mon travail, écrit parJean-Émile Verdier en 2007. Ces quelques mots synthétisentà eux seuls l’essence de ma pratique. Comment exprimer plastiquementl’intensité de l’expérience ressentie au contact du réel?

Après avoir pendant des années,exploré la représentation symbolique pour exprimer les émotionsressenties au contact du réel, je sens aujourd’hui le besoin dechanger de registre de représentation. Je veux déplacer monattention vers le point de contact lui-même, la rencontre, le pointde friction. Où, quand et comment ce phénomène devientconscient ? Je veux démontrer, par des preuves matérielles(objets d’art), l’effectivité de cette rencontre entre l’intimeet le réel.

Cette démarche marque un changementimportant dans mon processus de création. Sachant que toute nouvellepraxis nécessite de nouveaux gestes et de nouveaux outils, je remarqueque pour mes récentes recherches j’ai recours de plus en plus souventaux technologies numériques. Ma résidence à Sagamieva me permettre d’explorer plusieurs possibilités au niveau de l’impressionnumérique, en plus d’expérimenter différentes façonsd’intégrer ces images à mon travail. J’espère revenirà Montréal avec la maîtrise d’un nouveau médiumet l’amorce de nouveaux projets.

Née à Québec, StéphanieBéliveau obtient un baccalauréat à l’UniversitéConcordia en 1991 et une maîtrise en arts visuels à l’Universitédu Québec à Montréal en 1993. Elle remporte en 1997le Prix Pierre-Ayot décerné par l’AGAC et la Ville de Montréal.À ce jour, elle a réalisé une quinzaine d’expositionsindividuelles et a participé à plus de vingt expositionscollectives. Ses œuvres ont été présentéesau Québec, ailleurs au Canada (Toronto, Vancouver) et à l’étranger(Barcelone, Paris et Prague). Maintes fois ses projets ont obtenu le soutiendu Conseil des Arts et des Lettres du Québec, ainsi que du Conseildes Arts du Canada. Elle a créé en 2008 une œuvre importantedans le cadre du Programme d’Intégration des Arts à l’Architecture,pour le nouveau Pavillon Bellini de l’université McGill. Ses œuvresfont partie de nombreuses collections publiques et d’entreprises. Mentionnonsla collection du Musée des Beaux-Arts de Montréal, du Muséenational des Beaux-Arts du Québec, de la collection Prêt d’œuvred’art de ce même Musée, ainsi que les collections de la BanqueNationale du Canada, de Power Corporation et du Trust Généraldu Canada. Le travail de Stéphanie Béliveau est représentépar la Galerie Simon Blais, à Montréal.

Stéphanie Béliveau

Artist in Residence

From the realm of the private to reality.That was the title of a short essay written about my work by Jean-ÉmileVerdier in 2007. Just a few words, but they sum up the essence of my artisticpractice. How can an intensely felt, direct experience of reality be givenplastic expression?

After having explored symbolic representationof the feelings attendant on such direct experience for many years, I’mnow pushing further the range of my process. I want to shift my attentionto the actual encounter with reality, the point of contention itself. Where,when and how does this become a conscious phenomenon? I want to show, throughtangible evidence (art objects), what the encounter between the privateand the real brings about.

Such an approach marks a major change inmy creative process. Knowing that any new praxis also necessitates newactions and new tools, I have noticed that in my most recent investigationsI have used digital technologies increasingly frequently. My residenceat the Sagamie Centre will enable me to explore several possibilities interms of digital printing, in addition to experimenting with various waysof incorporating such images into my work. I hope to return to Montréalwith a command of a new medium and a number of new projects underway.

Born in Québec City, StéphanieBéliveau obtained a bachelor’s degree in Fine Arts from ConcordiaUniversity in 1991 and a master’s in the same field in 1993. She was therecipient of the Contemporary Art Galleries Association (AGAC) and Cityof Montréal’s Pierre-Ayot Award for young artists in 1997. To date,her work has been shown in fifteen solo and over twenty group exhibitionsin Québec, elsewhere in Canada (Toronto, Vancouver) and abroad (Barcelona,Paris and Prague). Her projects have received support on numerous occasionsfrom both the Conseil des arts et des lettres du Québec and theCanada Council for the Arts. In 2008 she created a major work for McGillUniversity’s new Bellini Pavilion as part of Québec’s Integrationof Art and Architecture Program. Works by Stéphanie Béliveauare found in many public and corporate collections, including those ofthe Montreal Museum of Fine Arts, the Musée national des beaux-artsdu Québec (as well as that same museum’s Prêt d’œuvres d’artcollection), the National Bank of Canada, Power Corporation and NationalBank Trust. Stéphanie Béliveau is represented by Montréal’sGalerie Simon Blais.

Yves Médam

2011-09-21T20:39:00.002-04:00

Yves Médam
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Mes compositions donnent à voir un temps et un espace élastiques. J‘agence des fragments d’images de façon arbitraire par une série de collages, coupages, transparences, répétitions, distorsions et superposition de multiples surfaces. Je souhaite faire en sorte que ce qui est fluide, passager, transitoire, se cristallise soudain en une forme et donne à voir l’unité figée de ces multiples mouvements. Cela nous parle à la fois de fragmentations et de totalités, de mouvements et de fixité, d’indéterminations et de contraintes et c’est l’ensemble des perspectives concernant un certain lieu qui est remis en question. Il y a dans cette démarche une référence volontaire au cinéma. Plusieurs histoires se tissent les unes par-dessus les autres. Il s'agit d'un temps multiple lu à plusieurs niveaux de perception. Comme si dans une seule image se déroulaient diverses actions en surimpression.

Né en France Yves Médam arrive au Canada dans les années 80 pour y faire ses études. Il décroche un diplôme en Arts Visuels de l’université de Montréal avec un majeur en Études Cinématographiques et un mineur en Arts Plastiques. Quelques années plus tard il se spécialise en photographie. Ses créations artistiques se sont développées en parallèle à une carrière de photographe professionnel. C’est à partir de 2003, qu’il remporte différents prix pour ses créations dont celui du concours de Photographie Lux remporté à quatre reprises et le Applied Arts Photography & Illustration Award, édition 2006-2008-2010-2011. En 2007, il est reçu en résidence au Centre SAGAMIE où il y imprime un corpus d’œuvres qui deviendra "Durée d’une métamorphose (passages)". Cette première exposition solo, présentée à la Maison de la Culture Côte-des-Neiges puis à l'hôtel W fut très vite remarquée par la critique et par une clientèle de collectionneurs avertis. On retrouve ses œuvres dans plusieurs collections corporatives, notamment celles du Cirque du Soleil, du Colart Collection, de la Fédération des Caisses Desjardins, de celle de Loto Québec et de RBC-Dexia à Toronto.

Yves Médam aborde l'image photographique à la manière d'un peintre. Il compose des "fictions numériques" faites d'images fragmentées évoquant le cubisme. Depuis quelques années il travaille à la représentation d'espaces urbains en reconstituant des scènes de vie captées dans les grandes villes. Il travaille à la fois sur l'apparence des sites, leurs physionomies changeantes ainsi que sur les relations et interactions qui s'opèrent et se jouent entre les gens et les lieux.
Yves Médam est représenté en permanence par la Galerie Dominique Bouffard à Montréal.

http://www.yvesmedam.net

Yves Médam
Artist in Residence

My compositions offer a vision of elastic time and space. I arrange fragments of images in an arbitrary fashion through a series of collages, cut-ups, transparencies, repetitions, distortions and superimpositions of multiple surfaces. I am attempting to take that which is fluid, transient and fleeting and crystallize it by giving it form, allowing it to reveal the transfixed unity of its multiple movements. This conjures up ideas of fragmentation and totality, movement and stasis, indetermination and constraint, and all the possible perspectives of a specific place are thrown into question. This approach contains a voluntary reference to filmmaking. Various stories are interwoven, one atop the other. Multiple time-frames are grasped at different levels of perception. As though in one image a variety of things, superimposed on one another, were taking place.

Born in France, Yves Médam came to Canada in the 80s to pursue his studies. He obtained a degree in visual arts from the Université de Montréal with a major in film studies and a minor in plastic arts. A few years later, he began to specialize in photography. His artistic creations developed alongside a career as a professional photographer. Beginning in 2003, he began to garner awards for his creative work and was a four-time winner of the Photographie Lux competition and recipient of the Applied Arts Photography & Illustration Award in 2006, 2008, 2010 and 2011. In 2007, he was invited to undertake an artistic residency at the Centre SAGAMIE where he printed a collection of works which finally developed into "Durée d’une métamorphose (passages)". This first solo exhibition, presented at the Côte-des-Neiges Cultural Center and at the W Hotel, was well received by critics and knowledgeable collectors. His work is featured in several corporate collections, including the Cirque du Soleil, the Colart Collection of the Fédération des Caisses Desjardins, Loto Québec and RBC-Dexia in Toronto.

Yves Médam’s approach to photography is similar to that of a painter. He composes “digital fictions” made up of fragmented images reminiscent of cubism. For the last few years, he has been working on the representation of urban spaces by reconstituting scenes of life taken from the major cities. He deals at once with the appearance of the sites, their fluctuating features and the relationships and interactions between people and places. Yves Médam is represented by the Galerie Dominique Bouffard in Montreal.

http://www.yvesmedam.net

Exposition Martin Beauregard Exhibition‏

2011-09-12T21:02:00.000-04:00

Martin Beauregard
Drive End
English follows

EXPOSITION du 15 septembre au 21 octobre 2011
VERNISSAGE
le jeudi 15 septembre 2011 à 17h00

La série de photographies Drive End rassemble des éléments issus de la culture western, du road movie et du film catastrophe. La manipulation numérique construit une ruine qui fusionne un ciné-parc à l’abandon, un cimetière de voitures et un cowboy d’un âge vénérable. Il résulte de cet assemblage une sorte de musée imaginaire de la fin du cinéma, de la voiture, et des rêves qui les accompagnent. Le héros est représenté devant un écran géant, dans un monde similaire au nôtre marqué par l’épreuve du temps et de la mort. L’œuvre participe à une réécriture des mythes et des grands récits de l’Amérique où la frontière, le Nouveau Monde et l’utopie du progrès ne sont jamais bien loin.

MARTIN BEAUREGARD est née à Ville-Marie, au Canada, en 1978. Actuellement, il vit et travail à Montréal. Il a reçu le Diplôme national supérieur d’expression plastique de l’École des Beaux-arts de Bordeaux en France. Il poursuit des études de doctorat à l’Université du Québec à Montréal (Montréal, Canada), au programme Études et pratiques des arts, ainsi qu’à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne (Paris, France), au programme Arts plastiques et sciences de l’art. Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions, notamment au Musée des beaux-arts de Montréal (Montréal, Canada), à Location One (New York, États-Unis), au Capc Musée d’art contemporain de Bordeaux (Bordeaux, France) et à l’Asahi Art Square (Tokyo, Japon).

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Martin Beauregard
Drive End

Exhibition September 15 - October 21, 2011
Opening
Thursday, September 15, 5 p.m.

In the photographic series Drive End various elements taken from the spirit of the far west, road movies and disaster films are fused together. Through the digital manipulation of images of an abandoned drive-in theater, a wrecking yard and a venerable old cowboy, a scene of vast ruination is created. The assemblage of disparate components acts as a sort of imaginary museum of the decline of cinema and the automobile and of all the dreams they spawned. The hero is positioned in front of a giant screen, in a world somewhat like our own, scarred by the ravages of time and death. The work is part of a new interpretation of the myths and imposing narratives of America in which the frontier, the New World and the utopian promises of progress are never very far.

MARTIN BEAUREGARD was born in Ville-Marie, Canada, in 1978. He presently resides and works in Montreal. He attended the École des Beaux-arts de Bordeaux, France, where he obtained a National Graduate Diploma of Plastic Expression. He is currently completing a doctoral degree in art theory and practice at the Université du Québec à Montréal (Montreal, Canada) and in plastic arts and art sciences at the Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne (Paris, France). His work has appeared in numerous exhibitions including at the Montreal Museum of Fine Arts (Montreal, Canada), Location One (New York, U.S.A.), the CAPC, Bordeaux Museum of Contemporary Art (Bordeaux, France) and the Asahi Art Square (Tokyo, Japan).

Matthieu Brouillard - Donigan Cumming

2011-09-06T20:34:00.002-04:00

Gauche: Matthieu Brouillard, Séjour, de la série Les Cadavres Anticipés, 2005
Droite: Donigan Cumming, 22 Juillet 1985, 1985
Left: Matthieu Brouillard, Sojourn, from the series The Anticipated Cadavers, 2005
Right: Donigan Cumming, July 22, 1985, 1985

Matthieu Brouillard - Donigan Cumming
Artistes en résidence / Artists in Residence
(English follows)

Durant cette résidence, Matthieu Brouillard et Donigan Cumming travailleront conjointement sur les images destinées à l’exposition itinérante en duo de leurs travaux respectifs qui sera lancée à la Galerie FOFA de l’Université Concordia, à Montréal, en mars 2012. Cette exposition aura pour visée d’explorer les courants communs qui traversent les travaux de ces deux artistes, et la manière dont des impulsions similaires sont traduites sur les plans formel, émotionnel et conceptuel par les moyens de la photographie. Tout en faisant ressortir une communauté d’intérêts et une affinité de sensibilité entre deux photographes de générations différentes, l’exposition, qui sera accompagnée d’un catalogue comprenant des essais critiques, se voudra également l’occasion de présenter et d’analyser des vues inusitées et radicales au sein de débats qui ont façonné la pratique de la photographie contemporaine.

Donigan Cumming est un artiste visuel qui utilise la photographie, la vidéo, la peinture, le dessin, le son et le texte au sein de livres et d’installations multimédias qui ont été largement diffusés en Europe, aux Etats-Unis et au Canada. Son travail fait partie des collections du Musée National des Beaux-Arts du Québec ; du Musée d’Art Moderne de New York ; du Musée Canadien de la Photographie Contemporaine (Galerie Nationale du Canada), Ottawa ; de la Maison Européenne de la Photographie à Paris ; du Musée de L’Élysée, Lausanne ; du Musée d’Art Contemporain de Los Angeles ; et de divers musées nationaux en Belgique, en Grande-Bretagne, au Canada, au Danemark, en France, en Allemagne, en Espagne, en Suisse et aux Etats-Unis. Des musées, des galeries et des festivals de film et de vidéo à travers le monde ont présenté des expositions solo et des études critiques de son travail. Ses livres d’artiste incluent The Stage (1991), Pretty Ribbons (1996), Gimlet Eye (2001), Lying Quiet (2004), La Somme, le Sommeil, le Cauchemar (2006), Kincora (2008) et Crayons, Cendres, Allumettes et Poussières (2009). Splitting the Choir: The Moving Images of Donigan Cumming (2011), édité par Scott Birdwise, est la dernière collection d’écrits portant sur son travail.
Site web: http://www.donigancumming.com

Matthieu Brouillard est né à Montréal en 1976. Il a étudié les arts visuels et médiatiques à l’UQÀM, sous la direction de David Tomas. Son travail, principalement en photographie, a été exposé et publié au Canada (Toronto, Québec, Montréal, Alma) et à l’étranger (Suisse, Italie, Allemagne, France, Etats-Unis). Narragonie, un livre comprenant une sélection de ses images et écrits sur la photographie, a été publié en 2007, avec un avant-propos du romancier québécois Gaétan Soucy (La Petite fille qui aimait trop les allumettes). Ses images font partie de collections privées et publiques au Canada, en Allemagne et en Suisse. Son travail a reçu maintes fois le soutien du Conseil des Arts du Canada, du Conseil des Arts et des Lettres du Québec et du FQRSC (Fonds Québécois de Recherche Société et Culture). Il a en outre collaboré avec des metteurs en scène de théâtre et pris part à un projet qui visait à mettre en relation architecture, littérature et vidéo (Les Archi-Fictions, 2006). À l’automne 2010, il a été chargé d’enseignement au département d’histoire de l’art de l’Université de Zürich, en Suisse, où il a conduit un séminaire qu’il a intitulé La Photographie et la crise du sujet dans la pensée française du 20ème siècle. À partir du printemps 2012, il sera chercheur invité dans un groupe de recherche en esthétique à Karlsruhe (Allemagne) dirigé, entre autres intellectuels de haut niveau, par le philosophe Peter Sloterdijk (Critique de la raison cynique). Matthieu Brouillard partage son temps entre Montréal, Berne (Suisse) et le village d’Ardez, dans les Alpes suisses.
Site web : http://www.matthieubrouillard.com

Matthieu Brouillard - Donigan Cumming
Artists in Residence

During this residence, Matthieu Brouillard and Donigan Cumming will work jointly on the printing of the images for the touring two-person exhibition of their respective works that will be launched at Concordia University’s FOFA Gallery, in Montreal, in March 2012. The aim of this exhibition is to explore the common currents running through the works of these two artists, and the manner in which similar impulses have been worked out on formal, emotional and conceptual levels with photography. Showing a community of interests as well as an affinity of sensibility between two photographers from different generations, the exhibition, accompanied by a catalogue containing critical essays, will also offer the occasion to present and analyze unusual and radical responses to debates that have shaped the practice of contemporary photography.

Donigan Cumming is a visual artist who uses photography, video, painting, drawing, sound, and text in bookworks and multi-media installations that have been widely exhibited in Europe, the United States, and Canada. His work is held by the Musée National des Beaux-Arts du Québec; the Museum of Modern Art, New York; the Canadian Museum of Contemporary Photography (National Gallery of Canada), Ottawa; the Maison Européenne de la Photographie, Paris; the Musée de L'Élysée, Lausanne; the Museum of Contemporary Art, Los Angeles; and by national museums in Belgium, Great-Britain, Canada, Denmark, France, Germany, Spain, Switzerland, and the United States. Museums, galleries, as well as film and video festivals worldwide have presented solo exhibitions and surveys of his work. His artist’s books include The Stage (1991), Pretty Ribbons (1996), Gimlet Eye (2001), Lying Quiet (2004), La Somme, le Sommeil, le Cauchemar (2006), Kincora (2008), and Pencils, Ashes, Matches & Dust (2009). Splitting the Choir: The Moving Images of Donigan Cumming (2011), edited by Scott Birdwise, is the latest collection of writings about his work.
Website: http://www.donigancumming.com

Matthieu Brouillard was born in Montreal in 1976. He studied visual and media arts at UQÀM under David Tomas. His work, primarily in photography, has been exhibited and published in Canada (Toronto, Quebec, Montreal, Alma) and abroad (Switzerland, Italy, Germany, France, the United States). Narragonie, a book of his images and writings on photography, was published in 2007, with a foreword by Québécois novelist Gaétan Soucy (The Little girl who was too fond of matches). His images are held in private and public collections in Canada, Germany and Switzerland. His work has received support many times from the Canada Council for the Arts, the Conseil des Arts et des Lettres du Québec, and the FQRSC (Fonds Québécois de Recherche Société et Culture). He has also collaborated with theatre directors and worked on a project that combined video, literature and architecture (Les Archi-Fictions, 2006). In the fall of 2010 he was lecturer in the Art History department at the University of Zürich, in Switzerland, conducting a seminar that he entitled Photography and the crisis of the subject in 20th-Century French thought. Starting in spring 2012 he will be an invited researcher in a research group in aesthetics in Karlsruhe (Germany) directed, among other leading intellectuals, by the philosopher Peter Sloterdijk (Critique of cynical reason). Matthieu Brouillard divides his time between Montreal, Bern (Switzerland), and the village of Ardez, in the Swiss Alps.
Website: http://www.matthieubrouillard.com

Matthieu Brouillard

2011-08-30T15:57:00.004-04:00

Détail de Sans titre (Soldat tombant 7), 2011, de la série La Résurrection
Detail from Untitled (Falling soldier 7), 2011, from the series The Resurrection

Matthieu Brouillard
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Au cours de cette résidence, Matthieu Brouillard travaillera sur les images qui composeront son exposition La Résurrection/Les Enfants de la symétrie brisée, présentée au Centre OBORO de Montréal du 17 septembre au 22 octobre prochains (http://www.oboro.net).

Cette exposition d’envergure, qui comportera dix-huit photographies de grand format, rassemblera les deux premiers volets d’une trilogie, commencée en 2008, se proposant comme une méditation sur notre incarnation dans le monde et notre rapport à la représentation en cette ère hébétée dite de " la fin des grands récits ". La première des séries photographiques, La Résurrection, se présente comme un dialogue avec le panneau de la résurrection du retable d’Issenheim (1512-16) de Matthias Grünewald. La seconde série, Les Enfants de la Symétrie Brisée, met quant à elle en scène des naissances difficiles dans l’environnement hostile d’une étrange structure aux limites de la désintégration.

Matthieu Brouillard travaillera également au livre Darkness Implacable, publié par SAGAMIE édition d'art, qui contiendra une sélection de ses images depuis 2003, un essai de l’auteur James D. Campbell et un entretien en profondeur entre le photographe américain Russell Joslin et Matthieu Brouillard. Le lancement du livre aura lieu le soir du vernissage chez OBORO, le 17 septembre à partir de 17h.

