mardi 14 décembre 2010

Nathalie Daoust

Nathalie Daoust
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Photographie: The Mao Zedong impersonator

Nathalie Daoust est née à Montréal, où elle a étudié la photographie au Cégep du Vieux-Montréal avant de se déplacer à New York pour commencer à travailler sur New York Hotel Story, son premier livre publié en solo. En 2001, elle voyage au Japon pour documenter pendant deux ans le Quartier Chaud de Tokyo. Depuis, elle a créé plusieurs nouveaux projets thématiques dont Entre Quatre Murs, Berlin; Street Kiss, Brazil et Frozen in time, Switzerland et a participé à plusieurs expositions individuelles ou collectives au Canada, aux États-Unis, en Pologne, Finlande, Espagne, Angleterre et au Japon. Ses photographies ont fait l’objet de nombreuses publications et ont gagné plusieurs prix.

Depuis mes toutes premières expériences en photographie, j’ai été fascinée par le comportement humain et ses diverses réalités, par le désir humain, toujours présent, de s’évader pour vivre dans un monde de rêve. J’explore la mince ligne entre la réalité et le fantasme, les endroits où les gens vont s’exiler de leur vie de tous les jours. Mon objectif en tant qu’artiste est de repousser les limites de la photographie en explorant des méthodes expérimentales, en travaillant de nouveaux médiums et en découvrant de nouvelles techniques.


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Nathalie Daoust

Artist in Residence

Photograph: “The Mao Zedong impersonator”

Nathalie Daoust was born in Montreal where she studied photography at the Cégep du Vieux-Montréal before moving to New York to start work on “New York Hotel Story”, her first solo book. In 2001, she traveled to Japan, spending two years documenting Tokyo`s red light district. Since then, she has completed several new thematic projects including “Entre Quatre Murs, Berlin”, “Street Kiss, Brazil” and “Frozen in Time, Switzerland” and she has been featured in various individual and collective exhibitions in Canada, the United States, Poland, Finland, Spain, England and Japan. Her photographs have appeared in numerous publications and have garnered several awards.

Ever since my first experiences in photography, I have been fascinated by human behaviour and the different realities it inhabits, and by the constant human desire to escape and live in a dream world. I explore the thin line that separates reality from fantasy, the places where people seek refuge from their everyday lives. My objective as an artist is to push the limits of photography by exploring experimental approaches, working in new mediums and discovering new techniques.

vendredi 10 décembre 2010

Noémi McComber

Noémi McComber
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Dans son travail en dessin, vidéo, photographie, interventions urbaines et performatives, Noémi McComber examine comment l'individu réagit face aux contraintes physiques et sociales qui lui sont présentées. En tenant compte des règles implicites qui sont de mise dans toute aire sociale, elle tente de reformuler l'espace potentiel que peut occuper un individu, un groupe, une entité. L'aire publique devient un terrain de jeu pour expérimenter avec les limites qui lui sont données et permettre l'émergence de nouveaux espaces poétiques. Avec plus ou moins de succès, selon les tentatives, elle tente d'impliquer le spectateur dans un monde qui est le sien mais qui est autre à la fois, un monde qu'il reconnaît mais qui le surprend, par la résurgence d'éléments intrus.

Noémi McComber a obtenu une maîtrise en arts visuels et médiatiques du Chelsea College of Art and Design (University of the Arts London) au Royaume Uni en 2002. Depuis 2000, elle poursuit différents projets artistiques en tant qu’artiste et commissaire, privilégiant une approche multidisciplinaire (dessin, vidéo, installation, performance, interventions urbaines) et collaborative. Elle a notamment présenté son travail au ICA (Institute of Contemporary Art) à Londres, au Moscow Centre for the Arts (Russie), au Kunstverein Kohlenhof à Nurembourg (Allemagne), à la Castlefield Gallery de Manchester (R-U), à la galerie L’Oeil de poisson de Québec et au Musée des Beaux-arts de Sherbrooke. Elle est activement impliquée à La Centrale Galerie Powerhouse depuis quelques années, où elle est actuellement commissaire de l’exposition Encerclé dans le cadre de la série Femmes de l’Arctique. Elle vit et travaille à Montréal.

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Noémi McComber
Artist in Residence

Noémi McComber’s work deals with the space we occupy in relation to physical and social boundaries. She is interested in the element out of place, which disturbs regular schemes of expectancy. She uses drawing, photography, performance and video to examine what is desired in relation to what is prescribed; the resurgence of the subjective within the collective. The process of social integration is of particular interest to her; the reaction to a set of rules, considering one's own background and experiences. Redefining the boundaries of what is permitted, allowed or acceptable, the space she works in is set as a serious playground, where constraints are considered and rules reinterpreted. Noémi McComber’s work explores the space from isolation to communication; how through projection and fabulation we come to resolve the continuous ruptures in every day experience.


Noémi McComber completed a Masters in visual and media arts at Chelsea College of Art and Design (University of the Arts London), in the UK in 2002. Since 2000, she has been actively involved in artistic and curatorial projects, focusing on multidisciplinary (drawing, video, installation, performative and urban interventions) and collaborative projects. Her work has been shown at the ICA (Institute of Contemporary Art) in London, UK, at Moscow Centre for the Arts (Russia), at Kunstverein Kohlenhof in Nuremberg (Germany), at Castlefield Gallery in Manchester (UK), at L’Oeil de poisson in Québec city and at the Sherbrooke Museum of Fine Arts. She has been actively involved at La Centrale Gallery Powerhouse for several years, where she is currently the curator of the exhibition Encircle as part of the Women of the Arctic series. She lives and works in Montréal.

lundi 29 novembre 2010

Tanya St-Pierre

Tanya St-Pierre
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Depuis 2001, j'ai entretenu une production en installation visuelle et sonore qui conjugue ma pratique en imagerie numérique, en sculpture, et plus récemment en peinture et en vidéo. Ayant longtemps dédié ma pratique artistique à l'exploration des relations possibles et nouvelles entre l'installation en art visuel et la narration, j'explore aujourd'hui le résultat de l'altération progressive de la narration. Mise au profit d'une approche extirpée d'une proposition fictive totale et déterministe, qui tend vers des propositions plus poétiques, cette dernière offre des spasmes de fictions ne se dévoilant jamais entièrement. On trouve dans mes récentes productions des traces déchirées de narrations, de fictions, de corps et, surtout, de figures - comme icônes ou symboles - plus abstraites et plus subtiles à la fois, qui survivent et habitent, à répétition, les images dans une constellation d'éléments plus brute et dépouillée.

Le corps occupe une place importante dans mon travail. Qu'il soit malade et défaillant, présent ou dissimulé, une fois placé dans un contexte de réflexion, il représente un puissant vecteur d'informations culturelles. Le corps devient un site de pratiques réflexives autour des concepts abordés. Je m'intéresse particulièrement à ce qui concerne les remous et l'histoire de la condition humaine, notamment sur ce qui se rattache à l'histoire culturelle de ce corps dans les structures institutionnelles souveraines ou diffuses : les traces et les sédiments accumulés de pathologies sociétales.

Cette importance du corps se prolonge dans mon travail en performance au sein du duo Noïzefer CWU, formé de Philippe-Aubert Gauthier et de moi-même. Noïzefer CWU explore et exploite l'action, le son et la vidéo. Il utilise un langage esthétique à la fois agressif, corrosif et poétique. Ce langage rassemble des ordures, des constructions bancales, de la parole et du bruit amplifiés afin de soulever quelques questions débridées sur l'aliénation culturelle, l'histoire de la représentation, de l'illusion, en art, en société et dans les médias. Site et lieu d'expérimentations qui découlent des pratiques de Tanya St-Pierre et Philippe-Aubert Gauthier.

Artiste visuelle originaire de l’Outaouais (Québec, Canada), Tanya St-Pierre vit et travaille actuellement à Sherbrooke. Elle obtient en 1998 un baccalauréat en arts plastiques de L’UQTR. Depuis 2001, une production en installation visuelle et sonore - dédiée à l'étude et à l'exploration des relations possibles et nouvelles entre l'installation en art visuel (et en art médiatique), l’imagerie numérique et la narration - aborde des thèmes liés à la condition humaine et sociale actuelle. À travers cette production, l’artiste propose un regard sur différents maux sociaux, sur la représentation du corps, du corps malade et défaillant, et cela, en questionnant les modes de représentation issus de deux grands archétypes et antipodes de l’appréhension du monde : la pensée scientifique (ou rationnelle) et la pensée mystique (ou magique, parfois dite archaïque).