Matthieu Brouillard est né à Montréal en 1976. Il a étudié les arts visuels et médiatiques à l’UQÀM, sous la direction de David Tomas. Son travail, principalement en photographie, a été exposé et publié au Canada (Toronto, Québec, Montréal, Alma) et à l’étranger (Suisse, Italie, Allemagne, France, Etats-Unis). Narragonie, un livre comprenant une sélection de ses images et écrits sur la photographie, a été publié en 2007, avec un avant-propos du romancier québécois Gaétan Soucy (La Petite fille qui aimait trop les allumettes). Ses images font partie de collections privées et publiques au Canada, en Allemagne et en Suisse. Son travail a reçu maintes fois le soutien du Conseil des Arts du Canada, du Conseil des Arts et des Lettres du Québec et du FQRSC (Fonds Québécois de Recherche Société et Culture).

Il a en outre collaboré avec des metteurs en scène de théâtre et pris part à un projet qui visait à mettre en relation architecture, littérature et vidéo (Les Archi-Fictions, 2006). À l’automne 2010, il a été chargé d’enseignement au département d’histoire de l’art de l’Université de Zürich, en Suisse, où il a conduit un séminaire qu’il a intitulé La Photographie et la crise du sujet dans la pensée française du 20ème siècle. À partir du printemps 2012, il sera chercheur invité dans un groupe de recherche en esthétique à Karlsruhe (Allemagne) dirigé, entre autres intellectuels de haut niveau, par le philosophe Peter Sloterdijk (Critique de la raison cynique).

Matthieu Brouillard partage son temps entre Montréal, Berne (Suisse) et le village d’Ardez, dans les Alpes suisses.
Site web : http://www.matthieubrouillard.com

Matthieu Brouillard
Artist in Residence

During this residence, Matthieu Brouillard will work on the images that will make up his exhibition The Resurrection/Children of broken symmetry, to be presented at OBORO in Montreal from the 17th of September to the 22nd of October (http://www.oboro.net).

This major exhibition, which will include eighteen large-format photographs, will bring together the first two series in a trilogy begun in 2008, offering a meditation on our embodiment in the world and our relationship to representation in this bewildered era, sometimes called “the end of grand narratives." The first of these photographic series, The Resurrection, presents itself as a dialogue with Matthias Grünewald's resurrection panel from the Issenheim altarpiece (1512-16). The second series, Children of broken symmetry, portrays difficult births in the hostile environment of an enigmatic structure that is on the edge of disintegration.

Matthieu Brouillard will also work on his monograph Darkness Implacable, to be published by SAGAMIE édition d'art. This book will contain a selection of his images since 2003, along with an essay by the writer James D. Campbell and an in-depth interview between the American photographer Russell Joslin and Matthieu Brouillard. The monograph will be launched along with Brouillard’s exhibition at OBORO on Saturday September 17th at 5 P.M.

Matthieu Brouillard was born in Montreal in 1976. He studied visual and media arts at UQÀM under David Tomas. His work, primarily in photography, has been exhibited and published in Canada (Toronto, Quebec, Montreal, Alma) and abroad (Switzerland, Italy, Germany, France, the United States). Narragonie, a book of his images and writings on photography, was published in 2007, with a foreword by Québécois novelist Gaétan Soucy (The Little girl who was too fond of matches). His images are held in private and public collections in Canada, Germany and Switzerland. His work has received support many times from the Canada Council for the Arts, the Conseil des Arts et des Lettres du Québec, and the FQRSC (Fonds Québécois de Recherche Société et Culture).

He has also collaborated with theatre directors and worked on a project that combined video, literature and architecture (Les Archi-Fictions, 2006). In the fall of 2010 he was lecturer in the Art History department at the University of Zürich, in Switzerland, conducting a seminar that he entitled Photography and the crisis of the subject in 20th-Century French thought. Starting in spring 2012 he will be an invited researcher in a research group in aesthetics in Karlsruhe (Germany) directed, among other leading intellectuals, by the philosopher Peter Sloterdijk (Critique of cynical reason).

Matthieu Brouillard divides his time between Montreal, Bern (Switzerland), and the village of Ardez, in the Swiss Alps.
http://www.matthieubrouillard.com

David Lafrance

2011-08-23T20:53:00.003-04:00

David Lafrance
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

L’art de David Lafrance se définit comme une suite de paysages aux compositions organisées de façon instinctive et brutale. Malgré l’accumulation de marques abstraites, il est possible de situer le sol, une ligne d’horizon et parfois le ciel. Ces mises en scène évoquent des jardins, des lieux de rassemblement et des bâtiments aux références des plus hétéroclites. L’oeuvre supporte une ambiance euphorisante et inquiétante qui dirigera le spectateur afin de mieux comprendre la nature des sujets : idolâtre, dépressif ou superficiel. Le style fait référence à l’art populaire et intègre d’une façon tout à fait assimilée les défauts de perspectives, d’échelles et de proportions. Les palais et les constructions instinctives et improbables côtoient des blocs rigides nous référant aux constructions contemporaines. Le rustique cohabite avec l’émancipation de la richesse et du mauvais goût. Dernièrement David Lafrance s’intéresse au rapport de culpabilité relié à la fête. Le regret d’être "lendemain de veille". La volonté de se pendre en main... jusqu’à la prochaine occasion. En résidence au Centre SAGAMIE, il explorera l’idée et le thème du bar : les amis, l’ivresse et le rituel.

David Lafrance est né en 1976 au Québec. Il est diplômé en l’an 2001 de l’Université Concordia à Montréal en peinture et dessin. Il y reçoit le prix Guido Molinari pour ces performances académiques. Depuis ces dernières années, ce peintre, aussi graveur, et sculpteur à fait plusieurs exposition au Québec, au Canada et au E-U. Il est récipiendaire de bourses du conseil des arts et lettre du Québec. On peut retrouver ces œuvres dans les collections de la Bibliothèque Nationale du Québec, "prêt d’œuvre" du Musée du Québec, Cirque du soleil et Lotto Québec. Inspiré par le folklore et l’art populaire, sa peinture se consacre aussi à la caricature solennelle et romantique des modèles de bonheur et de force. En complément à son œuvre picturale, sa pratique artistique évolue aussi par la musique expérimentale et bruitiste. David Lafrance vit et travaille à Montréal.

David Lafrance
Artist in Residence

The art of David Lafrance takes the form of a series of landscapes composed in a manner which is both instinctive and brutal. Despite the assemblage of abstract markings, it is still possible to make out the ground, the line of the horizon and, at times, the sky. These compositions evoke images of gardens, gathering places and structures imbued with wide-ranging references. The mood created by these works is exhilarating and off-setting, leading the spectator to a deeper understanding of the nature of the subjects: idolatrous, depressing or superficial. The style is a throwback to popular art and manages to seamlessly integrate flaws in perspective, scale and proportion. Palaces and improbable structures conceived intuitively butt up against rigid bunkers reminiscent of contemporary architecture. A homespun feeling coexists with the emancipation of wealth and questionable taste. Of late, David Lafrance has been exploring the notion of guilt as a by-product of festive enjoyment. The repentance attendant on the “hangover”. The decision to get oneself back into shape... until the next time. As artist in residence at the Centre SAGAMIE, he will be exploring the idea and theme of the bar: the friends, the intoxication and the ritual.

David Lafrance was born near Montreal, Quebec, in 1976. He’s a graduate from Concordia University a major in painting and drawing. He receives the Guido Molinari Prize for academic achievement. His recent work in painting, drawing and sculpture is shown in Canada and the United-States. His references are found in folk art, modern painting and contemporary fashion. After winning two Quebec art council grant, his painting focus on the nature and the chase of pleasure in our modern society. David Lafrance also performs music with turntables and electronic devices into different groups.

Jonathan Plante

2011-08-11T08:50:00.004-04:00

Jonathan Plante
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)
Mon travail s’articule autour de la matérialité de l’image et des dynamiques formelles entre la photographie, la sculpture, l’animation et le dessin, qui ont fait jusqu’à maintenant partie intégrante de ma pratique artistique. La forme occupe une place prédominante dans le mouvement de fuite qui révèle l’instabilité de l’œuvre.

Je m'intéresse plus particulièrement aux notions indissociables de visibilité, d'expérience et de présence. Par visibilité, j'entends une recherche entourant le seuil d’apparition de l’image; l'expérience est liée directement au vécu subjectif qui contribue à la formation d'un discours sur ce qui m'entoure; et la présence évoque la construction d'objets théoriques qui font appel à la citation et à l'intertextualité afin de rendre visible le « déjà là ».

À travers une pratique multidisciplinaire, j’explore les différents états de l’image dans le passage entre l’œuvre et sa documentation. L’utilisation de la séquence, de la répétition et de la simultanéité renvoie au début de l’image cinétique, un moment charnière dans la formulation de notre regard contemporain. Par ce procédé, je pose une réflexion sur le temps de l’image et j'explore la différence entre le passage dans le temps et le temps d’un passage. Je cherche ainsi à placer le spectateur devant l’écart qui à la fois nous relie au réel et nous en sépare.

J’aime penser la représentation en tant qu'objet, sans pour autant être dans la critique de la représentation. L’œuvre naît et continue de vivre comme une cicatrice toujours prête à s’ouvrir, toujours décidée à nous offrir, par un effacement du temps réel, la promesse de l’éternité.

Jonathan Plante est né en 1976. Il vit et travaille à Montréal, où il a obtenu un baccalauréat en études interdisciplinaires de l’Université Concordia. Il œuvre principalement dans le champ de l’installation multidisciplinaire et étudie la question de la présence par l’exploration des différents états de l’image dans le passage entre l’œuvre et sa documentation. En 2005, il se rend à Amsterdam pour une résidence de deux ans à l'école d'art De Ateliers où il travaille auprès de Marlène Dumas et de Fiona Tan. Au cours de son séjour aux pays-Bas, il présente des expositions individuelles et collectives, et il s'illustre sur la scène montréalaise lors de la première Triennale québécoise organisée par le Musée d’art contemporain de Montréal, en 2008. Il présente en 2010 les expositions Palindrome au Musée d’art contemporain des Laurentides et Parallaxe à la Galerie Division en 2011. Impliqué dans le milieu des arts, Jonathan Plante est technicien à OBORO, il fait partie du comité artistique consultatif de la galerie Vox et est membre actif du centre d’artistes Articule. Ses oeuvres font partie de collections privées et publiques, dont celle du Musée d’art contemporain de Montréal. Il est représenté par la Galerie Division.

http://www.galeriedivision.com

Jonathan Plante
Artist in Residence
My work revolves around the materiality of image and the formal dynamics between photography, sculpture, animation and drawing, all of which being, up to now, integral parts of my artistic practice. Form is at the forefront of the runaway movement which reveals the work’s instability.

I am particularly interested in the notions of visibility, experience and presence. By the term visibility, I mean the research surrounding the threshold of the image; experience I directly link to the subjective real-life occurrences which help form my discourse on the world around me; and presence conjures up the construction of theoretical objects which call upon quotations and the intertextuality which allow the materialization of the “already there”.

Through a multidisciplinary practice, I explore the various stages of image during its transition between the documentation and the final work. The use of sequences, repetition and simultaneity send us back to the early days of the kinetic image – the cinema – a turning point in the forming of our contemporary outlook. Through this process, I reflect on the time of the image and explore the differences between the passage in time and the time of a passage. This allows me to place the spectator in the middle of the gap connecting us while simultaneously separating us from reality.

I like to imagine the representation as an object, without delving into a critique of the representation. The work is born and lives on like a scar constantly on the brink of opening up, always intent on offering us, by the obliteration of real-time, the promise of eternity.
Jonathan Plante was born in 1976. He lives and works in Montreal where he earned a Bachelor’s degree in Interdisplinary Studies from Concordia University. His work mainly revolves around multidisciplinary installations and he explores the question of presence through the various transitory stages of image as it travels from documentation to the completed work. In 2005, he went to Amsterdam for a two-year residency at the De Ateliers art school where he worked with Marlène Dumas and Fiona Tan. During his stay in the Netherlands, he presented solo and group exhibitions, and made a name for himself in 2008 on the Montreal art scene at the first edition of the Quebec Triennial exhibition hosted by the Musée d’art contemporain de Montréal. In 2010-2011, his works are featured in two exhibitions: Palindrome at the Musée d’art contemporain des Laurentides and Parallaxe at Galerie Division. Greatly involved in the artistic community, Jonathan Plante is a technician at OBORO, a member of the Galerie Vox artistic consulting comity and a hands-on contributor to the activities of the Articule artist center. His works are part of many private and public collections, including the Montreal Museum of Contemporary Arts. He is represented by Galerie Division.

http://www.galeriedivision.com

Ed Pien

2011-06-14T14:51:00.003-04:00

Ed Pien
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Mon travail explore la curiosité, l'étonnement et l'émerveillement tout en célébrant diverses façons d’être au monde. Mes recherches actuelles puisent aux discours théoriques et conceptuels portant sur les fantômes et les hantises, demeurant ouvertes à la multiplicité des sens possibles qui en découlent. Ces préoccupations se distillent à l’intérieur de mes travaux récents sous la forme de concepts et d’une gestuelle de la trace; de mouvement, de lumière et d’ombre. En continuité avec mes oeuvres antérieures, mon art se veut un hommage au tangible et à l’intangible, au réel et à l’imaginaire, ainsi qu’au potentiel de transformation.

Ed Pien détient un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Western Ontario (UWO) ainsi qu’une maîtrise en beaux-arts de l’Université York. Il a exposé dans de nombreux contextes, dont le Drawing Centre, New York; la Biennale de Montréal; le Centro Nacional de las Artes, Mexico; l’Institut Goethe, Berlin; le Bizart, Shanghai; et le Musée des beaux-arts du Canada. Son travail fait partie de nombreuses collection publiques et privées dont celle du Musée des beaux-arts de Montréal, du Musée d'art contemporain de Montreal, de la Art Gallery of Ontario et du Musée des beaux-arts du Canada. Il enseigne à temps partiel au département d’Études visuelles de l’Université de Toronto.

Ed Pien
Artist in Residence

Through my work I explore curiosity, wonder, and enchantment, while celebrating diverse ways of being in the world. My current research draws from conceptual and theoretical discourses of ghosts and hauntings and the many possible meanings they engender. In my most recent works, these interests are being distilled into concepts and gestures of the trace as well as movement, light, and shadows. Consistent with my previous works, my art celebrates the tangible and intangible, the real and the imagined, as well as the potentiality of transformation.

Ed Pien received his BFA from UWO and MFA from York University. Among his extensive exhibition history Pien has exhibited at the Drawing Centre, New York; La Biennale de Montreal; Centro Nacional de las Artes, Mexico City; The Goethe Institute, Berlin; Bizart, Shanghai; and the National Art Gallery of Canada. His work is included in numerous public and private collections, including the Fine Arts Museum in Montreal, Musée d'art contemporain de Montreal, the Art Gallery of Ontario, and the National Art Gallery of Canada. Pien teaches part-time in the Visual Studies Department at the University of Toronto.

Bertrand Carrière, Ground level

2011-06-13T17:22:00.002-04:00

Bertrand Carrière, Ground level
Auteur: Philippe Baylaucq
Lancement de la publication éditée par le Centre SAGAMIE

à la Galerie SÉQUENCE de Chicoutimi
le jeudi 16 juin 2011 à 17h
132, Racine Est, Chicoutimi

L'exposition Le Capteur de Bertrand Carrière (Commissaire: Mona Hakim) se poursuivra jusqu'au 14 août 2011 à la Galerie Séquence.

Les recherches photographiques de Bertrand Carrière se déploient en séries autour de la mémoire et de l'Histoire. Explorant la réalité pour son potentiel de fiction et ses résonances autobiographiques, ses images tentent de donner une parole aux choses muettes, aux lieux qui disparaissent. Son travail photographique est caractérisé par la disponibilité du regard, et une recherche de l’intime. Il s'intéresse aux paysages vastes et intimes. Il est récipiendaire de plusieurs bourses du Conseil des arts du Canada et du Conseil des arts et des lettres du Québec. Son travail a été exposé au Québec, au Canada et en Europe. En 2005, il reçoit le Prix de la création en région du Conseil des arts et des lettres du Québec pour la Montérégie. Il a publié 5 livres aux éditions les 400 coups, Témoin de l’ombre : photographies de tournage en 1995, Voyage à Domicile en 1997, Signes de jour en 2002, Hivers en 2003 et Dieppe : paysages et installations en 2006. En 2011 paraît Lieux Mêmes aux éditions L'Instant même et Ground Level publié par le Centre SAGAMIE. Il enseigne la photographie au cégep André Laurendeau, à Montréal. Né en 1957 à Ottawa, il vit et travaille à Longueuil au Québec. Les œuvres de Bertrand Carrière sont représentées à Montréal par la Galerie Simon Blais, à Toronto par la Stephen Bulger Gallery et sont distribuées par l'agence Vu à Paris. Son travail est présent dans de nombreuses collections publiques et privées .

Pour commander / To order:
sagamie@cgocable.ca
Bertrand Carrière, Ground Level
Auteur: Philippe Baylaucq
72 pages, photos n/b, texte intégral en français et en anglais, 8 X 10 po.
72 pages, b/w photograph, full text in French and English, 8 X 10 in.
978-2-923612-13-3 2009
Prix/ Price: 20.00$ + Transport au Canada 3.00 + tps 1.15 + tvq 0.24 = Total: $24.39

Bertrand Carrière
Bertrand Carrière's photographic work takes the form of various series dealing with memory and History. Through an exploration of reality in search of its fictional potential and autobiographical resonances, his images attempt to give disappearing locales and mute objects a voice. His photographic work is characterised by an availability of perception and an exploration of intimacy. His interest lies in broad and intimate landscapes. He has received several grants from the Canada Council for the Arts and the Conseil des arts et des lettres du Québec. He has published five books: Témoin de l’ombre : photographies de tournage (1995), Voyage à Domicile (1997), Signes de jour (2002), Hivers (2003) and Dieppe : paysages et installations (2006), all with the Éditions les 400 Coups. In 2011, Lieux Mêmes and Ground Level will appear, published respectively by the Éditions L'Instant and the Centre SAGAMIE. He teaches photography at the Cégep André Laurendeau in Montreal. Born in Ottawa in 1957, he lives and works in Longueuil, Quebec. The works of Bertrand Carrière are represented in Montreal by the Simon Blais Gallery, in Toronto by the Stephen Bulger Gallery and are distributed by the Vu agency in Paris. His work appears in numerous private and public collections.

Celia Perrin Sidarous

2011-06-07T16:35:00.001-04:00

Celia Perrin Sidarous
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Le Livre des Choses
Ma pratique photographique témoigne d’un vif intérêt pour l’existence matérielle -comme dans matière- pour le vivant comme pour l'objet, pour l'être humain en relation avec son environnement. Par une approche privilégiant l'observation et la description, les images adressent la résonance de gestes, d’objets, de lieux, ou de paysages, ainsi que leur force symbolique en tant que véhicules de sens. Mes intentions consistent à établir des relations entre les éléments partiels qui composent mon travail, tout en créant un dialogue entre ces images-fragments; une recherche formelle avouée demeure au coeur de la démarche et sous-tend les idées explorées. Résolument lyriques, les œuvres définissent une vision spécifique du réel, c’est-à-dire postérieure à la ré-organisation d’un langage pictural interne.

Un collage, un assemblage, des groupements. Les images du Livre des Choses sont reliées entre elles par une évocation des réalités habitées de la présence de l’homme, codifiées, ou fortes de par son absence.

L’objet, la trace, le geste : placer, regarder, choisir, cadrer. Une intervention, une manifestation physique : les images sont gestes, traces de manœuvres. Une logique matérialiste et une culture de l'objet. L'information que contiennent les images n'est jamais complètement divulguée; là se trouverait la beauté d'un ensemble qui pourrait, à tout moment, être recomposé.

L'exposition Le Livre des Choses sera présentée à Québec du 9 septembre au 9 octobre 2011, à VU, centre de diffusion et de production de la photographie.

Celia Perrin Sidarous détient un baccalauréat en beaux-arts, majeure en photographie de l’Université Concordia. Ses images ont été présentées à Montréal, à Toronto et en Hongrie, et ont été publiées dans des périodiques au Canada à l’étranger, notamment en Australie, en Chine et en Italie. En 2010-2011, elle est artiste en résidence à Toronto, à Banff et à Koli (Finlande). Elle est récipiendaire d'une bourse de la relève du Conseil des arts et des lettres du Québec. Elle vit et travaille à Montréal.

Celia Perrin Sidarous
Artist in Residence

The Book of Things
My approach to photography is a testimonial to my keen interest in material existence - material as in matter - in living organisms as well as objects, in human beings and their relationship to their environment. By placing the focus on observation and description, the images address the resonance of gestures, objects, places or landscapes together with their symbolic potential as vehicles of meaning. My intention is to establish relationships between the partial elements which compose my work while creating a dialogue between these fragments. An avowed formal experimentation is at work at the heart of this approach, underpinning the ideas at hand. Resolutely lyrical, the works define a specific vision of the real, following the re-organisation of an internal pictorial language.

Collage, assemblage, clusters. The images in The Book of Things are bound together through the evocation of realities inhabited by a certain presence, while codified or strengthened through absence.

The object, the trace, the gesture; to situate, to observe, to choose, to frame. An implication, a physical manifestation: images are gestures, traces of manoeuvres. A material logic and a culture of the object. The information contained within the images is never totally divulged; herein lies the beauty of a totality which may, at any moment, be reconfigured.

The Book of Things exhibition will be presented in Quebec City, from September 9 to October 9, 2011, at VU, centre de diffusion et de production de la photographie.

Celia Perrin Sidarous holds a Bachelor’s degree of Fine Arts, Major in Photoghraphy, from Concordia University. Her images have been presented in Montreal, Toronto and Hungary and have been published in periodicals in Canada and abroad, notably in Australia, China and Italy. In 2010-2011, she was an artist in residence in Toronto, in Banff and in Koli (Finland). She has received funding from the Conseil des arts et des lettres du Québec. She lives and works in Montreal.

Bertrand Carrière

2011-05-31T21:00:00.002-04:00

Bertrand Carrière
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Le Capteur
Depuis 2006, je travaille à la construction du projet Le Capteur, un journal photographique en plusieurs volumes, où se côtoient et s’entrechoquent les différents aspects de ma production. Éliminant les barrières thématiques habituelles entre les différents pans de mes travaux, ce journal visuel crée une collection de balises visuelles, forçant des rencontres iconographiques, événementielles ou temporelles improbables.

En utilisant des motifs et des signes récurrents, je construis un territoire mental où l’ordinaire côtoie l’insolite. L’essentiel de ma démarche repose sur ce que le présent me propose, en tout moment et en tout lieu. J’utilise la structure du journal pour renouer avec le travail photo-biographique et en utilisant l’essence de ces notes photographiques pour créer une carte géo-photographique.

Les recherches photographiques de Bertrand Carrière se déploient en séries autour de la mémoire et de l’Histoire. Explorant la réalité pour son potentiel de fiction et ses résonances autobiographiques, ses images tentent de donner une parole aux choses muettes, aux lieux qui disparaissent. Son travail photographique est caractérisé par la disponibilité du regard, et une recherche de l’intime. Il s'intéresse aux paysages vastes et intimes. Il est récipiendaire de plusieurs bourses du Conseil des arts du Canada et du Conseil des arts et des lettres du Québec. Son travail a été exposé au Québec, au Canada et en Europe. En 2005, il reçoit le Prix de la création en région du Conseil des arts et des lettres du Québec pour la Montérégie. Il a publié 5 livres aux éditions les 400 coups, Témoin de l’ombre : photographies de tournage en 1995, Voyage à Domicile en 1997, Signes de jour en 2002, Hivers en 2003 et Dieppe : paysages et installations en 2006. En 2011 paraît Lieux Mêmes aux éditions L’Instant même et Ground Level publié par le Centre SAGAMIE. Il enseigne la photographie au cégep André Laurendeau, à Montréal. Né en 1957 à Ottawa, il vit et travaille à Longueuil au Québec.

Les œuvres de Bertrand Carrière sont représentées à Montréal par la Galerie Simon Blais, à Toronto par la Stephen Bulger Gallery et sont distribuées par l’agence Vu à Paris. Son travail est présent dans de nombreuses collections publiques et privées .

http://www.bertrandcarriere.com

Bertrand Carrière
Artist in Residence

Le Capteur
Since 2006, I have been working on the Le Capteur project, a photographic journal in several volumes in which the different facets of my creative work are aligned together and permitted to clash. Foregoing the usual thematic boundaries that delineate my different works, this visual journal creates a collection of visual beacons which forcefully elicit improbable iconographic, factual or temporal encounters.

Through the use of recurring motifs and signs, I construct a mental terrain in which the workaday meets the uncommon. The essential component of my creative work is taken from what the present moment offers me, everywhere, all the time. I have borrowed the structure of a personal journal in order to return to photo-biographical work and use the essence of these photographic notes to create a geo-photographic map.

Bertrand Carrière's photographic work takes the form of various series dealing with memory and History. Through an exploration of reality in search of its fictional potential and autobiographical resonances, his images attempt to give disappearing locales and mute objects a voice. His photographic work is characterised by an availability of perception and an exploration of intimacy. His interest lies in broad and intimate landscapes. He has received several grants from the Canada Council for the Arts and the Conseil des arts et des lettres du Québec. He has published five books: Témoin de l’ombre : photographies de tournage (1995), Voyage à Domicile (1997), Signes de jour (2002), Hivers (2003) and Dieppe : paysages et installations (2006), all with the Éditions les 400 Coups. In 2011, Lieux Mêmes and Ground Level will appear, published respectively by the Éditions L'Instant and the Centre SAGAMIE. He teaches photography at the Cégep André Laurendeau in Montreal. Born in Ottawa in 1957, he lives and works in Longueuil, Quebec.

The works of Bertrand Carrière are represented in Montreal by the Simon Blais Gallery, in Toronto by the Stephen Bulger Gallery and are distributed by the Vu agency in Paris. His work appears in numerous private and public collections.

http://www.bertrandcarriere.com

Anne Marie Michaud

2011-05-25T18:49:00.000-04:00

Anne Marie Michaud
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Vivre mon corps... c’est la prémisse se retrouvant au cœur de ma pratique artistique. Mon œuvre parle de mon corps de façons différentes et complémentaires : par des dessins que j’accomplis à répétition, j’essaie de révéler la mouvance de mon propre corps et par les objets que je représente, je renvoie inexorablement à ce corps. Dessiner à répétition est devenu pour moi un véritable rituel dans ma création.

Toutes les réalités de mon corps d’artiste me sont indicibles, inatteignables. Le corps n’est-il pas qu’une enveloppe passagère et inessentielle ou renferme-t-il en lui un germe d’éternité? L’ultime pérennité du corps ne se réaliserait-elle que dans l’œuvre, que dans la marque qu’il laisse? En essayant de révéler la mouvance de mon propre corps dans mes marques dessinées, je tente de faire surgir les vérités qui échappent à ma conscience afin d’arriver à vivre mon corps entièrement.

Détentrice d’une maîtrise en arts visuels de l’Université Laval (2008) ainsi que d’un baccalauréat en Beaux Arts de l’Université Concordia (2006), Anne Marie Michaud articule sa pratique autour des notions de corporéité, à travers le dessin, la peinture et la vidéo. Son travail a été présenté en Islande, en France, en Alberta ainsi qu’au Québec.

Anne Marie Michaud
Artist in Residence

Living my body... that is the premise at the heart of my artistic work. My creations speak of my body in different and complementary ways: through the repetition of drawings, I attempt to unveil the movement of my own body and through the objects I represent, I refer inexorably back to this body. Repetitive drawing has become a veritable ritual for me in my creative work.

All the realities contained in my body as an artist remain, for me, inexpressible and unattainable. Is the body simply an ephemeral and inessential envelope or does it contain within itself a seed of eternity? Is the abiding endurance of the body to be found only in creative work, only in the mark it leaves behind? In the attempt to reveal the movement of my own body through the mark made by my own drawings, I want to allow the truths which are beyond the reach of my consciousness to burst forth, in order that I may fully live my body.
Brief biography

Anne Marie Michaud completed a Master’s degree in visual arts at Laval University (2008) and a Bachelor’s degree of fine arts at Concordia University (2006). Her work is centered around the notion of corporeity, expressed through drawing, painting and video. Her work has been presented in Iceland, France, Alberta and Quebec.

Frédéric Lavoie

2011-05-19T15:50:00.002-04:00

Frédéric Lavoie
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Frédéric Lavoie réalise des installations vidéo, des documents sonores et parfois des objets. Ses œuvres cherchent à générer une narration à partir d'éléments a priori banals. Ces dernières années, il prend pour matériaux des éléments documentaires et les assemble afin de produire des récits, des portraits de groupe ou des analyses thématiques. Ses recherches gravitent essentiellement autour des enjeux liés à l’écoute et à l’observation. Son séjour au Centre SAGAMIE lui permettra de développer l’œuvre intitulée 146 secondes d’écoute active avec John. Il s’agit d’un découpage plan par plan de la séquence initiale du film Blow Out (Brian De Palma, 1981). Dans cette séquence, le protagoniste assiste à un accident alors qu’il écoute et enregistre les sons ambiants en qualité de preneur de sons.

Frédéric Lavoie vit et travaille à Montréal. Il détient une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal ainsi qu'un baccalauréat en anthropologie de l'Université de Montréal. Son travail a été présenté en galerie et lors de plusieurs manifestations vidéo internationales. En juin 2011, il présentera ses plus récentes œuvres dans la salle Norman-McLaren de la Cinémathèque québécoise en collaboration avec la galerie Dazibao et le centre d’arts médiatiques Prim.
http://www.fredericlavoie.net

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Frédéric Lavoie
Artist in Residence

Frédéric Lavoie creates video installations, acoustic documents and, at times, objects. Through his work he attempts to generate a narrative based on elements that are seemingly fundamentally banal. During these last years, he has been using documentary elements as raw material, reassembling them to create stories, group portraits or thematic analyses. His research is primarily concerned with issues that arise from the acts of observation and listening. His stay at the Centre SAGAMIE will provide him with the opportunity to complete a work entitled 146 secondes d’écoute active avec John. It consists of a shot by shot cut-up of the opening sequence in the 1981 Brian De Palma film Blow Out. In this sequence, the protagonist witnesses an accident while he is listening to and recording background noise as part of his job as a sound man.

Frédéric Lavoie lives and works in Montreal. He has a master’s degree in visual and media arts from the Université du Québec à Montréal and a bachelor’s degree in anthropology from the Université de Montréal. His work has been presented in galleries and at international video festivals. In June 2011, he will present his most recent works in the Norman McLaren Hall at the Cinémathèque québécoise in collaboration with the Dazibao Gallery and the PRIM media arts center.
http://www.fredericlavoie.net

Corine Lemieux

2011-05-18T17:50:00.002-04:00

Corine Lemieux
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

La mécanique photographique métaphorise tout aussi bien notre mécanique intérieure, nos moments d’ouverture et de fermeture, l’intensité de notre sensibilité. Elle me permet ainsi d’aiguiser deux pratiques qui m’apparaissent fondamentales : étudier la subtilité des interactions humaines et prendre conscience ce qui est déjà là, disponible autour de moi, et que souvent je ne vois pas. C’est donc sans aucune mise en scène que je photographie. Il me semble que la prise de vue - et le point de vue, la perspective qu’elle évoque - suffit à indiquer qu’une photo n’est pas une impression objective du monde, mais une interprétation subjective, une construction de la réalité dans laquelle sont mis en relation l’esprit du photographe et la matière suivant des causes et des conditions infinies. La prise de vue implique également que quelque chose est à prendre, c’est pourquoi j’ai choisi de composer strictement avec ce qui est là, avec les situations telles qu’elles se présentent à moi lors de rencontres ou d’activités de la vie courante. Cette pratique exige moins de préparer la scène extérieure que de cultiver à l’intérieur de soi une très grande qualité de présence et d’attention, d’où l’importance que j’accorde à la méditation et au ralentissement.

L’ensemble des oeuvres qui seront réalisées lors de cette résidence au Centre SAGAMIE fera l’objet d’une exposition individuelle présentée en septembre 2011 dans le cadre du Mois de la Photo à Montréal.

Corine Lemieux est née en 1973. Elle vit et travaille à Montréal où elle a obtenu un baccalauréat en arts plastiques de l'Université du Québec à Montréal. Elle œuvre principalement dans le champ de l’installation photographique et sculpturale. Elle étudie la subtilité des rapports entre l’esprit et l’environnement intérieur et cherche à développer la conscience. Elle a récemment publié un livre, en cours de route édité par le Centre SAGAMIE. Son travail a été présenté en solo par plusieurs centres d’artistes au Québec : au Centre des arts actuels Skol (1998), au Centre d’art et de diffusion Clark (1999) et au centre Optica (2003) à Montréal, à L’œil de Poisson à Québec (1999), à L’espace virtuel à Chicoutimi (2001), à la Galerie 101 à Ottawa (2002), ainsi qu’à la Galerie Joyce Yahouda à Montréal (2006, 2010). Elle a été invitée à prendre part à des expositions collectives telles que Americas Remixed à Milan, Italie (2002), et Détournements, qui a sillonné l’île de Montréal (2003-2004). Lemieux a également participé à plusieurs expositions-événements ayant la notion de collaboration pour enjeu, notamment Le salon de l’agglomérat (Clark 1999) et 1 Espace à 9 (Galerie Joyce Yahouda 2003); elle est une étroite collaboratrice du projet participatif Darboral de Massimo Guerrera. Parallèlement à sa pratique individuelle, Corine Lemieux a formé, de 2004 à 2009, le collectif VIA avec les artistes Sylvie Cotton et Massimo Guerrera; ensemble, ils ont entre autres participé au Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul (2007) et à l’État d’urgence organisé par l’ATSA (2008). Elle est représentée par la Galerie Joyce Yahouda à Montréal.
http://www.joyceyahoudagallery.com

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Corine Lemieux
Artist in Residence

The mechanics of photography and film is just as effective a metaphor for our own inner workings, the moments we open and close, our own degrees of sensitivity. It allows me to hone two practices that appear to me fundamental: studying the subtlety of interactions and becoming aware of what is already there, what is available around me, what I often don’t see. This is why I photograph without props. It seems to me that the shot, and the viewpoint or perspective it evokes, is sufficient indication that a photo is not an objective impression of the world, but rather a subjective interpretation, a construction of reality in which matter and the photographer’s mind relate according to infinite causes and conditions. The shot also implies that something is there to be taken, which is why I choose to make do solely with what already exists, with situations as they occur in daily encounters or activities. To the preparation of outer scenes, I prefer the cultivation of inner presence and attention, from which flows my interest in meditation and deceleration.

The works that will be realized during the residency at Centre SAGAMIE will be presented in a solo exhibition in September 2011 as part of Mois de la Photo in Montreal.

CORINE LEMIEUX was born in 1973. She lives and works in Montréal, where she earned a BFA from Université du Québec à Montréal (UQAM). Her work, mainly photographic and sculptural installation, tends toward notions of transformation, interaction and exchange. She has shown at several artist-run centres in Québec, including Centre des arts actuels Skol (1998), Centre d’art et de diffusion Clark (1999) and Optica (2003), all in Montréal, and at L’Œil de Poisson in Québec City (1999), L’espace virtuel in Chicoutimi (2001), Gallery 101 in Ottawa (2002) and Galerie Joyce Yahouda in Montréal (2006, 2010). She has taken part in group exhibitions such as Americas Remixed in Milan, Italy (2002) and Détournements, which toured the island of Montréal (2003-2004). Lemieux has also participated in several collaborative events, such as Le salon de l’agglomérat (Clark, 1999) and 1 Espace à 9 (Galerie Joyce Yahouda, 2003). She collaborated closely with Massimo Guerrera in his participative project Darboral and with him and artist Sylvie Cotton formed the collective VIA from 2004 to 2009. VIA participated in events that included the International Symposium of Contemporary Art in Baie-Saint-Paul (2007) and L’État d’urgence, organized by ATSA-Action Terroriste Socialement Acceptable (2008). Corine Lemieux is represented by Galerie Joyce Yahouda in Montréal.
http://www.joyceyahoudagallery.com

Jeane Fabb

2011-05-13T13:11:00.001-04:00

Jeane Fabb
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Jeane Fabb : The earth in my bones / La terre dans mes os

Ma pratique artistique comprend des expéditions art/nature, des actions et des installations in situ, la photographie et la vidéo. Ce travail explore des problématiques environnementales ainsi qu’une réflexion/action holistique mettant en perspective le point de vue des femmes sur notre interconnexion avec le monde naturel.

La terre dans mes os aborde le lien avec la terre tel que vécu par 29 femmes de la région où j’habite dans les Laurentides, au nord de Montréal. Afin d’entreprendre les recherches préliminaires du projet, j’ai obtenu la collaboration d’organisations de femmes et de groupes environnementaux de la région. Ces collaborateurs ont recommandé et ont contacté des participantes en ayant soin de viser une diversité d’âges (25-81), de types d’interaction avec le monde naturel (politique, écologique, spirituel, intime...) et d’ancrages géographiques du nord au sud des Laurentides. Chaque femme a été photographiée et interviewée dans l’environnement de son choix – une place dans ce territoire qui trouve une résonance profonde dans sa vie. Le résultat révèle un lien d’intimité et de familiarité avec l’environnement naturel, un attachement sensuel et émotionnel à un lieu, une relation viscérale aux plantes et aux écologies, une attention à la présence vitale s’exprimant entre le « pittoresque » et les « ressources naturelles », ainsi qu’un souci porté à la juxtaposition des notions de « progrès » et de survie.

Bio : Jeane Fabb a réalisé des installations et des actions in situ sur des sites naturels en région éloignée en Amérique du Nord, en Amérique du Sud et en Europe. Il s’agit pour elle de créer des liens d’intimité avec ces lieux ainsi qu’avec leurs dimensions physiques, culturelles, sociales et métaphoriques. Sous forme d’installations, de photographies et de vidéos, les travaux inspirés de cette expérience ont été présentés à travers le pays ainsi qu’à l’international. L’artiste habite dans la région rurale des Laurentides au Québec. Elle est cofondatrice de Boréal Art/Nature, un centre dédié à l’exploration des liens entre la nature et la culture par le moyen d’expériences immersives dans des environnements naturels choisis pour l’intérêt qu’ils représentent d’un point de vue biologique, géographique et historique.

http://www.jeanefabb.ca

* L’artiste remercie les organismes suivants de leur soutien :
CRELA (Conseil régional de l’environnement des Laurentides)
RFL (Réseau des femmes des Laurentides)
Centre Signée Femme (Centre de femmes)
Le Fonds des Laurentides pour les arts et les lettres : CALQ, Conférence régionale des élus des Laurentides, Forum Jeunesse des Laurentides, Conseil de la culture des Laurentides

Image :

Christelle: in a humid area in Nominingue / dans un milieu humide à Nominingue
Tiré du projet : La terre dans mes os / The earth in my bones

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Jeane Fabb
Artist in Residence

Jeane Fabb : The earth in my bones / La terre dans mes os

My art practice involves art/nature expeditions, site-specific actions and installations, photography and video. This work explores environmental issues and holistic thinking/action with a particular focus on women’s perspectives on our interconnection with the natural world.

My present project, The Earth in my Bones, investigates relationship to land as experienced by 29 women in the rural region where I live, the Laurentians north of Montréal. To carry out the initial research for the project, environmental and women’s organisations* in the region collaborated by suggesting and contacting participants, with the aim of including a variety of ages (25 – 81), diverse forms of interaction with the natural world (political, ecological, spiritual, intimate ...) and a geographical range from South to North in the Laurentians. Each woman was photographed and interviewed in the environment of her choice – a place in this territory that holds deep resonance in her life. The outcome reveals intimacy and familiarity with the natural environment, sensual and emotional ties to place, a profound relationship with plants and ecologies, an awareness of the vital presence lying beneath ‘’scenery’’ and ‘’natural resources’’, and concerns about the juxtaposition between ‘’progress’’ and survival.

Bio: In remote natural sites in North America, South America and Europe, Jeane Fabb has realised site-specific installations and actions as a means of connecting intimately with place and with the physical, cultural, social and metaphoric context of the site. Works inspired from this experience have been exhibited nationally and internationally as installations, photography and video. She lives in the Laurentians of rural Québec and is a co-founding member of Boreal Art/Nature, a centre dedicated to exploring the ties between culture and nature through immersion experiences in natural environments selected for their biological, geographical and historical significance.

http://www.jeanefabb.ca

*For their support of this project, the artist thanks:
CRELA (Conseil régional de l’environnement des Laurentides)
RFL (Réseau des femmes des Laurentides)
Centre Signée Femme (centre de femmes)
Fonds des Laurentides pour les arts et les lettres : CALQ, Conférence régionale des élus des Laurentides, Forum Jeunesse des Laurentides, Conseil de la Culture des Laurentides

image description :

Christelle: in a humid area in Nominingue / dans un milieu humide à Nominingue
From the project: La terre dans mes os / The earth in my bones

Gabriel Coutu-Dumont

2011-05-02T21:45:00.002-04:00

Gabriel Coutu-Dumont
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Gabriel Coutu-Dumont (né à Montréal en 1978) travaille comme artiste pluridisciplinaire sous son propre nom et au sein des collectifs RACAM, nAnalog et Silent Partners qu’il a cofondés. Il a collaboré avec de nombreux compositeurs de musique électronique, en particulier avec Marc Leclair (aka Akufen) avec qui il a créé le projet 5 mm, une transposition live de l’album Musique pour 3 femmes enceintes de Leclair.

Photographe de formation, Coutu-Dumont multiplie les projets d’installation, de photographie, de dessin entre Montréal, New York, le Mexique, la Chine et l’Europe. En 2005, avec le trio d’arts numériques RACAM, Coutu-Dumont présente Facette à la Galerie Clark (Montréal, 2005). Il se produit également à plusieurs événements internationaux, notamment au à Mutek, à Ars electronica au festival La Bâtie, SRTP, FIL et Transmediale.

Au cours des dernières années, Coutu-Dumont se consacre majoritairement à la création vidéo, à la performance en direct et à la conception vidéoscénographique d’événements audio visuels. L’univers numérique lui permet de faire la synthèse de sa pratique de plasticien et le pousse à développer un langage hybride où se mélangent tradition et technologie.

La production récente de Coutu-Dumont comprend la vidéoscénographie pour deux opéras, un calendrier chargé de concerts en live sur la scène internationale de musique électronique, ainsi que plusieurs projets de photographie.

Depuis 2007, Coutu-Dumont utilise la photographie en tant qu’objet, comme matière première pour des installations. Ses projets actuels de photographie comprennent Sketches of Synchronicity présenté à la galerie Clark en 2010, LP présenté à la galerie WIR de Berlin en 2010 et Living in Different World (qui sera présenté à la galerie Donald Browne à Montréal en juin 2011). À la suite d'une résidence au CCA de Glasgow à l'été 2010 il prépare un livre de portraits intitulé The Way of the Willows qui verra le jour à l'automne 2011.

La composition musicale prend graduellement de l'importance dans la pratique artistique de Coutu-Dumont. Depuis 2008, il développe un projet audiovisuel avec son frère et collaborateur Guillaume Coutu-Dumont, qui sera bientôt présenté sous le nom de Muséum.

http://gabrielcoutudumont.com

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Gabriel Coutu-Dumont
Artist in Residence

Gabriel Coutu Dumont (b. 1978, Montreal) is a multidisciplinary artist creating projects both under his own name and as co-founder of the collectives RACAM, nAnalog and Silent Partners. He has collaborated with a wide variety of electronic music producers, including Marc Leclair (aka Akufen) with whom he created the project 5mm, a live performance of Leclair’s acclaimed album Musique Pour 3 Femmes Enceintes.

A trained photographer, Coutu-Dumont produces multimedia installations, photography, drawing and graphic arts projects while travelling between Montreal, New York, Mexico, China and Europe. In 2005, with the digital arts trio RACAM, Coutu-Dumont presented Facettes at the Clark Gallery (Montreal, 2005). He has also performed at international cultural events, most notably Digifest, MUTEK, Ars Electronica, FIL, La Bâtie and Transmediale. In recent years Coutu-Dumont has focused on video creation, live performance, and video scenography for sound-art events. Digital developments enabled a synthesized visual arts practice in which he has developed a hybrid language, a syntax composed from the overlap between traditional disciplines and new technologies.

Coutu-Dumont’s recent work has included video-design for two operas and a busy schedule of live shows on the international electronic music scene across various genres as well as ongoing photography projects.

Since 2007, Coutu-Dumont has been using photography as an object, as raw material for an installative approach. Current photographic projects include Sketches of Synchronicity, now touring in Canada, LP presented at WIR Gallery in Berlin in 2010 and Living in Different Worlds which will be presented at Donald Browne gallery in June 2011. Following a residency at the Glasgow CCA, Coutu-Dumont is preparing a book entitled The Way of the Willows, scheduled for fall 2011.

Music composing and production is also quietly growing within Coutu-Dumont's practice. Since 2008 he has been developing an audio-visual project with his brother and collaborator Guillaume Coutu-Dumont that will soon debut under the name Muséum.

http://gabrielcoutudumont.com

Exposition du Centre SAGAMIE à l'Université de Sherbrooke‏

2011-04-27T19:22:00.002-04:00

Exposition de groupe produite par le Centre SAGAMIE présentant les oeuvres de
Catherine Bodmer, Sylvain Bouthillette, Sophie Jodoin, Pascal Dufaux, Matthieu Brouillard, Martin Beauregard
IMAGE: Catherine Bodmer, La bande de Moebius II (Velodrome), 2009, Dyptique, impression au jet d’encre

à la Galerie d’art du Centre culturel de l’Université de Sherbrooke
Pavillon Irénée-Pinard, 2500, blv. de l'Université, Sherbrooke, 819.821.1000, Galerie@USherbrooke.ca
Tous les jours de 12h à 17h et les soirs de spectacle au Centre culturel de 18h à 22h, entrée libre

le jeudi 5 mai 2011 à 17h00
VERNISSAGE
et lancement de la publication
SAGAMIE, L'Imprimé numérique en art contemporain
éditée par les Éditions d'Art le Sabord

EXPOSITION du 5 mai au 5 juin 2011

Visite commentée de l'exposition en compagnie de Nicholas Pitre, directeur du Centre SAGAMIE, le jeudi 5 mai à 16h30
Présentation des autres publications du Centre SAGAMIE

Le 79e Congrès de l’ACFAS (Association francophone pour le savoir) se déroule à Sherbrooke, cette année. Ce congrès permet aux chercheurs de présenter le résultat de leurs recherches et les avancées dans chaque domaine scientifique. Dans ce contexte, Mme Suzanne Pressé, coordonnatrice des expositions et de l’animation à la Galerie d’art du Centre culturel de l’Université de Sherbrooke, a invité le Centre SAGAMIE à préparer une exposition sur l’intégration des technologies numériques au processus créateur des artistes.

Cette exposition de groupe en art actuel présente donc le travail de six artistes du champ des arts visuels, dont la pratique gravite autour du photographique et de la picturalité. Ils utilisent, à divers degrés, les outils numériques de transformation et d’impression des images pour matérialiser les mondes imaginaires qui les habitent. Que ce soit Sylvain Bouthillette et Sophie Jodoin qui intègrent la peinture ou le dessin au travail de l’image à l’ordinateur et à l’imprimé numérique; Martin Beauregard, Matthieu Brouillard et Catherine Bodmer qui manipulent subtilement l’image numérique; ou encore Pascal Dufaux qui cherche à nous présenter, en un seul regard, une vue à 360 degrés du corps humain.

Avec son programme de résidence d’artistes et l’expertise de ses assistants de création, le Centre SAGAMIE a secondé ces artistes dans le développement de leurs projets et a ainsi favorisé l’intégration des outils numériques à leurs processus de recherche. À raison de 40 artistes en résidence par année, en provenance de toutes les régions du Québec, du reste du Canada et de l’étranger, le Centre SAGAMIE a ainsi accueilli plus de 500 créateurs au fil des ans.

Fondé en 1981 par Jean Laliberté comme centre de recherche et de création en arts d’impression (sérigraphie, gravure, lithographie), le Centre SAGAMIE d’Alma au Lac-Saint-Jean a été le premier centre d’artistes au Canada à offrir aux créateurs les technologies d’impression numérique grand format au jet d’encre. Depuis quatre ans, avec l’avènement des nouvelles technologies d’impression de livres à la demande, le Centre SAGAMIE s’est engagé dans l’édition de livres d’art qui sont également présentés dans cette exposition.

La publication SAGAMIE, L’Imprimé numérique en art contemporain qui a inspiré cette exposition et qui sera lancée lors du vernissage de cette exposition propose un parcours visuel à travers une sélection d’oeuvres numériques de 50 artistes ayant réalisé une résidence au Centre SAGAMIE. L’ouvrage de 200 pages présente ensuite une anthologie de textes théoriques de 11 auteurs reconnus dans le domaine de la recherche et du développement des nouvelles technologies (Hervé Fischer, Louise Poissant, Sylvain Campeau, Michaël La Chance, etc.). Les essais des auteurs questionnent les différentes implications des outils numériques de production sur la création en art actuel et sur la diffusion des oeuvres. Cette publication d’envergure trace donc un bilan des centaines d’artistes en résidence ayant contribués à la recherche numérique au cours des dix dernières années au Centre SAGAMIE, tout en approfondissant la réflexion théorique sur ce médium artistique en pleine émergence et s’insérant à tous les niveaux
dans le travail des artistes. Ce livre de référence fera donc avancer sensiblement la compréhension de l’art numérique auprès d’un vaste public.

Cette publication est rendue possible grâce au soutien financier du CALQ et du CAC.

Pour commander / to order :

SAGAMIE, L’Imprimé numérique en art contemporain
Les Éditions d’art Le Sabord
11 auteurs et 51 artistes
198 pages, couleur, textes en français seulement, 8.5 X 8.5 po.
198 pages, colour, texts in French only, 8.5 X 8.5 in.
ISBN: 978-2-922685-52-7 (ISBN du Sabord) 2007
Prix/ Price: 24.95$ + Transport au Canada 10.00 + tps 1.75 + tvq 0.89 = Total: 37.59$

16ième CHRONIQUE NUMÉRIQUE

2011-04-27T19:17:00.001-04:00

Actuellement en kiosque

16e CHRONIQUE NUMÉRIQUE

à lire dans le magazine Art Le Sabord numéro 88

Cette chronique de Barbara Garant intitulée Parole donnée, présente le travail de trois artistes ayant réalisé une résidence de création au Centre SAGAMIE

Fred Laforge, Gabriel Coutu-Dumont et Martin Beauregard

Les CHRONIQUES NUMÉRIQUES sont issues d’une collaboration étroite entre le Centre SAGAMIE et les Éditions d’art Le SABORD. Ainsi, à chaque numéro du magazine Art Le SABORD, un auteur est invité à présenter le travail de trois artistes ayant réalisé une résidence de création au Centre SAGAMIE. Ce partenariat de publication permet la diffusion et la documentation de l’art actuel tout en favorisant sa compréhension auprès d’un vaste lectorat.

Situé à Alma au Lac-Saint-Jean, SAGAMIE est un centre de recherche, de création et de production ouvert à l’ensemble des artistes dont le champ de pratique est lié aux enjeux de l’image contemporaine. SAGAMIE est particulièrement reconnu pour son expertise d’accueil d’artistes en résidence de création/production, ses activités d’édition et de diffusion. Le centre se spécialise dans le traitement numérique de l’image et l’impression numérique grand format dans un contexte de recherche en art actuel.

Grâce au soutien du Conseil des arts et des lettres du Québec, du Conseil des arts du Canada et de la Ville d’Alma, le Centre SAGAMIE offre l’un des plus importants programmes d’artistes en résidence au Canada en accueillant annuellement plus de 40 artistes du Québec, du Canada et de l’étranger. Ces résidences de création visent à soutenir proactivement les artistes dans le développement de nouvelles œuvres, la production de projets artistiques innovants et intégrateurs des outils numériques de production au large spectre de leurs pratiques en art actuel. Les artistes sont accueillis pour des séjours intensifs de création et sont soutenus dans leurs explorations, avec expertise et sensibilité, par une équipe spécialisée de techniciens/artistes, dans un vaste laboratoire informatique comprenant quatre imprimantes numériques grand format.

Pour commander ce numéro ou pour vous abonner au magazine Art Le SABORD
(819) 375-6223 art@lesabord.qc.ca http://www.lesabord.qc.ca

Judith Bellavance

2011-04-20T21:06:00.002-04:00

Judith Bellavance
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Je suis le promeneur : photos-romans

Il s’agit d’un projet photographique se présentant comme une sorte de " marche intérieure ", une promenade marquée par la force plurielle du privé et dont les signes sont puisés à la fois dans le réel immédiat et dans les zones troubles de la mémoire. Les oeuvres jalonnant cette déambulation poétique sont composites, chacune formée d'un pairage d'images attentivement choisies afin d'atteindre une tension dialogique riche, une densité sémantique inattendue.

Je suis le promeneur : photos-romans propose un programme narratif ouvert, une histoire faite d'ellipses, à la trame variable, qui suit des étapes définies pour se déployer efficacement. Les sujets (personnes) et les objets (choses) sont mis en relation dans la perspective d'une recherche d'accord afin que chacun des duos d'images puisse se définir par un équilibre entre l'énigme et la transparence et ainsi offrir une expérience de réception aussi imprévisible que familière pour le spectateur.

Avec ce projet, j'interroge, je revisite et je défais le rapport commun à l'image quotidienne en le remplaçant par une vision oblique, autre, basée sur une grammaire et une poétique de l’intimité. Grâce aux multiples étapes du processus et au façonnage des images rassemblées au moyen du médium photographique, des significations inédites dans l'interprétation de l'altérité sont mises en relief et l'expérience du regard et du réel sont présentée, ultimement, sous la forme d'une fiction toujours en devenir.

Née à Rimouski, Judith Bellavance vit et travaille à Montréal depuis 1989. Elle a complété un baccalauréat en arts visuels à l’Université Laval à Québec et poursuivi des études à l’Université du Québec à Montréal. Son travail a été appuyé par le Conseil des arts et des lettres du Québec et le Conseil des arts du Canada. Ses œuvres ont été présentées au Québec, au Portugal, en Espagne et au Japon et se retrouvent dans plusieurs collections publiques et privées.

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Judith Bellavance
Artist in Residence

Je suis le promeneur : photos-romans

This photographic project takes the form of an " interior ramble ", a stroll characterized by the multiform forces of private life, seeking direction through both proximate reality and the unsettling haunts of memory. The works, which act as signposts throughout this poetic drifting, are composite creations, each one comprised of a selective pairing of images designed to create a pregnant dialogic tension and unwonted semantic density.

Je suis le promeneur : photos-romans offers an open-ended narrative program, a story composed of ellipses and shifts in flow, progressing through well-defined stages towards a productive outcome. The subjects (people) and the objects (things) are placed in relationships which represent an attempt to establish a form of harmony, so that each dual image may be grasped as a state of equilibrium between the enigmatic and the transparent, providing the spectator with a responsive experience which is both familiar and unpredictable.

In this project, I revisit, question and dismantle the commonplace relationships to everyday imagery by employing an oblique, totally other perspective based on the grammar and poetics of intimacy. By means of the multiple stages in the process and the arrangement of the images grouped together through the medium of photography, the interpretation of otherness is presented in a new light and the experience of perception and of reality is ultimately revealed as an ever-evolving fiction.

Born in Rimouski, Judith Bellavance has been living and working in Montreal since 1989. She completed her Bachelor’s degree in visual arts at Laval University in Quebec City and is currently pursuing her studies at the Université du Québec à Montréal. She has received the generous support of the Conseil des arts et des lettres du Québec and the Canada Council for the Arts. Her work has appeared in exhibitions in Quebec, Portugal, Spain and Japan and is featured in several private and public collections.

Mehdi-Georges Lahlou

2011-04-12T18:42:00.003-04:00

Mehdi-Georges Lahlou
Artiste en résidence / Artist in Residence

" Fort de sa double appartenance franco-marocaine, de père musulman et de mère catholique, Mehdi-Georges Lahlou traverse avec bonheur les frontières de nos sociétés multiculturelles. Dans ses performances comme dans ses installations, il remet en question l’esthétique, notamment celle liée à l’Islam, et ouvre sur des problématiques plus générales telles que l’identité (religieuse, culturelle ou sexuelle). S’affranchissant allégrement des stéréotypes, l’artiste joue les trublions et travestit son corps comme il travestit les traditions. Il n’est pas question de “choc des cultures”, mais plutôt d’un double enfermement : sortir d’une culture, c’est être confronté à une autre culture qui enferme à nouveau. Le travail plastique de Mehdi-Georges Lahlou tient de l’idiotie. Faire l’idiot, c’est lutter avec pertinence et liberté contre la gravité de tout système sclérosant. Poussant les limites jusqu’à l’absurde, Mehdi-Georges Lahlou garde toujours un certain chic dans le ridicule et puise dans la légèreté de l’idiot un basculement vers le merveilleux. " Mme Hélène Lacharmoise, Galerie Dix9, Paris

Mehdi-Georges Lahlou est né aux Sables d'Olonne en 1983 et il est franco-marocain. Formé à l'École Régionale des Beaux-Arts de Nantes (ERBAN), il y obtient son DNSEP en 2007, puis un MFA à l'Académie Sint-Joost à Breda (NL) - et vit à Bruxelles. Ses œuvres ont été présentées en Europe, aux États-Unis et au Québec. Plusieurs expositions personnelles, entre autres à la galerie Transit, Mechelen (2010, BE), à la galerie Dix9, Paris (2010, FR), à Kunstraum Richard Sorge, Berlin (2010, DE), à la galerie Espacepointca, Alma (2011, QC). Lahlou fut aussi invité par la foire Art Brussels 2010 pour un Artist Project et a été présenté en solo show durant la foire Show Off 2010 par la galerie Dix9. Mehdi-Georges Lahlou sera présent à Art Brussels 2011 avec la galerie Transit, Mechelen (BE). Ses trauvaux seront bientôt présentés au Centre d’Art Croxhapox à Gent (BE) et à l’Institut du Monde Arabe, Paris (FR). Mehdi-Georges Lahlou est représenté par la galerie Transit en Belgique et par la galerie Dix9 en France. http://www.mehdilahlou.com

La résidence de Mehdi-Georges Lahlou au Centre SAGAMIE est présentée en collaboration avec la galerie Espacepointca du Collège d’Alma qui expose le travail de l'artiste jusqu'au 15 avril 2011, dans le cadre de la Semaine interculturelle du Collège.

Jean-Jacques Ringuette

2011-04-01T11:07:00.004-04:00

Jean-Jacques Ringuette
Regard de l'enfance sur la tragédie

English follows

EXPOSITION du 14 avril au 17 juin 2011

le jeudi 14 avril 2011 à 17h00
VERNISSAGE
et lancement de la publication
Figures de la mascarade ou La vie passionnante de Félicien
Éditée par le Centre SAGAMIE

Jean-Jacques Ringuette propose une série photographique dans laquelle il interprète lui-même, sous les traits d’un personnage clownesque, de multiples saynètes aussi caustiques que comiques. Ringuette, dont la démarche s’articule autour de la notion d’incarnation et de son impact sur le concept d’identité, explore ici une longue tradition d’autoreprésentation de l’artiste en clown. S’inspirant de l’iconographie du cirque et des fêtes foraines, ses mises en scènes, sobres mais hautement sophistiquées, évoquent autant le périple existentiel qui va de l’univers de l’enfance à celui du monde adulte que les divers états et attitudes qu’adopte la psyché dans sa fréquentation actuelle du monde.

"Tout en questionnant la notion du moi comme essence stable et la viabilité des rôles attribués à la masculinité par l’ordre culturel dominant, les photographies de Figures de la mascarade élaborent une séquence narrative qui en impose en regard du déni et de l’abjection du corps, du désir œdipien comme du désir et de l’identité queer."
Penny Cousineau-Levine

Jean-Jacques Ringuette vit et travaille à Trois-Rivières (Québec). Il détient une maîtrise en photographie de l’Université Concordia de Montréal (1999) et un baccalauréat en arts visuels avec spécialisation en photographie de l’Université d’Ottawa (1988). Ses œuvres ont été présentées en Europe, aux États-Unis et au Québec. Elles font partie de collections privées ainsi que des collections du Musée national des beaux-arts du Québec.

L’artiste remercie le Conseil des arts et des lettres du Québec pour son soutien financier.

Pour commander / to order :

Jean-Jacques Ringuette
Figures de la mascarade ou La vie passionnante de Félicien
Masquerade Figures or The Exciting Life of Félicien
Auteurs: Penny Cousineau-Levine, Pierre Ringuette
Texte intégral en français et en anglais
Full text in French and English
94 pages; 8.25 X 11po.
ISBN 978-2-923612-25-6 2011
Prix / Price : 25.00 $ + Transport au Canada 3.50 $ + tps 1.43 + tvq 0.31 = Total : 30.24 $

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Jean-Jacques Ringuette
Childhood Look on Tragedy

Exhibition April 14 - June 17, 2011

Thursday, April 14, 5 p.m.
Opening
and book launch
Masquerade Figures or The Exciting Life of Félicien
Published by Centre SAGAMIE

Jean-Jacques Ringuette presents a series of photographs portraying various vignettes of a humourous though acerbic nature in which he himself appears in the guise of a jester-like character. In this exhibition, Ringuette, whose artistic work has consistently focused on the idea of incarnation and its impact on the concept of identity, explores the age-old tradition of the self-representation of the artist as clown. Drawing inspiration from the iconography of the circus and the world of carnivals, the sober but sophisticated scenes which he depicts are evocative of the existential odyssey from the universe of the child to the world of adults and of the shifting states and attitudes of the psyche in its uninterrupted interaction with the world.

“While calling into question the notion of a stable, essential self and the viability of culturally ordained masculine gender roles, the photographs in Masquerade Figures also form a compelling sequential narrative having to do with bodily abjection and denial, oedipal desire and queer sexual longing and identity.”
Penny Cousineau-Levine

JEAN-JACQUES RINGUETTE is originally from Trois-Rivières (Québec), Canada. He holds a Master of Photography from Concordia University in Montréal (1999) and a Bachelor of Visual Arts with a specialization in Photography from the University of Ottawa (1988). His artworks have been presented in Europe, the United States and Québec. His artworks are included in private collections as well as in the collections of the Musée national des beaux arts du Québec.

Jacky Georges Lafargue

2011-03-22T17:10:00.001-04:00

La Cabane - projet Resolute Bay (2005), Jacky Georges Lafargue et Louis Couturier

Jacky Georges Lafargue
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Ma pratique artistique se déroule en duo et en solo. Celle que je mène avec Louis Couturier depuis 1990 est fondée sur la communication, l'échange, l’observation et la participation. Au fil des projets, j’ai acquis, ici et à l’étranger, une expérience d’interventions variées dans l’espace public. Toujours à la recherche d’un art en mouvance, de mise en forme inusitée, je veux créer des modes alternatifs d’appropriation de l’espace public. Je privilégie les techniques de la photographie et de la vidéo comme mode d’enregistrement du réel. Les récents projets réalisés en duo ont touché des populations spécifiques en y introduisant des processus de création et des restitutions événementielles qui suscitent des interrogations et des émotions. En solo ma pratique et plus introspective. Je me considère comme un " indisciplinaire " et mes réalisations sont là aussi protéiformes, factuelles et poétiques. Dans les deux cas, la figure humaine, les milieux de vie et tout ce qui s’y rattache se retrouvent au centre dans mon travail.

Jacky Georges Lafargue vit et travaille à Montréal. Ses œuvres ont été présentées dans près d’une trentaine d’expositions individuelles, de groupes et plusieurs événements au Québec, au Canada, en France, en Allemagne, en Russie et plusieurs autres pays. Son travail a été soutenu à plusieurs reprises par le Conseil des Arts du Canada, le Conseil des Arts et des Lettres, le Ministère de la Culture de France, le Ministère des Affaires étrangères du Canada et fait partie de la collection du Musée national des beaux-arts du Québec et d’autres collections publiques et privées au Canada et en Europe. L'œuvre Resolute Bay- Le voyage du jour dans la nuit réalisée avec Louis Couturier sera présentée dans trois nouvelles versions en 2011 au Moose Jaw Museum en Saskatchewan, au Musée de Picardie à Amiens en France et au Musée des beaux-arts de Montréal. Il détient une Maîtrise en Arts visuels et médiatiques de l’UQÀM et est enseignant régulier au département d’arts plastiques du Collège Lionel-Groulx.

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Jacky Georges Lafargue
Artist in Residence

My creative work issues from both individual and collaborative efforts. My collaboration with Louis Couturier since 1990 has been founded on communication, exchange, observation and participation. During the course of my many projects, here and abroad, I have accumulated considerable experience presenting my work in public spaces. I am in constant pursuit of an art which is dynamic and innovatively designed, through which I can offer alternative approaches towards the appropriation of those public spaces. I am particularly attracted to photographic and video techniques as means of recording reality. My recent collaborative projects have targeted specific populations through the introduction of creative processes and the reconstruction of events which provoke emotional responses and an on-going examination of issues. My solo work is more introspective. I consider myself “non-disciplinary” and my creations are consequently multi-faceted, both factual and poetic. In both instances, the human face, the surroundings in which life is lived, and everything which that involves are at the heart of my work.

Jacky Georges Lafargue lives and works in Montreal. He has been featured in close to thirty solo and group exhibitions and cultural events in Quebec, Canada, France, Germany, Russia and other countries. His work has enjoyed the support of the Canada Arts Council, the Conseil des Arts et des Lettres, the French Ministry of Culture, and the Canadian Department of Foreign Affairs and has found inclusion in the collection of the Musée national des beaux-arts du Québec and other public and private collections in Canada and Europe. Resolute Bay- Le voyage du jour dans la nuit, a collaborative work with Louis Couturier, will be presented in three new versions in 2011 at the Moose Jaw Museum in Saskatchewan, the Musée de Picardie in Amiens, France, and the Montreal Museum of Fine Arts. He obtained a Master’s degree in visual and media arts at UQAM and presently teaches in the Department of Visuals Arts at the Collège Lionel-Groulx.

Lancement de la publication Jean-Jacques Ringuette Figures de la mascarade ou La vie passionnante de Félicien

2011-02-23T17:01:00.002-05:00

Jean-Jacques Ringuette
Figures de la mascarade ou La vie passionnante de Félicien
Lancement de la publication éditée par le Centre SAGAMIE

à la galerie OCCURRENCE de Montréal
le samedi 26 février dès 20 h
5277, avenue du Parc, Montréal (QC) H2V 4G9
514.397.0236 | http://www.occurrence.ca

Lancement et rencontre avec l'artiste
dans le cadre de la Nuit blanche à Montréal 2011

Publié par SAGAMIE, ce livre documente l’intégralité du corpus d’œuvres exposées à la galerie Occurrence. Le livre sera lancé en début de soirée, dès 20 h et l’exposition se poursuivra jusqu’au 12 mars 2011. Certains des principaux collaborateurs à l’ouvrage seront présents dont l’auteure, conservatrice et théoricienne de l’art Penny Cousineau-Levine. L’artiste sera également sur place pour présenter la publication ainsi que pour échanger avec le public tout au long de la soirée.

Jean-Jacques Ringuette est originaire de Trois-Rivières (Québec). Il détient une maîtrise en photographie de l’Université Concordia de Montréal (1999) et un baccalauréat en arts visuels avec spécialisation en photographie de l’Université d’Ottawa (1988). Ses œuvres ont été présentées en Europe, aux États-Unis et au Québec. Elles font partie de collections privées ainsi que des collections du Musée national des beaux-arts du Québec.

Bienvenue à tous!

Pour commander :

Jean-Jacques Ringuette
Figures de la mascarade ou La vie passionnante de Félicien
Auteurs: Penny Cousineau-Levine, Pierre Ringuette
Texte intégral en français et en anglais
Full text in French and English
94 pages; 8.25 X 11po.
ISBN 978-2-923612-25-6 2011
Prix / Price : 25.00 $ + Transport au Canada 3.50 $ + tps 1.43 + tvq 0.31 = Total : 30.24 $

Lecture publique CHANTIER NAVAL

2011-02-21T20:26:00.004-05:00

La compagnie française
théâtre Toujours à l'Horizon
présente en avant-première au Centre SAGAMIE
des extraits de la pièce

CHANTIER NAVAL
mise en scène de Claudie-Catherine Landy
texte de Jean-Paul Quéinnec
Professeur à l'UQAC et titulaire de la
Chaire en dramaturgie sonore de l'UQAC

Lecture publique
Le jeudi 24 février 2011 en 5 à 7
Au Centre SAGAMIE
50 rue St-Joseph, Alma

Cette production est présentée en collaboration avec
la compagnie de théâtre Les Têtes Heureuses

Représentations
vendredi 25 et samedi 26 février - 20h
dimanche 27 février 2011 - 14h
à la Salle du Facteur culturel,
Centre culturel du Mont-Jacob, Jonquière
Réservations : 545-5011 poste 2506

Distribution
Fabienne Augié
Sébastien Boudrot
Eric Chaussebourg
Martine Fontanille
Thierry Patarin
Marie-Claire Vilard

Équipe au Québec
Mise en scène : Claudie-Catherine Landy
Création lumière : Éric Seldubuisson, Alexandre Nadeau
Création son : Claude Landy
Suivi technique : Thierry Boursac

Équipe de création
mise en scène : Claudie-Catherine Landy
assistée de : Camille Geoffroy
scénographie : René-Claude Girault
création lumière : Eric Seldubuisson
création son : Claude Landy
costumes : Chantal Rousseau
construction décor : Gérard Rovéri
suivi technique : Thierry Boursac

Présentation de la pièce:
Sur le chantier, la main-d’œuvre diminue au fur et à mesure des années. Une nuit, François, ses deux fils Claude et André, l’oncle Lili, décident de couler le navire qu’ils viennent de construire. Et de disparaître avec lui. Nine, la femme d’André qui sert les marins dans un des bars du port, les rejoint pour un dernier échange. Sous les regards des habitants de La Pallice, réunis par Guiguite la sœur de François, le bateau s’enfonce dans l’eau glacée. Les hommes coulent et les 3 femmes Nine, ma cousine, Guiguite, réveillent Jacques le jeune frère ; tous les quatre partent à 6 000 kilomètres vers un pays tout blanc où ils réinventent leur vie.

Présentation de la compagnie:
La troupe française théâtre Toujours à l'Horizon propose depuis 1993 une création importante tous les deux ans et des pièces courtes ou de petites formes en tournée chaque année. Jamais nous ne nous sommes écartés de notre ligne artistique initiale constitutive de notre identité : “les découvertes d’écritures d’aujourd’hui et un travail sur la mémoire. (mémoire collective, mémoire intime)”. Le travail mené autour des oeuvres contemporaines se fait sous forme de pièces (longues ou courtes), de lectures-spectacles, de lectures, de rendez-vous ; ces dernières prennent place sur le plateau de l’Horizon, dans d'autres lieux culturels, dans des endroits familiers ou insolites (cafés, kiosque, espace public, gare...) afin que la découverte et les rencontres dépassent tous les clivages.

Catherine Bodmer

2011-02-16T13:20:00.001-05:00

Catherine Bodmer
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Le projet en cours constitue un nouveau corpus de travail que je suis en train de développer à la suite d’une résidence de recherche que j’ai effectué au printemps 2010 à Mexico. À partir d’une " routinisation " de mes déplacements en ville, j’étais curieuse d’explorer l’idée de nudité d’un lieu dans une ville qui abonde de gens et de choses. Suivant plutôt intuitivement l’idée des limbes, cet espace intermédiaire et flou entre le paradis et l’enfer, j’ai documenté plusieurs lieux qui semblaient correspondre à cette image d’entre-deux. En utilisant des stratégies de dédoublement et de multiplication, de symmetrie et d’asymmetrie, ces liens et situations sont mis en relation avec eux-mêmes et avec les contradictions inhérentes au désir de reconstituer le paradis perdu.

J’utilise le moyen de la photographie et le traitement numérique de l’image afin d’explorer les espaces réels et imaginaires du quotidien, mais avant tout, celui de l’image même qui permet la fusion et la confusion des deux. Il ne s’agit jamais que d’utiliser la photographie en tant que document du réel, mais plutôt comme matériel qui permet d’agencer plusieurs images et éléments avec les moyens numériques. Ce sont des images construites qui oscillent entre réalité et fiction, et qui proposent de revisiter les thèmes de l’ambition, du désir et de l’absurdité.

Catherine Bodmer, d’origine suisse, détient un diplôme de l’École des Beaux-arts de Lucerne en Suisse, et a obtenu une maîtrise en arts plastiques de l’Université du Québec à Montréal en 1999. Sa pratique artistique comprend des installations, des œuvres in-situ et des photographies qui s’articulent autour des notions de transformation et de fluidité qui sont au cœur de sa recherche. Son travail a été présenté lors de nombreuses expositions individuelles et collectives à travers le Canada, ainsi qu’au Mexique et à Taiwan. En 2008, elle a reçu le Prix du Duc et de la Duchesse de York en photographie du Conseil des Arts du Canada. Au printemps 2010, elle a effectué une résidence à Mexico City dans le cadre du programme des ateliers-résidences du Conseil des arts et des lettres du Québec, et elle y retournera ce printemps pour une autre résidence de création au ADM Centro Arte Diseño Multimedia.

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Catherine Bodmer
Artist in Residence

The present project constitutes a new body of work which is a direct offshoot of my research residency in Mexico City in the spring 2010. Starting from a “routinization” of my movements throughout the city, I wanted to explore the idea of the nudity of particular places in a city teeming with people and things. Pursuing in a rather intuitive fashion the idea of limbo, that indistinct, intermediate zone between paradise and hell, I documented several different locales which seemed to correspond to this image of in-betweenness. By employing techniques of replication and multiplication, symmetry and asymmetry, these places and situations are put in relationships with themselves, revealing inherent contradictions in the desire to reconstruct a lost paradise.

I have been using photography and the digital processing of images to explore the real and imaginary spaces of daily life and, above all, the space within the image itself which allows for a fusion and confusion of the two. The photograph is never solely a document portraying a reality, but rather provides the means to digitally configure a variety of images and elements. These are constructed images, oscillating between reality and fiction and permitting a re-evaluation of the themes of ambition, desire, and absurdity.

Catherine Bodmer, who is from Switzerland, graduated from the School of Arts in Lucerne and completed a Master’s degree in art at the Université du Québec in Montréal in 1999. Her artistic work includes installations, in-situ creations, and photographs dealing with ideas of transformation and fluidity which are central to her research. Her work has been presented at several solo and group exhibitions across Canada, as well as in Mexico and Taiwan. In 2008, she was awarded the Canada Council’s Duke and Duchess of York Award in Photography. In 2010, she completed a residency in Mexico City as part of the studio residency program of the Conseil des arts et des lettres du Québec, and she will return this spring to participate in another residency at ADM Centro Arte Diseño Multimedia in Mexico City.

François Quévillon

2011-02-07T18:39:00.001-05:00

François Quévillon
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

François Quévillon est un artiste en installation et en nouveaux médias. Il est titulaire d'une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal. Membre du groupe de recherche-création Interstices de 2001 à 2008, il s'est joint à Perte de Signal en 2009. Ses réalisations ont été présentées au Canada, en France, au Brésil, au Liban et sur le Web.

Le travail de François Quévillon explore les phénomènes complexes de la nature et de la perception par la mise en œuvre de processus sensibles à l’interférence des spectateurs et aux conditions variables de l’environnement. Il se caractérise par la création d’environnements sonores, visuels et haptiques qui convoquent les visiteurs à des situations perceptives sur lesquelles ils ont une influence. Ses installations et interventions architecturales in situ intègrent, entres autres, des dispositifs interactifs où de la matière est modulée par des flux de données et d’énergie. De concert avec ces expériences concrètes qui se déploient dans l’espace et la durée, il s’intéresse à la représentation de phénomènes spatiotemporels. Afin de sonder un monde en constante mouvance, il élabore des systèmes d’imagerie qui compressent et spatialisent le temps par la captation et le traitement de microprélèvements vidéographiques. Ses recherches actuelles utilisent la géomatique et le Web pour la visualisation de données environnementales en temps réel.

Formellement et esthétiquement variées, ses réalisations activent des processus d’atomisation et de transduction alimentés par des interfaces qui puisent l’information dans l’environnement. Par l’interaction de procédures logiques et d’éléments imprévisibles, cette perméabilité engendre des espaces ouverts sur un horizon d’indétermination. Tout en étant fondée sur les notions d’instabilité et de complexité, sa démarche de recherche et de création se développe à travers une approche minimaliste des technologies médiatiques. Les réalisations qui en découlent explorent la dimension phénoménologique de la perception en proposant une expérience de la durée où se manifeste un chaos sensible. http://www.francois-quevillon.com

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François Quévillon
Artist in Residence

François Quévillon is an installation and new media artist from Montreal. Holder of a Master's degree in visual and media arts from UQAM, he was involved with the Interstices research-creation group from 2001 to 2008 and joined Perte de Signal in 2009. His work has been presented in Canada, France, Brazil, Lebanon and on the Web.

François Quévillon’s work explores the complex phenomena of nature and perception by putting into play processes that are subject to interference by both the spectators and variable environmental conditions. He distinguishes himself through the creation of acoustic, visual and haptic environments which invite visitors into perceptual situations which they can influence. His in situ architectural installations and creations integrate interactive devices which permit matter to be modulated by data and energy fluctuations. In tandem with these concrete experiences, situated in time and space, he explores the actual representation of spatiotemporal phenomena. To be able to investigate a world in constant flux, he has devised systems of imagery which compress and spatialise time through the coalescence and treatment of videographic micro-samples. His current investigations make use of geomatics and the Internet to visualize environmental data in real time.

His creations vary in their formal and aesthetic design and initiate processes of atomization and transduction stimulated by interfaces with environmental data. The permeability produced through the interaction of logical approaches and unpredictable elements creates spaces which extend towards an indeterminate horizon. Though based on concepts of instability and complexity, his research and creativity employ a minimalist approach to media technologies. His productions explore the phenomenological dimension of perception by offering an experience in which a palpable chaos emerges from the passage of time. http://www.francois-quevillon.com

Jhave

2011-01-25T17:43:00.001-05:00

Jhave
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Approche artistique:
J'aime jouer avec des algorithmes.

Biographie:
David (Jhave) Johnston, poète multimédia, vit à Montréal. Il est également informaticien, concepteur d’interfaces et artiste. La majorité de ses oeuvres sont interdisciplinaires et sont conçues par le truchement de l’Internet. Son travail allie le son, la vidéo et la poésie à la programmation. Jhave a participé à de nombreux projets artistiques collectifs et individuels, à la fois numériques et in situ, au niveau régional et international (Incident, New Forms, Oboro, OBX, NT2, TML, FILE, Champ Libre, Bioteknica, Turbulence, Year01). Ses oeuvres ont été présentées dans le cadre de trois biennales en art et en nouveaux médias (à Montréal en 2003 et 2009 et à Toronto en 2004). Il achève actuellement un doctorat en sciences humaines interdisciplinaires à l'Université Concordia. Son site Web se trouve à l’adresse suivante : http://www.glia.ca

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Jhave
Artist in Residence

Artist’s Statement:
I like to play with algorithms.

Biography:
David (Jhave) Johnston is a multimedia-poet currently living in Montreal. He is a computer scientist, an interface designer and an artist. The majority of his work is net-based and interdisciplinary: it remixes sound, video and poetry with programming. Jhave has been involved in numerous collaborative and solo digital and in situ art practises both locally and internationally (Incident, New Forms, Oboro, OBX, NT2, TML, FILE, Champ Libre, Bioteknica, Turbulence, Year01). His work has been exhibited at art and new media biennales in Montreal (2003, 2009) and Toronto (2004). He is currently completing a PhD in Interdisciplinary Humanities at Concordia University. His home site is http://www.glia.ca

Lancement de deux publications éditées par le Centre SAGAMIE

2011-01-18T07:59:00.003-05:00

Le jeudi 20 janvier 2011 à 17h00
(en plus du vernissage de l'exposition DUEL de Nathalie Grimard)

BORAN RICHARD Cécité nocturne, L'être expansible
Entre l’idée et le livre publié, deux années se sont écoulées. Je voulais modifier mon rapport à l’image, à la séduction, à la création. Le silence visuel auquel je me suis prêté m’a transporté dans l’image-rêve : une image qui ne montre pas, mais qui suggère au regard d’aller au-delà des lignes, pour permettre à l’imaginaire de voir autrement le réel. Je voulais aussi revenir au fondement du cinéma d’animation, soit la photographie. En effet, quand je fais un film d’animation, je prends des photos, beaucoup de photos, et le mouvement - le temps ? devient possible dans la succession rapide de ces images. Mais voilà, ce mouvement dévore chacune des photos et enlève la charge qu’elles portent, pour les égarer dans l’agitation. Après toute cette errance photographique, je constate que la durée peut aussi exister dans une image fixe.

Dans les dix dernières années, Boran a développé une pratique artistique en cinéma d’animation et en photographie. Ses films ont été diffusés dans une soixantaine d’événements internationaux (Canada, ÉU, Mexique, France, Angleterre, Australie, Grèce, Israël, Slovénie, Asie). Il a participé à différents événements en art visuel dont le Symposium de Baie-St-Paul en 2006. Depuis trois ans, il collabore sur différents projets en théâtre et en danse à titre de vidéaste, concepteur d’éclairage et scénographe. En 2011, on pourra voir un court-métrage présenté au festival Regard sur le court-métrage, co-réalisé avec Alain Corneau et il fait la vidéo pour la pièce Les sens du Théâtre de la Rubrique, présentée en février. En juillet 2011, il ira passer six mois à Montréal dans le studio du CALQ à Montréal pour réaliser un film de danse en animation.

STÉFANIE TREMBLAY RINCEBOOK, 30 jours jamais hors ligne
Rincebook est le résultat d’une expérience témoignant de la perte de temps à flirter sur les réseaux sociaux comme Facebook. Présenté sous le titre 30 jours, jamais hors ligne, Stéfanie Tremblay raconte à travers ce livre les gestes banals et les réflexions insignifiantes de son quotidien devant l’écran d’un ordinateur. Cloîtrée un mois entre quatre murs, elle se questionne quelque peu sur son " addiction " étrange au voyeurisme ou sur son intérêt pour une nouvelle poésie statuaire éphémère. Au lieu d’étaler ses états d’âme au grand public, l’artiste utilise Rincebook comme journal intime fixant un langage esthétique singulier où dessins, archives et photos s’affichent. Une petite histoire de crevage de points noirs, de quête d’amants potentiels et/ou d’exercices de rapidité linguistique sans ponctuation... Mensonges, commentaires, publications, isolement et pathétisme avoués témoignent du Dark side of Facebook.

Stéfanie Tremblay vit et travaille à Saguenay. Après des études de premier cycle à l’Université du Québec à Chicoutimi, elle obtient un baccalauréat en arts visuels et cinéma (2006). Elle a également complété sa maîtrise en arts, volet création (2009). Dans son travail de recherche, elle aborde des réflexions auto-dérisoires sur son quotidien, s’engageant à faire de sa vie personnelle une trame narrative l’inspirant pour ses projets de création artistique autonomes, orientés vers divers procédés numériques et teintés par l’écriture et le rock. Constamment mise en scène, l’artiste conserve l’ambiguïté sur la nature de son personnage, ne sachant même plus elle-même s’il s’agit de fictions ou de véritables actualités intimes.

Ses œuvres ont été présentées lors d’expositions individuelles à Toqué Rouge ainsi qu’au Lobe (Chicoutimi) dans le contexte de la longue résidence d’été (2007). Son dernier projet Les longs jeux a été présenté à Espace Virtuel (Chicoutimi) en hiver 2009. Son travail vidéographique a été diffusé lors d’expositions collectives (L’œuvre de l’Autre, Chicoutimi) et lors du festival Vidéastes Recherchés (Québec). Rincebook est sa première réalisation sous forme de cahier d’artiste.

Boran Richard
Cécité nocturne, L'être expansible
80 pages, texte en français seulement, 6.25 X 8.5 po.
ISBN 978-2-923612-24-9 2010
Prix: 20.00$ + Transport au Canada 3.00 + tps 1.15 + tvq 0.27 = Total: $24.42

Stéfanie Tremblay
rincebook, 30 jours jamais hors ligne
68 pages, texte en français seulement, 6 1/2 X 9 1/2 po.
ISBN 978-2-923612-23-2 2010
Prix: 20.00$ + Transport au Canada 3.00 + tps 1.15 + tvq 0.27 = Total: $24.42

Nathalie Grimard

2011-01-13T10:21:00.002-05:00

Nathalie Grimard
DUEL
English follows

VERNISSAGE
le jeudi 20 janvier 2011 à 17h00
EXPOSITION du 20 janvier au 10 mars 2011

Depuis plusieurs années, NATHALIE GRIMARD explore très activement la thématique du sommeil, du rêve et de la vulnérabilité. Elle interroge notre état de veille et la conscience du temps qui passe. En montrant les sauts et les chutes de personnes exposées aux dangers qui guettent, elle a exploré la situation précaire du corps dans l’espace et la peur qui accompagne cette instabilité.

La toute nouvelle production de NATHALIE GRIMARD présente une série de photographies grand format représentant la lutte de deux individus, deux identités impliquées dans un combat engageant plus qu’il n’y semble. Sur des fonds noirs d’une profondeur abyssale se découpent des corps dont les muscles tendus et les veines saillantes témoignent de la virulence de l’affrontement. NATHALIE GRIMARD revisite l’autoreprésentation en y ajoutant cette fois quelque chose de plus : elle semble être à la fois l’agresseure et l’agressée, la duelliste victorieuse tout autant que la soumise. L’entrechoc des niveaux de conscience résonne dans les photographies présentées comme si l’artiste prenait le risque du spéléologue qui s’aventure seul dans des galeries inexplorées.

Récipiendaire du Prix Pierre Ayot décerné par la Ville de Montréal en collaboration avec l’Association des galeries d’art contemporain de Montréal (AGAC) en 2001, NATHALIE GRIMARD participait cette même année à l’exposition Métamorphoses et clonage au Musée d’art contemporain de Montréal. Plus récemment, elle a participé à l’exposition À la croisée de l’art et de la médecine à la Galerie d’art Foreman de l’Université Bishop en plus de présenter l'exposition solo Ground Zero au Centre d’exposition de Val d’Or.

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Nathalie Grimard
DUEL

Opening
Thursday, January 20, 5 p.m.
Exhibition January 20 - March 10, 2011

In the last few years, NATHALIE GRIMARD has explored themes relating to dreamlike states and vulnerability. In doing so, she questions our awareness about aging and the passage of time. She also worked with the idea of vulnerability through representations of characters presented either falling or jumping. She was interested in visually articulating how the body is fragile in this suspended state or moment.

The most recent production of GRIMARD is presented in Chimères, that is featuring a series of large scale photographs presenting two persons wrestling, two identities engaged in a fight that implies much more that it seems at first glance. On abysmal black backgrounds, two white bodies stand out, muscles tight and bulging veins, proof of the harshness of the battle. Once again, Nathalie Grimard dares to go with self-representation, adding a new duality this time: she seems to be both aggressor and victim, winner and subdued at the same time. The many conscience levels clash as if the artist was taking speleologist risks of going alone in unexplored underground tunnels.

NATHALIE GRIMARD was the recipient of the Pierre-Ayot award in 2001, which is offered by the City of Montreal to promising young artists. That same year, she participated in the group show Metamorphosis and Cloning at Contemporary Art Museum of Montreal. More recently, she was in the À la croisée de l’art et de la médecine exhibition at Foreman Art Gallery of Bishop’s University and had a solo at the Centre d’exposition de Val d’Or.

Nathalie Daoust

2010-12-14T13:38:00.005-05:00

Nathalie Daoust
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Photographie: The Mao Zedong impersonator

Nathalie Daoust est née à Montréal, où elle a étudié la photographie au Cégep du Vieux-Montréal avant de se déplacer à New York pour commencer à travailler sur New York Hotel Story, son premier livre publié en solo. En 2001, elle voyage au Japon pour documenter pendant deux ans le Quartier Chaud de Tokyo. Depuis, elle a créé plusieurs nouveaux projets thématiques dont Entre Quatre Murs, Berlin; Street Kiss, Brazil et Frozen in time, Switzerland et a participé à plusieurs expositions individuelles ou collectives au Canada, aux États-Unis, en Pologne, Finlande, Espagne, Angleterre et au Japon. Ses photographies ont fait l’objet de nombreuses publications et ont gagné plusieurs prix.

Depuis mes toutes premières expériences en photographie, j’ai été fascinée par le comportement humain et ses diverses réalités, par le désir humain, toujours présent, de s’évader pour vivre dans un monde de rêve. J’explore la mince ligne entre la réalité et le fantasme, les endroits où les gens vont s’exiler de leur vie de tous les jours. Mon objectif en tant qu’artiste est de repousser les limites de la photographie en explorant des méthodes expérimentales, en travaillant de nouveaux médiums et en découvrant de nouvelles techniques.

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Nathalie Daoust
Artist in Residence

Photograph: “The Mao Zedong impersonator”

Nathalie Daoust was born in Montreal where she studied photography at the Cégep du Vieux-Montréal before moving to New York to start work on “New York Hotel Story”, her first solo book. In 2001, she traveled to Japan, spending two years documenting Tokyo`s red light district. Since then, she has completed several new thematic projects including “Entre Quatre Murs, Berlin”, “Street Kiss, Brazil” and “Frozen in Time, Switzerland” and she has been featured in various individual and collective exhibitions in Canada, the United States, Poland, Finland, Spain, England and Japan. Her photographs have appeared in numerous publications and have garnered several awards.

Ever since my first experiences in photography, I have been fascinated by human behaviour and the different realities it inhabits, and by the constant human desire to escape and live in a dream world. I explore the thin line that separates reality from fantasy, the places where people seek refuge from their everyday lives. My objective as an artist is to push the limits of photography by exploring experimental approaches, working in new mediums and discovering new techniques.

Noémi McComber

2010-12-10T08:05:00.001-05:00

Noémi McComber
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Dans son travail en dessin, vidéo, photographie, interventions urbaines et performatives, Noémi McComber examine comment l'individu réagit face aux contraintes physiques et sociales qui lui sont présentées. En tenant compte des règles implicites qui sont de mise dans toute aire sociale, elle tente de reformuler l'espace potentiel que peut occuper un individu, un groupe, une entité. L'aire publique devient un terrain de jeu pour expérimenter avec les limites qui lui sont données et permettre l'émergence de nouveaux espaces poétiques. Avec plus ou moins de succès, selon les tentatives, elle tente d'impliquer le spectateur dans un monde qui est le sien mais qui est autre à la fois, un monde qu'il reconnaît mais qui le surprend, par la résurgence d'éléments intrus.

Noémi McComber a obtenu une maîtrise en arts visuels et médiatiques du Chelsea College of Art and Design (University of the Arts London) au Royaume Uni en 2002. Depuis 2000, elle poursuit différents projets artistiques en tant qu’artiste et commissaire, privilégiant une approche multidisciplinaire (dessin, vidéo, installation, performance, interventions urbaines) et collaborative. Elle a notamment présenté son travail au ICA (Institute of Contemporary Art) à Londres, au Moscow Centre for the Arts (Russie), au Kunstverein Kohlenhof à Nurembourg (Allemagne), à la Castlefield Gallery de Manchester (R-U), à la galerie L’Oeil de poisson de Québec et au Musée des Beaux-arts de Sherbrooke. Elle est activement impliquée à La Centrale Galerie Powerhouse depuis quelques années, où elle est actuellement commissaire de l’exposition Encerclé dans le cadre de la série Femmes de l’Arctique. Elle vit et travaille à Montréal.

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Noémi McComber
Artist in Residence

Noémi McComber’s work deals with the space we occupy in relation to physical and social boundaries. She is interested in the element out of place, which disturbs regular schemes of expectancy. She uses drawing, photography, performance and video to examine what is desired in relation to what is prescribed; the resurgence of the subjective within the collective. The process of social integration is of particular interest to her; the reaction to a set of rules, considering one's own background and experiences. Redefining the boundaries of what is permitted, allowed or acceptable, the space she works in is set as a serious playground, where constraints are considered and rules reinterpreted. Noémi McComber’s work explores the space from isolation to communication; how through projection and fabulation we come to resolve the continuous ruptures in every day experience.

Noémi McComber completed a Masters in visual and media arts at Chelsea College of Art and Design (University of the Arts London), in the UK in 2002. Since 2000, she has been actively involved in artistic and curatorial projects, focusing on multidisciplinary (drawing, video, installation, performative and urban interventions) and collaborative projects. Her work has been shown at the ICA (Institute of Contemporary Art) in London, UK, at Moscow Centre for the Arts (Russia), at Kunstverein Kohlenhof in Nuremberg (Germany), at Castlefield Gallery in Manchester (UK), at L’Oeil de poisson in Québec city and at the Sherbrooke Museum of Fine Arts. She has been actively involved at La Centrale Gallery Powerhouse for several years, where she is currently the curator of the exhibition Encircle as part of the Women of the Arctic series. She lives and works in Montréal.

Tanya St-Pierre

2010-11-29T20:59:00.003-05:00

Tanya St-Pierre
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Depuis 2001, j'ai entretenu une production en installation visuelle et sonore qui conjugue ma pratique en imagerie numérique, en sculpture, et plus récemment en peinture et en vidéo. Ayant longtemps dédié ma pratique artistique à l'exploration des relations possibles et nouvelles entre l'installation en art visuel et la narration, j'explore aujourd'hui le résultat de l'altération progressive de la narration. Mise au profit d'une approche extirpée d'une proposition fictive totale et déterministe, qui tend vers des propositions plus poétiques, cette dernière offre des spasmes de fictions ne se dévoilant jamais entièrement. On trouve dans mes récentes productions des traces déchirées de narrations, de fictions, de corps et, surtout, de figures - comme icônes ou symboles - plus abstraites et plus subtiles à la fois, qui survivent et habitent, à répétition, les images dans une constellation d'éléments plus brute et dépouillée.

Le corps occupe une place importante dans mon travail. Qu'il soit malade et défaillant, présent ou dissimulé, une fois placé dans un contexte de réflexion, il représente un puissant vecteur d'informations culturelles. Le corps devient un site de pratiques réflexives autour des concepts abordés. Je m'intéresse particulièrement à ce qui concerne les remous et l'histoire de la condition humaine, notamment sur ce qui se rattache à l'histoire culturelle de ce corps dans les structures institutionnelles souveraines ou diffuses : les traces et les sédiments accumulés de pathologies sociétales.

Cette importance du corps se prolonge dans mon travail en performance au sein du duo Noïzefer CWU, formé de Philippe-Aubert Gauthier et de moi-même. Noïzefer CWU explore et exploite l'action, le son et la vidéo. Il utilise un langage esthétique à la fois agressif, corrosif et poétique. Ce langage rassemble des ordures, des constructions bancales, de la parole et du bruit amplifiés afin de soulever quelques questions débridées sur l'aliénation culturelle, l'histoire de la représentation, de l'illusion, en art, en société et dans les médias. Site et lieu d'expérimentations qui découlent des pratiques de Tanya St-Pierre et Philippe-Aubert Gauthier.

Artiste visuelle originaire de l’Outaouais (Québec, Canada), Tanya St-Pierre vit et travaille actuellement à Sherbrooke. Elle obtient en 1998 un baccalauréat en arts plastiques de L’UQTR. Depuis 2001, une production en installation visuelle et sonore - dédiée à l'étude et à l'exploration des relations possibles et nouvelles entre l'installation en art visuel (et en art médiatique), l’imagerie numérique et la narration - aborde des thèmes liés à la condition humaine et sociale actuelle. À travers cette production, l’artiste propose un regard sur différents maux sociaux, sur la représentation du corps, du corps malade et défaillant, et cela, en questionnant les modes de représentation issus de deux grands archétypes et antipodes de l’appréhension du monde : la pensée scientifique (ou rationnelle) et la pensée mystique (ou magique, parfois dite archaïque).

Tanya St-Pierre a été récipiendaire de trois bourses du CALQ (recherche et création en art visuel et en art médiatique) et de trois bourses aux artistes ambassadeurs de la ville de Sherbrooke. Son travail d’installation et d’imagerie numérique a été présenté, depuis 2000, lors d’expositions collectives et de deux expositions solo au Québec. En 2009, elle a eu la chance de faire deux résidences d'artistes à Brooklyn, à New York et au complexe Méduse de Québec. Membre du duo de performeurs NOÏZEFER CWU, elle a participé à divers événements collectifs, dans divers contextes : à Rouyn-Noranda, Sherbrooke, Chicoutimi, Québec, Trois-Rivières et Montréal.

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Tanya St-Pierre
Artist in Residence

Originally from the Gatineau (Quebec, Canada), Tanya St-Pierre is a visual artist who presently lives and works in Sherbrooke. In 1998, she completed a Bachelor’s degree in plastic arts at UQTR. Since 2001, she has been producing visual and sound installations which study and investigate new and possible relationships between installation, digital imaging and narration, which explore themes associated with contemporary human and social conditions. Through these productions, the artist proposes an examination of various social problems and the representation of the human body, a weakened and diseased body, casting doubts on the modes of representation that have issued from the two archetypical and antipodal approaches to coming to terms with reality: scientific, or rational, thought and mystical, or magical, so-called archaic, thought.

Tanya St-Pierre has been the recipient of three CALQ grants (for research and creation in visual and media arts) and three grants awarded by the city of Sherbrooke. Since 2000, her installation and digital imaging work has been featured in various group exhibitions and two solo exhibitions in Quebec. In 2009, she completed two artistic residencies, one in Brooklyn, New York and the other at the Complexe Méduse in Quebec City.

As a member of the performance duo NOÏZEFER CWU, she has participated in collective events in various contexts in Rouyn-Noranda, Sherbrooke, Chicoutimi, Quebec City, Trois-Rivières and Montreal.

Stéfanie Tremblay / Lancement de Livre

2010-11-25T17:00:00.000-05:00

STÉFANIE TREMBLAY RINCEBOOK, 30 jours jamais hors ligne

LANCEMENTde la PUBLICATION
Éditée par le Centre SAGAMIE

Le jeudi 2 décembre 2010 à 17h
Au Centre National d'Exposition (CNE) de Jonquière
4160, du Vieux Pont, Jonquière, 418 546-2177 poste 4602

Rincebook est le résultat d’une expérience témoignant de la perte de temps à flirter sur les réseaux sociaux comme Facebook. Présenté sous le titre 30 jours, jamais hors ligne, Stéfanie Tremblay raconte à travers ce livre les gestes banals et les réflexions insignifiantes de son quotidien devant l’écran d’un ordinateur. Cloîtrée un mois entre quatre murs, elle se questionne quelque peu sur son " addiction " étrange au voyeurisme ou sur son intérêt pour une nouvelle poésie statuaire éphémère. Au lieu d’étaler ses états d’âme au grand public, l’artiste utilise Rincebook comme journal intime fixant un langage esthétique singulier où dessins, archives et photos s’affichent. Une petite histoire de crevage de points noirs, de quête d’amants potentiels et/ou d’exercices de rapidité linguistique sans ponctuation... Mensonges, commentaires, publications, isolement et pathétisme avoués témoignent du Dark side of Facebook.

Stéfanie Tremblay vit et travaille à Saguenay. Après des études de premier cycle à l’Université du Québec à Chicoutimi, elle obtient un baccalauréat en arts visuels et cinéma (2006). Elle a également complété sa maîtrise en arts, volet création (2009). Dans son travail de recherche, elle aborde des réflexions auto-dérisoires sur son quotidien, s’engageant à faire de sa vie personnelle une trame narrative l’inspirant pour ses projets de création artistique autonomes, orientés vers divers procédés numériques et teintés par l’écriture et le rock. Constamment mise en scène, l’artiste conserve l’ambiguïté sur la nature de son personnage, ne sachant même plus elle-même s’il s’agit de fictions ou de véritables actualités intimes.

Ses œuvres ont été présentées lors d’expositions individuelles à Toqué Rouge ainsi qu’au Lobe (Chicoutimi) dans le contexte de la longue résidence d’été (2007). Son dernier projet Les longs jeux a été présenté à Espace Virtuel (Chicoutimi) en hiver 2009. Son travail vidéographique a été diffusé lors d’expositions collectives (L’œuvre de l’Autre, Chicoutimi) et lors du festival Vidéastes Recherchés (Québec). Rincebook est sa première réalisation sous forme de cahier d’artiste.

Pour commander :

Stéfanie Tremblay
rincebook, 30 jours jamais hors ligne
68 pages, texte en français seulement, 6 1/2 X 9 1/2 po.
ISBN 978-2-923612-23-2 2010
Prix: 20.00$ + Transport au Canada 3.00 + tps 1.15 + tvq 0.24 = Total: $24.39

Giorgia Volpe

2010-11-16T13:32:00.001-05:00

Giorgia Volpe
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Ma pratique se nourrit de gestes et d’objets issus de l’univers domestique. Elle me conduit à des expérimentations polymorphes : projets in situ, installation vidéo, photographie et dessin. Pour réaliser mes œuvres, je convoque régulièrement des techniques artisanales traditionnelles comme le tressage, la broderie, le tricot, la vannerie, la courtepointe, la cartographie, etc. À travers la métaphore du textile, j’accumule dans le quotidien des gestes porteurs de mémoire pour en faire un lieu de passage entre un espace réel et imaginaire.

Née à Sao Paulo (Brésil), Giorgia Volpe, artiste en arts visuels et médiatiques, vit et travaille à Québec depuis 1998. Son travail a été présenté au Brésil, au Canada, aux États-Unis, au Mexique, à Cuba et en Europe. Elle a participé à l’exposition C’est arrivé près de chez vous, L’art actuel à Québec, au Musée National des Beaux-Arts du Québec. Elle a réalisé de nombreuses expositions individuelles et collectives, des projets de résidence ainsi que des interventions publiques: entre autres au Symposium International de Gravure et d’Image (Edmonton), au Centre Vu, à la Chambre Blanche, au Lieu, à la Bande Vidéo, à Engramme, à la Manif d'art (Québec), à Praxis (St-Thérèse), au 3e Impérial (Granby), à Dare-Dare, à Paysage Éphémère, à la Fonderie Darling (Montréal), à l'Espace F (Matane), à Vaste et Vague (Carleton). Ses œuvres font partie de plusieurs collections d’art contemporain au Brésil et au Canada.

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Giorgia Volpe
Artist in Residence

My artistic approach is inspired by the gestures and items that go to make up domestic, household reality. This leads me to engage in polymorphous experimentation through in situ installations, photography and drawing. To create my work, I regularly make use of techniques derived from traditional crafts such as weaving, embroidery, knitting, wickerwork, quilting, card making, etc. Using fabric as metaphor, I assemble those gestures from daily household life which are rich with memory, creating a passageway between a real and imaginary space .

Born in Sao Paulo, Brazil, Giorgia Volpe has been living and working in Quebec since 1998 as an artist in the visual and media arts. Her work has been presented in Brazil, Canada, the United States, Mexico, Cuba and Europe. She participated in the C’est arrivé près de chez vous, L’art actuel à Québec exhibition presented at the Musée National des Beaux-Arts du Québec. She has been featured in numerous solo and group exhibitions and participated in residency projects and public debates in such venues as the International Symposium on Printmaking and Images in Edmonton, the Centre Vu, La Chambre Blanche, the Lieu, La Bande Vidéo, Engramme, the Manif d'art (Quebec), Praxis (St-Thérèse), the 3e Impérial (Granby), Dare-Dare, Paysage Éphémère, the Darling Foundry (Montreal), Espace F (Matane), Vaste et Vague (Carleton). Her work is has been included in several contemporary art collections in Brazil and Canada.

LANCEMENTde ces trois PUBLICATIONS

2010-11-15T11:40:00.005-05:00

Éditées par le Centre SAGAMIE

À la Librairie LE PORT DE TÊTE
262, Est Mont-Royal, Montréal, 514 678-9566

Ce vendredi 19 novembre 2010 à 17h

Josée PELLERIN, Être là
Dgino CANTIN et Charles GUILBERT, Les Bûcherons de l'impossible
Lucie DUVAL, Histoires à tirer par les oreilles

Josée PELLERIN, Être là
Auteurs: Jean-François Caron et Johanne Jarry
Que de fois avons-nous fait l’expérience d’une ville réelle par le biais de la fiction et ce, bien avant de s’y trouver? De quelle manière le cinéma médiatise-t-il la ville et de quelle nature est l’expérience réelle que nous en faisons? De telles stimulations de l’imaginaire ne finissent-elles pas par altérer notre regard porté sur le monde environnant? Les deux séries photographiques Défilé et Si par une nuit d’hiver présentées dans Être là portent sur cette exploration des villes réelles et fantasmées.

Titulaire d’une maîtrise en arts visuels et d’une formation en multimédia, les œuvres de Josée Pellerin furent présentées lors d’événements au Québec, au Canada, aux États-Unis, en France et au Mexique. En 2005, elle effectuait une résidence d’artiste à Buenos Aires, Argentine et suite à ce séjour, elle publiait aux Éditions J’ai Vu, un livre d’artiste intitulé Heureusement qu’il y avait le monde autour de moi. Être là s’inscrit dans le prolongement thématique de cette première parution. L’artiste remercie le Conseil des Arts et des Lettres du Québec pour son appui financier

Josée Pellerin, Être là / Being there
Auteurs: Jean-François Caron et Johanne Jarry
82 pages, texte intégral en français et en anglais, 9 X 6 3/4 po.
82 pages, full text in French and English, 9 X 6 3/4 in.
978-2-923612-18-8 2010
Prix: 20.00$ + Transport au Canada 3.00 + tps 1.15 + tvq 0.24 = Total: $24.39

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Dgino CANTIN et Charles GUILBERT, Les Bûcherons de l'impossible
Que vois-tu en secret? Aimes-tu marcher avec un lacet détaché? Est-ce que tu te trouves assez nu quand tu es nu? De quelle manière regardes-tu la mer? Aimes-tu dessiner des mains qui dessinent? Qui n’es-tu pas? Voilà quelques questions posées dans Les bûcherons de l’impossible. Avant tout, ce projet est celui d’une rencontre fabriquée de toutes pièces à l’aide de mots, de crayons, d’encre et de pixels. Se connaissant très peu mais ayant envie de mener un projet commun, Dgino Cantin et Charles Guilbert eurent l’idée d’un livre de questions potentiellement indiscrètes auxquelles tous deux devraient répondre par un texte et un dessin. Ici la connaissance de l’autre ne se fait pas de manière intrusive, mais plutôt de guingois, dans un registre métaphorique. Les confidences se font et les identités se révèlent dans un indispensable détour par l’imaginaire.

CHARLES GUILBERT écrit, dessine, filme et chante. Intéressé par le quotidien et par les rapports humains, il cherche à saisir l’étrangeté du réel à travers le langage. Il a notamment publié Les Inquiets (récit) aux Herbes rouges et Le beau voyage éducatif (journal) aux éditions Dazibao. En 2004, il recevait, pour l’ensemble de son travail en vidéo avec Serge Murphy, le prix Bell Canada décerné par le Conseil des Arts du Canada. Ses œuvres ont été présentées dans plusieurs pays d’Europe, au Japon, au Mexique, au Canada et au Québec, notamment au Musée d’art contemporain de Montréal, à la Biennale de Montréal et à la Manif d’art de Québec.

DGINO CANTIN dessine, photographie, numérise et assemble des objets. Il s’intéresse aux zones de flottement poétique qui peuvent naître de différentes associations. Pour sa première exposition, Pour la suite des choses, il reçoit le prix Videre Relève (prix d’excellence des arts et de la culture de la ville de Québec). Il participe ensuite à des résidences de création au Québec et en France. Ses installations ont été présentées lors d’évènements collectifs et d’expositions individuelles, notamment chez VU, à Caravansérail, à la biennale d’art contemporain Itinéraires ainsi qu’à la Manif d’art de Québec.

Les Bûcherons de l’impossible
Artistes et auteurs: Dgino Cantin et Charles Guilbert
Livre d’artiste, textes en français seulement
120 pages, 8 X 9.5 po.
ISBN 978-2-923612-20-1 2010
Prix: 25.00 + Transport au Canada 3.25 + tps 1.41 + tvq 0.26 = Total: $29.92

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Lucie DUVAL, Histoires à tirer par les oreilles
Ce projet de livre s’est développé autour d’un objet usuel suscitant chez moi diverses réflexions. Gants pour travailleurs " made in China " retrouvés en paquets dans toutes les quincailleries. Mondialisation oblige, tout se fabrique à moindre coût en Chine au détriment des travailleurs d’ici. L’objet devient contradictoire : gants de travailleurs (faits en Chine) versus chômeurs d’ici.

Ces cent cinquante lapins ont été fabriqués au rythme d’environ un par jour. En plus de ce qui a été écrit sur ma motivation, une chose nouvelle est apparue. Inconsciemment, le lapin fabriqué tel jour révèle quelque chose de mon état à ce moment, de mon regard sur le monde. Journal de bord.

Cette publication n’est pas un catalogue, mais un objet où les images et les mots vont s’entrecroiser, non sans chocs, où un soin particulier est apporté à la façon de " donner à voir ". Ne jamais oublier que ces lapins sont en quelque sorte des mutilés. Sous une première apparence candide, naïve et doucereuse, il a fallu couper des doigts (ceux des gants), coudre, raccommoder (ce qui est non sans rappeler certaines conditions de travail dans les manufactures).

LUCIE DUVAL est une artiste en arts visuels. Depuis de nombreuses années, son travail s’articule autour d’une interférence entre ce qui est lu et ce qui est vu, un parcours où les mots se jouent des objets et des images. Elle est née à Mont-Laurier, vit et travaille au Québec. Elle a étudié à l’École des beaux-arts de Toulouse et a obtenu, en 1983, le Diplôme national supérieur d’expression plastique (DNSEP). Elle a exposé régulièrement en Amérique du Nord, en Europe et en Asie. Ses œuvres font partie de la collection de prêts d’œuvres d’art du Conseil des Arts du Canada et du Musée national des beaux-arts du Québec. Elle est représentée par la galerie Isabelle Gounod à Paris. C’est la première fois qu’elle manipule le livre en tant qu’objet d’art.

Lucie Duval, Histoires à tirer par les oreilles
170 pages, 6 3/4X 8 3/4po.
English translation of the titles at the end of the book
ISBN 978-2-923612-19-5 2010
Prix: 30.00$ + Transport au Canada 5.00 + tps 1.75 + tvq 0.39 = Total: $37.14

15ième CHRONIQUE NUMÉRIQUE

2010-11-08T10:23:00.000-05:00

Actuellement en kiosque:

15ième CHRONIQUE NUMÉRIQUE

à lire dans le magazine Art Le Sabord numéro 87.

Cette chronique de Barbara Garant intitulée Ne veulent pas dormir,présente le travail de trois artistes ayant réalisé une résidence de création au Centre SAGAMIE:

Dgino Cantin, Jean-Jacques Ringuette et Lucie Duval

Les CHRONIQUES NUMÉRIQUES sont issues d’une collaboration étroite entre le Centre SAGAMIE et les Éditions d’art Le SABORD. Ainsi, à chaque numéro du magazine Art Le SABORD, un auteur est invité à présenter le travail de trois artistes ayant réalisé une résidence de création au Centre SAGAMIE. Ce partenariat de publication permet la diffusion et la documentation de l’art actuel tout en favorisant sa compréhension auprès d’un vaste lectorat.

Situé à Alma au Lac-Saint-Jean, SAGAMIE est un centre de recherche, de création et de production ouvert à l’ensemble des artistes dont le champ de pratique est lié aux enjeux de l’image contemporaine. SAGAMIE est particulièrement reconnu pour son expertise d’accueil d’artistes en résidence de création/production, ses activités d’édition et de diffusion. Le centre se spécialise dans le traitement numérique de l’image et l’impression numérique grand format dans un contexte de recherche en art actuel.

Grâce au soutien du Conseil des arts et des lettres du Québec, du Conseil des arts du Canada et de la Ville d’Alma, le Centre SAGAMIE offre l’un des plus importants programmes d’artistes en résidence au Canada en accueillant annuellement plus de 40 artistes du Québec, du Canada et de l’étranger. Ces résidences de création visent à soutenir proactivement les artistes dans le développement de nouvelles œuvres, la production de projets artistiques innovants et intégrateurs des outils numériques de production au large spectre de leurs pratiques en art actuel. Les artistes sont accueillis pour des séjours intensifs de création et sont soutenus dans leurs explorations, avec expertise et sensibilité, par une équipe spécialisée de techniciens/artistes, dans un vaste laboratoire informatique comprenant quatre imprimantes numériques grand format.

Pour commander ce numéro ou pour vous abonner au magazine Art Le SABORD :
(819) 375-6223 art@lesabord.qc.ca http://www.lesabord.qc.ca

Ana Rewakowicz

2010-10-27T19:09:00.000-04:00

Ana Rewakowicz
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Ana Rewakowicz est une artiste multidisciplinaire née en Pologne et vivant présentement à Montréal. Elle détient un Baccalauréat en Arts Plastiques (BFA) du Ontario College of Art and Design de Toronto et une Maîtrise en Arts Plastiques (MFA) de l'Université Concordia de Montréal. Elle travaille à partir d'éléments gonflables, habitacles ou vêtements qu'elle assimile à une "architecture" dite "portable" et explore les relations entre le corps, la temporalité et l'environnement. Relevant de plusieurs disciplines comme l'invention, le design, l'architecture et la performance, son art a été largement diffusé à l'échelle nationale et internationale. Ses plus récentes expositions incluent notamment, le Centre d'art contemporain CSW Laznia, de Gdansk en Pologne (2010), le Pori Art Museum de Finlande (2010), la Maison européenne de la photographie de Paris (2009), l'événement Freeze, d'Anchorage en Alaska aux États-Unis (2009), la Biennale de Liverpool au Royaume-Unis (2008), l'événement Stiftensen 3,14 de Bergen, en Norvège (2008), Manif d'art 4 - La biennale en arts actuel de Québec, Canada (2008), Waino Aaltosen Museo, Turku, Finland (2007), la Kunstverein Wolfsburg, Allemagne (2006), le Musée d'art contemporain de Montréal, Canada (2005) et ISEA 2004, le 12e symposium international d'art électronique de Tallinn en Estonie.

Ayant fait l'expérience de passer d'une culture à une autre, avec ce que cela comporte en termes d'adaptations linguistiques et sociales, je m'intéresse la notion d'état transitoire, et aux liens entre cet état et les questions d'identité et de sentiment d'appartenance, et le fait de vivre dans une société à développements globaux et technologiques. Depuis dix ans, j'explore ces questions au moyen d'objets gonflables qui épousent la forme de vêtements et d'habitations. Contrastant avec le caractère stable et massif de l'architecture et de la sculpture monumentale, mes costumes et mes structures sont mobiles, remplis d'air et réceptifs aux lieux et aux individus qui les activent. Me servant de matériaux tel le caoutchouc latex, le polyvinyle, le polyuréthane, le papier d'aluminium réversible, du tissu, des ventilateurs et des panneaux solaires, j'ai recours à la technologie pour créer des expériences intimes, mais paradoxalement publiques, qui sont formellement inspirées de leur fonction et de l'idée du parcours du nomade contemporain du déraciné.

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Ana Rewakowicz
Artist in Residence

Ana Rewakowicz is a multidisciplinary artist born in Poland, currently living in Montréal. She received her BFA (Bachelor of Fine Art) from Ontario College of Art and Design, Toronto and MFA (Master of Fine Art) from Concordia University, Montréal. She works with inflatables and explores relations between temporal, portable architecture, the body and the environment. Her art crosses into many disciplines including invention, design, architecture and performance and has been shown nationally and internationally. Her most recent exhibitions include: CSW Laznia, Gdansk, Poland (2010), Pori Art Museum, Finland (2010), La Maison Europénne de la Photographie, Paris, France (2009), FREEZE, Anchorage, Alaska, US (2009), Liverpool Biennial, UK (2008), Stiftensen 3,14, Bergen, Norway (2008), Manif d'art 4 Biennal, Québec, Canada (2008), Waino Aaltosen Museo, Turku, Finland (2007), Kunstverein Wolfsburg, Germany (2006), Musée d'art contemporain de Montréal, Canada (2005) and ISEA 2004 Tallinn, Estonia.

Having moved from one culture to another and lived through cultural and language adaptations, I am interested in the issue of transience and how it relates to the notions of identity, belonging, and living in a society of global and technological developments. Over the last ten years I have been working with inflatable objects exploring these concerns through clothing and habitation. In contrast to the stable mass of monumental sculpture and architecture, my costumes and structures are air-filled, mobile and concerned with places and people that activate them. Incorporating materials such as rubber latex, polyvinyl, polyurethane, reversible foil, fabric, fans and solar panels, I harness technology to build intimate yet paradoxically public experiences, and fashion them based on function and the idea of travel of the contemporary nomad and the displaced.

Noémie Payant-Hébert

2010-10-22T14:59:00.003-04:00

Noémie Payant-Hébert
RUNNING RABBITS : CHANTIER D’AVENIR
English follows

VERNISSAGE
le jeudi 28 octobre à 17h00
EXPOSITION du 28 octobre au 16 décembre 2010

L’installation filmique Running Rabbits : Chantier d’avenir s’applique à concilier les discours et langages propres au cinéma, à la vidéo et à l’installation et cherche à incarner l’insaisissable fiction cinématographique. Inspirée des univers du chantier forestier et du lot à bois comme trame d'un drame en suspend, l'œuvre constitue ainsi une tentative de leur donner un relief cinématographique, hors-cadre.

Intéressée par la notion de projection d’images animées comme façon de créer ou de proposer la fiction dans des réalités matérielles, Noémie Payant-Hébert utilise dans cette œuvre le son et la vidéo notamment sous l’angle du paysage numérique et de l’habillage sonore.

Chantier d'avenir, nos forêts sont bâties et démolies, malgré tout, il s'agira toujours de combler et d'évacuer des ambitions rageuses de changement, des craintes de solitude, des envies de découverte, et des besoins d'appartenance.

Ce projet fait suite à une résidence de création au centre de production Daïmon et est réalisé avec le soutien du Conseil des arts et lettres du Québec.

Noémie Payant-Hébert détient une maîtrise en arts orientée vers la vidéo, l’installation et le décor et un baccalauréat en cinéma et vidéo de l’Université du Québec à Chicoutimi. Intéressée à développer la notion de cinéma gris, elle cherche par sa pratique une conciliation possible entre les langages filmiques et plastiques. Son travail a été présenté lors d’expositions solo et collectives notamment au Québec et dans divers festivals consacrés aux courts-métrages (Festival Regard sur le court métrage au Saguenay, Vidéastes Recherchés et l’EICV Montréal) elle est aussi l’une des 4 membres actifs et fondateurs du collectif d’artistes Cédule 40 (La Glissoire,Alma 2010, Biennale d’art ORANGE de St-hyacinthe 2009, Centre Sagamie, Alma 2010, Québec 400e,2008, Festival international de Jardins de Métis, 2006-2010). Travaillant aussi en décors et accessoires, elle a participé à diverses productions cinématographiques et télévisuelles: "Trajectoires" (Geneviève Poulette, Montréal 2007), "Fumée sans feu" (Roger Laliberté, Saguenay 2006), "Rumeurs" et "Un monde à part" (2005, Sphère Média Montréal).

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Noémie Payant-Hébert
RUNNING RABBITS : CHANTIER D’AVENIR
English follows

Opening
Thursday, October 28, 5 p.m.
Exhibition October 28 - December 16, 2010

The film installation Running Rabbits: Chantier d’avenir is an attempt to reconcile the dialogues and languages of film, video and installation and to give shape to the elusive quality of cinematographic fiction. The work presents an apparently suspended drama based on the realities of the logging camp and wood lot, which are endowed with a cinematographic dimension extending beyond the frame.

Driven by a keen interest in creating or suggesting fictitious narratives through the projection of animated images upon material objects, Noémie Payant-Hébert employs sound and video in this work, particularly through the use of digital landscapes and music loops.

Ongoing worksites, our forests are raised up and cut down, an activity which will remain tied to the satisfaction and exhaustion of raging ambition for change, fear of solitude, thirst for discovery and need to belong.

The present project was completed during a creative residency at the Daïmon production center and with the support of the Conseil des arts et lettres du Québec.

Noémie Payant-Hébert completed a Master's degree in art, with a special focus on video, installation and set design, and a bachelor's degree in film and video at the Université du Québec à Chicoutimi. Interested In developing the concept of "cinema gris", she attempts to reconcile, through her work, the different languages of film and plastic art. Her work has been featured in solo and group exhibitions, most notably In Quebec and short film festivals (Festival Regard sur le court métrage au Saguenay, Vidéastes Recherchés and EICV Montréal). She Is also one of the four active and founding members of the artists' collective Cédule 40 (La Glissoire,Alma 2010, Biennale d’art ORANGE In St-Hyacinthe 2009, Centre Sagamie, Alma 2010, Quebec 400e,2008, Festival international de Jardins de Métis, 2006-2010). Also working in set design and accessories, she has participated in numerous film and television productions: "Trajectoires" (Geneviève Poulette, Montreal 2007), "Fumée sans feu" (Roger Laliberté, Saguenay 2006), "Rumeurs" and "Un monde à part" (2005, Sphère Média Montreal).

Alexandre Payer

2010-10-18T17:48:00.001-04:00

Alexandre Payer
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Historique
Le travail d’Alexandre Payer, artiste multidisciplinaire diplômé en arts visuels de l’Université du Québec à Montréal (2009), récipiendaire de plusieurs prix académiques, surprend par son humilité et son ingéniosité quand au détournement du matériau. Par la charge théorique qu’il infuse dans ses pièces non sans un brin d’humour, il invite le public à participer à l’échafaudage d’une pseudo-science, à la production de vérités inattendues. Ses récents projets gravitent autour d’initiatives indépendantes de laboratoires d’échanges entre artistes comme Produire et expirer : La vie dans le praxiodrôme présenté à l’espace polyvalent de La Baraque à Montréal (2009), ou encore d’ateliers de création ouverts au public comme Artnivores, la dernière Biennale de sculpture de St-Jean-Port-Joli (2010).

Approche artistique
Essentiellement transdisciplinaire, l’œuvre d’Alexandre Payer s’oriente autour de la transformation ou le déplacement d’objets et d’infrastructures courantes afin de mettre de l’avant leur faculté à évoquer une métaphore plutôt que leur usage. Les altérations sont toujours effectuées avec transparence afin de montrer que celles-ci ne relève pas de la tromperie ou du leurre, mais représentent plutôt des tentatives d’entrer humblement en dialogue avec la culture. En passant ainsi par l’installation pour tester certains concepts culturels l’artiste les revisite, rouvrant la discussion sur leur véritable nature et fonction, débat auquel tous peuvent ensuite participer.

À chaque nouvelle entreprise, ce jeune artiste se confronte volontairement à une discipline ou un lieu différent dont il doit manipuler les ressources afin d’en révéler les modalités insoupçonnées, la portée symbolique cachée. Son travail devient alors celui metteur en scène qui réorchestre les éléments qu’on lui donne afin de produire du sens, de souligner les forces et les tensions du système dans lequel il est appelé à évoluer.

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Alexandre Payer
Artist in Residence

Background
Alexandre Payer is a multidisciplinary artist with a degree in visual arts from the Université du Québec à Montréal (2009) and his work, which has garnered numerous academic awards, is a surprising blend of humility and ingenuity in its novel use of materials. Through the often humorous introduction of a theoretical component in his work, he invites the viewing public to participate in the elaboration of a pseudo-science and the uncovering of unexpected truths. His most recent projects, such as Produire et expirer : La vie dans le praxiodrôme, presented at the multi-purpose locale of La Baraque in Montreal (2009), have revolved around independent work undertaken in artistic exchange workshops or creative workshops open to the public, such as in Artnivores, the last Biennale de sculpture in St-Jean-Port-Joli (2010).

Artist’s Statement
Alexandre Payer’s work is essentially trans-disciplinary and seeks to transform and shift current objects and infrastructures and reveal their ability to evoke metaphor rather than use. The transformations are always presented in a transparent manner to show that they are not based on trickery or deception but are rather representations of a humble attempt to establish a dialogue with the culture. Using the installation to examine certain cultural concepts, the artist then revisits them, reopening the debate on their true nature and function, a debate which everyone can participate in.

With each new undertaking, this young artist willingly confronts a new discipline or space whose resources he must then manipulate in such a way as to bring to light their unsuspected modalities and hidden symbolic significance. His role becomes that of the director who rearranges the elements at hand in order to imbue them with meaning and expose the forces and tensions contained in the system within which he operates.

Claire Beaulieu

2010-10-15T16:25:00.000-04:00

Claire Beaulieu
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Engagée dans une démarche multidisciplinaire en peinture, sculpture et installation, elle crée des espaces narratifs inspirés par la biologie, la botanique, l’astronomie, le sacré et le profane. Ces dernières œuvres sont investies des problématiques liées à l’utilisation du verre et sa mise en lumière. La figure humaine est traitée comme une icône archétypale. Les codes sociaux ou religieux sont revisités pour laisser place à une réflexion sur notre humanité. Dans cet espace, une perle de verre peut être perçue comme élément d’un collier, un atome, une cellule, un astre, un lieu de rencontre, une marque du temps qui passe… Ces différentes échelles visuelles se confondent pour créer un espace qui magnifie et transforme le réel, un espace métaphorique et poétique.

Son travail a fait l’objet de plusieurs expositions solos au Québec, au Canada et à l’étranger, dernièrement à Chicago, San Francisco et au Roswell Museum au Nouveau-Mexique. Elle a aussi présenté son travail dans le cadre d’expositions duos et de groupes, entre autres à New York, Mexico, Paris, Bâle, Montréal.

Claire Beaulieu détient une maîtrise en Arts plastiques de l’Université du Québec à Montréal. Elle a fait plusieurs stages de perfectionnement en France, aux États-Unis et au Mexique. Boursière à maintes reprises du Conseil des arts et lettres du Québec et du Conseil des arts du Canada, elle a aussi été sélectionnée pour participer à plusieurs résidences d'artistes internationales, dont la prestigieuse Villa Montalvo, en Californie et a occupé pendant un an le studio du Québec à Bâle, en Suisse.

L’artiste a réalisé des oeuvres dans le cadre de la politique québécoise du 1% pour l’art public. Son travail a fait l’objet de plusieurs publications dont récemment, 25th years of New glass Review, publié par le Corning Museum of Glass (état de New York). Ses oeuvres font partie de plusieurs collections publiques et privées au Canada et à l’étranger.

Originaire d’Arvida, elle vit et travaille à Montréal. En plus d’enseigner au Cegep du Vieux Montréal depuis 1996, elle a enseigné au Cegep André-Laurendeau, à l’Université du Québec à Hull et à l’Université de Montréal.

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Claire Beaulieu
Artist in Residence

Employing a multidisciplinary approach which combines painting, sculpture and installation, she creates narrative spaces inspired by biology, botany, astronomy, the sacred and the profane. These last works confront the challenges of working with glass and its response to light. The human form is treated as an archetypical icon. Fresh reflections on our humanity ensue from a reexamination of social or religious codes. Within this space, a glass pearl may be variously perceived as part of a necklace an atom, a cell, a star, a point of confluence, an indication of the passing of time… These different visual levels combine to create a space which magnifies and transforms what is real, a space of metaphor and poetry.

Her work has been featured in several solo exhibitions in Quebec, Canada and abroad, most recently in Chicago, San Francisco, and at the Roswell Museum in New Mexico. She has also presented her work as part of group exhibitions in cities such as New York, Mexico City, Paris, Basle, and Montreal.

Claire Beaulieu completed a Master’s degree in visual arts at the Université du Québec à Montréal. She went on to perfect her craft in France, the United States and Mexico. She has been the recipient of grants from the Conseil des arts et lettres du Québec and the Canada Council for the Arts and was selected to participate in several international artist residencies, including the prestigious Villa Montalvo in California and the Quebec studio in Basle, Switzerland.

This artist’s work has been featured as part of the Quebec 1% for public art initiative and has appeared in numerous publications, most recently the 25 Years of New Glass Review, published by the Corning Museum of Glass in New York state. Her work is also included in public and private collections in Canada and abroad.

Originally from Arvida, she now lives and works in Montreal. She has been teaching at the Cegep du Vieux Montréal since 1996, and has also taught at the Cegep André-Laurendeau, the Université du Québec à Hull and the Université de Montréal.

CORINE LEMIEUX

2010-10-13T16:00:00.014-04:00

CORINE LEMIEUX
en cours de route
Anne-Marie Ninacs, auteure

LANCEMENTde la PUBLICATION
Éditée par le Centre SAGAMIE

Ce jeudi 14 octobre 2010 à 17h00
À la Galerie JOYCE YAHOUDA Gallery
372, rue Sainte-Catherine Ouest #516, Montréal, 514 875-2323

Exposition 14 octobre - 11 décembre 2010
Exhibition October 14-December 11, 2010

English follows
Dans sa pratique photographique, Corine Lemieux choisit de composer avec les situations telles qu’elles se présentent à elle lors de rencontres ou d’activités de la vie courante. Elle produit des séries qui interrogent la complexité des relations humaines (séries accolades, liens, réunions, portraits, croisements, liaisons), le caractère insaisissable des phénomènes (séries obstacles, flous, hors-champs, reflets, ombres, lumière), les transitions et les morts (séries cadavres, blessures, natures mortes, offrandes), les lieux avec lesquels nous cohabitons (séries environnements, ambiances, maison, atelier) et encore une série de mots trouvés qui nomment en quelque sorte toutes ces réalités. Ce sont ces séries ouvertes, dont les premières images ont été prises en 2001, qui constituent l’ensemble en cours de route.

La pratique artistique de Corine Lemieux s’articule essentiellement autour des notions de transformation, d’interaction et d’échange. Elle explore le caractère composite et mouvant de l’identité. Ses sculptures, dessins et photographies sont une invitation à considérer les perpétuelles transformations qui affectent les diverses matières ou relations interpersonnelles.

Biographie
Née à Montréal en 1973, Corine Lemieux est une artiste pluridisciplinaire qui vit et travaille è Montréal. Elle détient un Baccalauréat en arts visuels de l’Université du Québec à Montréal. Son travail a été présenté dans plusieurs lieux de diffusion au Québec, au Canada et en Italie. Elle a exposé notamment à Skol (Montréal, 1998), à la Galerie Clark (Montréal, 1999), à l’Œil de Poisson (Québec, 1999), à l’Espace Virtuel (Chicoutimi, 2001), à la Galerie 101 (Ottawa, 2002), à Optica (Montréal, 2003) et à la Galerie Joyce Yahouda (Montréal, 2006). En 2002, elle a participé à l'exposition Amériche présentée à Milan en Italie, à La Fabbrica Del Vapore. Parallèlement à sa pratique individuelle, Corine Lemieux a formé, de 2004 à 2009, le collectif VIA avec les artistes Sylvie Cotton et Massimo Guerrera; ensemble, ils ont entre autres participé au Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul (2007) et à l’État d’urgence organisé par l’ATSA (2008).

Corine Lemieux remercie le Centre SAGAMIE et Anne-Marie Ninacs
Le livre en cours de route est publié par le Centre SAGAMIE
Avec des textes de Corine Lemieux et Anne-Marie Ninacs

Pour commander / To order:

Corine Lemieux en cours de route
Auteurs: Corine Lemieux et Anne-Marie Ninacs
128 pages, texte intégral en français et en anglais, 11X7po.
128 pages, full text in French and English, 11X7in.
ISBN 978-2-923612-21-8 2010
Prix: 30.00$ + Transport au Canada 5.00 + tps 1.75 + tvq 0.39 = Total: $37.14

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CORINE LEMIEUX en cours de route
Anne-Marie Ninacs, author
Published by Centre SAGAMIE

Opening and book launch
Thursday, October 14, 2010, 5pm

at JOYCE YAHOUDA Gallery
372, Sainte-Catherine street, West #516, Montreal, 514 875-2323
Exhibition October 14-December 11, 2010

In her photography, Corine Lemieux chooses to make do solely with what already exists, with situations as they occur in daily encounters or activities. She produces series, always linked to questions of the complexity of human relationships (accolades, links, gatherings, portraits, liaisons), the ungraspable nature of phenomena (obstacles, blurs, out-of-focus, reflections, shadows, light), transition and death (corpses, wounds, still lifes, offerings), the space we cohabit (environments, ambiances, house, studio) and finally a series of found words that in a certain way name all these realities. These are the open-ended series, begun in 2001, that constitute the along the way ensemble.

Lemieux’s artistic practice focuses on notions of transformation, interaction and exchange. She explores the composite, moving characters of identity. Her sculptures, drawings and photographs invite the viewer to consider the perpetual transformations affecting materials and interpersonal relationships.

Biography
Born in 1973, Corine Lemieux is a multidisciplinary artist living and working in Montreal. She studied in the Université du Québec à Montréal. Corine Lemieux’s work has been exhibited throughout Quebec, Canada and Italy, notably at Skol (Montreal, 1998), Clark Gallery (Montreal, 1999), l’ Œil de Poisson (Quebec City, 1999), l’Espace Virtuel (Chicoutimi, 2001), Gallery 101 (Ottawa, 2002), Optica (Montreal, 2003) and Joyce Yahouda Gallery (Montreal, 2006). In 2002, she participated in the Amériche exhibition presented in Milan, Italy, at La Fabbrica Del Vapore. She formed with the artists Massimo Guerrera and Sylvie Cotton the collective VIA from 2004 to 2009. VIA participated in events that included the International Symposium of Contemporary Art in Baie-Saint-Paul (2007) and L’État d’urgence, organized by ATSA (2008).

Corine Lemieux wishes to thank Centre SAGAMIE et Anne-Marie Ninacs
The book en cours de route is published by Centre SAGAMIE
With texts of Corine Lemieux and Anne-Marie Ninacs

Pour commander / To order:

Corine Lemieux en cours de route
Auteurs: Corine Lemieux et Anne-Marie Ninacs
128 pages, texte intégral en français et en anglais, 11X7po.
128 pages, full text in French and English, 11X7in.
ISBN 978-2-923612-21-8 2010
Prix: 30.00$ + Transport au Canada 5.00 + tps 1.75 + tvq 0.39 = Total: $37.14

AUDE MOREAU

2010-10-12T14:40:00.002-04:00

AUDE MOREAU
LANCEMENTde la PUBLICATION Le fil d’Ariane
Éditée par le Centre SAGAMIE

Jeudi 14 octobre 2010 à 19h00

Au Centre CLARK
5455, avenue De Gaspé, local 114
514.288.4972

La publication Le fil d’Ariane éditée au Centre SAGAMIE d'Alma, retrace le parcours d’une intervention d’Aude Moreau qui a commencé en 2000 entre les murs de la Centrale, galerie Powerhouse, à Montréal, et a pris fin en 2002, quelque part entre Venise et Héraklion. À travers les fragments photographiques et textuels documentant ce double parcours, le livre ferme la boucle sur l’ensemble du processus en publiant la version inédite du voyage. Il est accompagné d’un texte de Bernard Schütze qui situe l’ensemble du processus de disparition au coeur du dénouement de l’action de l’artiste.

Aude Moreau a présenté ses projets au Québec, en France, aux Etats-Unis et au Luxembourg. Ses plus récentes expositions individuelles ont eu lieu au centre d’exposition Plein sud (2010), au Casino Luxembourg forum d’art contemporain (2009) et à la Fonderie Darling (2008). Elle a également fait partie des expositions collectives : Art souterrain - Nuit blanche de Montréal (2010), La Biennale Nationale de Sculpture Contemporaine de Trois-Rivières (2010) et Orange événement d’art actuel de Saint-Hyacinthe (2006). Ses oeuvres font partie de la Collection Prêt d’œuvres d’art du Musée national des Beaux-arts du Québec (acquisition 2008) et de la Banque d’œuvres d’art du Canada (acquisition 2009). Elle a reçu à plusieurs reprises le soutien du Conseil des Arts et des Lettres du Québec et du Conseil des Arts du Canada. Des comptes rendus critiques sur sa pratique ont été publiés dans les revues Esse, Espace sculpture, Art el sabord. Aude Moreau vit et travaille à Montréal.

Pour commander / To order:

AUDE MOREAU, Le fil d’Ariane
ISBN 978-2-923612-05-8 2010
Auteur: Bernard Schütze
120 pages, texte intégral en français et en anglais (full text in French and English)
Prix: 25.00 + Transport au Canada 3.25 + tps 1.41 + tvq 0.26 = Total: $29.92

Prix spécial sur place le soir du lancement : 20.00$

Eric Sauvé

2010-10-05T10:33:00.004-04:00

Eric Sauvé

Artiste en résidence / Artist in Residence

(English follows)

Le travail d’Eric Sauvé prend souvent comme point de départ la collecte/accumulation de résidus ou d’artefacts qu’il transforme, manipule, réassemble. Pour ce projet, il prend comme matériau les tags de graffeurs qu’il a recensés dans les rues de Montréal. Toujours intéressé d’orchestrer ou d’accentuer des zones d’ambivalence, l’artiste est interpellé par le double désir d’anonymat et de renommée des graffeurs, vandales pour certains et virtuoses pour d’autres.

Dans ce projet, il traite les tags comme motif ornemental, en monochromie de blanc rappelant l’élégance restreinte des tapisseries de soie, soulignant la finesse calligraphique des signatures ainsi aseptisées.

Eric Sauvé vit à Montréal. Son travail a été exposé dans nombreuses galeries et centres d’art au Canada, en Espagne et en France. Parmi les lieux publics qu’il a investis de façon éphémère et permanente on compte le Château de Tours, France, Theatre Junction à Calgary, le Centre d’arts Orford, le Théâtre Usine C et l’Esplanade de la Place des Arts à Montréal.

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Eric Sauvé

Artist in Residence

The work of Eric Sauvé often takes as its starting point the collection and accumulation of artifacts and residual objects which he subsequently transforms, manipulates and reassembles. For the present project, he has taken as his raw material the tags of graffiti writers which he has gathered from the streets of Montreal. Always intent on orchestrating or accentuating zones of ambivalence, the artist is intrigued by the two-fold desire for anonymity and fame exhibited by graffiti artists, considered vandals by some and virtuosos by others.

In this project, he portrays tags as ornamentals motifs, in white monochrome recalling the restrained elegance of silk tapestries and revealing the subtle calligraphy of these sanitized signatures.

Eric Sauvé lives in Montreal. His work has been exhibited in numerous galleries and art centers in Canada, Spain and France and has been installed, both ephemerally and permanently, in such public spaces as the Château de Tours in France, Theatre Junction in Calgary, the Arts Center in Orford, and the Théâtre Usine C and Esplanade at Place des Arts.

Lecture publique et musique improvisée

2010-10-05T10:25:00.003-04:00

Lecture publique et musique improvisée
Le jeudi 7 octobre 2010 à 17h00
Au Centre SAGAMIE, 50 rue St-Joseph, Alma

La compagnie de théâtre Les Têtes Heureuses présente en avant-première au Centre SAGAMIE, des extraits de la pièce Soudain l’été dernier de Tennessee Williams, en compagnie de musiciens du Collèged’Alma qui improviseront une bande sonore. La pièce sera ensuite présentée du 21 octobre au 7 novembre au Petit théâtre de l’UQAC et, le 12 novembre, à l’Auditorium d’Alma.

Soudain l’été dernier est certainement un chef-d’œuvre dramatique du XXe siècle par la puissance de l’imagination, la force de la langue, la liberté de la forme et la modernité de son propos. C’est avec fierté que Les Têtes Heureuses s’attaquent à cette pièce-phare de la dramaturgie américaine. La compagnie produit du théâtre professionnel dans la région depuis 1982. Elle fait d’abord travailler des artistes d’ici, mais aussi d’ailleurs au Québec.

La Nouvelle-Orléans. Une femme, immensément riche, a perdu son fils unique. Il est mort au loin, de manière violente, l’été dernier. Que s’est-il vraiment passé? L’enquête va mettre en présence des personnages hors norme, tous saisis par une certaine folie.

Tennessee Williams fait de cette matière l’un de ses chefs-d’oeuvre, porté par une extraordinaire tension dramatique. Du coup, il fournit un portrait terrifiant de la société américaine, toujours hantée par ses mêmes démons: l’argent, le sexe, la violence, Dieu. Une tragédie authentique pour le temps présent.

Le texte français a été établi par Rodrigue Villeneuve à partir du texte original anglais et des traductions de Jean-Michel Déprats et Marie-Claire Pasquier (2010) et de Jacques Guicharnaud et Michel Arnaud (1962).

Mise en scène
Rodrigue VILLENEUVE

Comédiens
Lucille PERRON
Martin GIGUERE
Maude COURNOYER
Dominique BRETON
Éric RENALD
Dave GIRARD

Scénographie
Michel GAUTHIER
Costumes
Yasmina GIGUERE
Lumières
Alexandre NADEAU
Conception sonore
Patrice LEBLANC

Photo: Boran Richard

Bertrand R. Pitt

2010-09-29T18:21:00.001-04:00

Bertrand R. Pitt
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Bertrand R. Pitt vit et travaille à Montréal. Ses oeuvres vidéographiques ont été présentées dans près d'une quinzaine d'expositions individuelles et divers événements au Québec, au Canada, en France et en Suisse.

L’exploration de rapports inattendus entre sons et images et leur mise en espace sont au cœur de sa pratique qui tend à interroger nos habitudes perceptuelles. Avec ses œuvres Dérive, Tumultes, Rémanences et sa plus récente installation interactive Horizons incertains, où les pulsations de la ligne d'horizon sont déclenchées par l'action des participants, l'artiste interroge les rapports sensibles et cognitifs qui se tissent entre le corps et le paysage. Il prépare actuellement une nouvelle série de tableaux vidéo-interactifs intitulée Travellings qui sera présentée à La Bande Vidéo à Québec en novembre prochain et au SESC Pinheiros à São Paulo (Brésil) en avril 2011. Il présentera également une nouvelle version de son installation Horizons incertains à la Gallery 44 à Toronto en mars 2011.

Son travail a été soutenu à plusieurs occasions par le Conseil des arts et des lettres du Québec et le Conseil des arts du Canada et fait partie de la collection du Musée National des Beaux-Arts du Québec. Détenteur d'une maîtrise en arts visuels de l'UQÀM, il est également professeur au département d'arts plastiques du Collège Lionel-Groulx.

Pour plus d'informations, visitez : www.bertrandrpitt.net

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Bertrand R. Pitt
Artist in Residence

Bertrand R. Pitt lives and works in Montreal. His videographic works have been featured in nearly fifteen solo exhibitions and at various events in Quebec, Canada, France and Switzerland.

Through the exploration and spatial configuration of unexpected relationships between sounds and images, his work engages in a fundamental questioning of our perceptual habits. In works such as Drift, Tumults, Afterglow, and his most recent interactive installation, Uncertain Horizons, in which the throbbing of the horizon is triggered by the participating spectators, the artist explores cognitive and sensual connections between body and landscape. He is now working on a new series of interactive-video pictures entitled Travellings, to be shown at La Bande Vidéo in Quebec City in November and at SESC Pinheiros in São Paulo (Brazil) in April 2011. A new version of the Uncertain Horizons installation will be presented at Gallery 44 in Toronto in March 2011.

His work has received the support of the Conseil des arts et des lettres du Québec and the Canada Council for the Arts and is included in the collection of the Musée National des Beaux-Arts du Québec. He completed a Master’s degree in visual arts at the UQÀM and currently teaches in the visual arts department of the Collège Lionel-Groulx.

For more information, please visit: www.bertrandrpitt.net

Jacynthe Carrier

2010-09-14T13:55:00.001-04:00

Jacynthe Carrier
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Démarche Artistique
Ma démarche artistique se développe autour d’une pratique photographique et vidéographique. Par ces médiums de représentation, j’interroge les différentes relations du corps à l’environnement, ainsi que nos manières d’envisager et de consommer les espaces paysagers. Plus précisément, j’expérimente l’habitation de paysage ou plutôt de " lieux cicatrices " (ces paysages qui racontent le passage et la présence de l’homme). Territoires inopportuns à l’habitat, ils furent dessinés par le besoin, la productivité, la surabondance et sont désormais caractérisés par l’abandon. Le paysage, urbain ou rural, est une terre de re-création, une aire à apprivoiser. Mon travail s’intéresse à démontrer, par l’image fixe ou mouvement, différentes interventions et expérimentations d’apprivoisement du corps à ces espaces. Dans la rencontre de la mise en scène et de la performance, le corps devient un outil narratif ainsi qu’un arpenteur de ces paysages et tente de tracer un discours entre le lieu et le corps. Au sein de ces manœuvres d’habitation, le paysage façonné se défait ici de sa distance et aspire à devenir un lieu pour la rencontre, un espace d’expérimentation et de cohabitation.

Biographie
Originaire de Québec Jacynthe Carrier œuvre principalement en photographie et en vidéo. Détentrice d’un baccalauréat de l’Université de Québec à Montréal, elle poursuit présentement une Maîtrise en Arts Plastiques à l’université de Concordia. Depuis quelques années, sa démarche artistique questionne particulièrement notre façon d’occuper et d’altérer le territoire contemporain. Son travail a entre autres été présenté lors de la biennale d’Art de Québec(2008), au Centre de la photographie Vu (2009), au centre Caravansérail à Rimouski (2009) ainsi qu’à la galerie de l’UQAM (2010). En 2009 elle remporta Le Prix Videre Relève soulignant la production récente d’un artiste de la scène émergente de la région de Québec.

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Jacynthe Carrier
Artist in Residence

Artist’s Statement
My artistic approach through photography and videography is founded on an exploration of the different relationships between body and environment and of the ways we have of conceiving and consuming landscapes. More precisely, I portray the experience of inhabiting a landscape or rather the “scar zones” (those landscapes which are a testimonial to the passage and presence of man). These are areas not immediately suited to habitation but which are shaped by need, productivity and surfeit, and then subsequently abandoned. Landscape, urban or rural, is the territory of re-creation, an area that has been tamed. My work seeks to reveal, through still or moving images, the different attempts made and means used to adapt the body to these spaces. Where setting and performance meet, the body becomes the surveyor of these landscapes and a narrative tool attempting to establish a dialogue between itself and the territory. Through the sustained intent to inhabit the land, the feeling of distance is attenuated in the reshaped landscape and it becomes the ground of encounters, a place of experimentation and cohabitation.

Biography
Jacynthe Carrier is from Quebec City and works primarily in the fields of photography and videography. She obtained her Bachelor’s degree from the Université de Québec à Montréal and is presently completing a Master’s degree in fine arts at Concordia University. During the last few years, her artistic work has been an exploration of the different ways we have of occupying and altering modern-day territory. Her work has been presented at the biennale d’Art de Québec(2008), the Centre de la photographie Vu (2009), the centre Caravansérail in Rimouski (2009) and the UQAM gallery (2010). In 2009, she won the Prix Videre Relève, awarded for the recent work of a new artist in the Quebec City area.