Tanya St-Pierre a été récipiendaire de trois bourses du CALQ (recherche et création en art visuel et en art médiatique) et de trois bourses aux artistes ambassadeurs de la ville de Sherbrooke. Son travail d’installation et d’imagerie numérique a été présenté, depuis 2000, lors d’expositions collectives et de deux expositions solo au Québec. En 2009, elle a eu la chance de faire deux résidences d'artistes à Brooklyn, à New York et au complexe Méduse de Québec. Membre du duo de performeurs NOÏZEFER CWU, elle a participé à divers événements collectifs, dans divers contextes : à Rouyn-Noranda, Sherbrooke, Chicoutimi, Québec, Trois-Rivières et Montréal.


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Tanya St-Pierre
Artist in Residence

Originally from the Gatineau (Quebec, Canada), Tanya St-Pierre is a visual artist who presently lives and works in Sherbrooke. In 1998, she completed a Bachelor’s degree in plastic arts at UQTR. Since 2001, she has been producing visual and sound installations which study and investigate new and possible relationships between installation, digital imaging and narration, which explore themes associated with contemporary human and social conditions. Through these productions, the artist proposes an examination of various social problems and the representation of the human body, a weakened and diseased body, casting doubts on the modes of representation that have issued from the two archetypical and antipodal approaches to coming to terms with reality: scientific, or rational, thought and mystical, or magical, so-called archaic, thought.

Tanya St-Pierre has been the recipient of three CALQ grants (for research and creation in visual and media arts) and three grants awarded by the city of Sherbrooke. Since 2000, her installation and digital imaging work has been featured in various group exhibitions and two solo exhibitions in Quebec. In 2009, she completed two artistic residencies, one in Brooklyn, New York and the other at the Complexe Méduse in Quebec City.

As a member of the performance duo NOÏZEFER CWU, she has participated in collective events in various contexts in Rouyn-Noranda, Sherbrooke, Chicoutimi, Quebec City, Trois-Rivières and Montreal.

jeudi 25 novembre 2010

Stéfanie Tremblay / Lancement de Livre

STÉFANIE TREMBLAY RINCEBOOK, 30 jours jamais hors ligne

LANCEMENTde la PUBLICATION
Éditée par le Centre SAGAMIE

Le jeudi 2 décembre 2010 à 17h
Au Centre National d'Exposition (CNE) de Jonquière
4160, du Vieux Pont, Jonquière, 418 546-2177 poste 4602

Rincebook est le résultat d’une expérience témoignant de la perte de temps à flirter sur les réseaux sociaux comme Facebook. Présenté sous le titre 30 jours, jamais hors ligne, Stéfanie Tremblay raconte à travers ce livre les gestes banals et les réflexions insignifiantes de son quotidien devant l’écran d’un ordinateur. Cloîtrée un mois entre quatre murs, elle se questionne quelque peu sur son " addiction " étrange au voyeurisme ou sur son intérêt pour une nouvelle poésie statuaire éphémère. Au lieu d’étaler ses états d’âme au grand public, l’artiste utilise Rincebook comme journal intime fixant un langage esthétique singulier où dessins, archives et photos s’affichent. Une petite histoire de crevage de points noirs, de quête d’amants potentiels et/ou d’exercices de rapidité linguistique sans ponctuation... Mensonges, commentaires, publications, isolement et pathétisme avoués témoignent du Dark side of Facebook.

Stéfanie Tremblay vit et travaille à Saguenay. Après des études de premier cycle à l’Université du Québec à Chicoutimi, elle obtient un baccalauréat en arts visuels et cinéma (2006). Elle a également complété sa maîtrise en arts, volet création (2009). Dans son travail de recherche, elle aborde des réflexions auto-dérisoires sur son quotidien, s’engageant à faire de sa vie personnelle une trame narrative l’inspirant pour ses projets de création artistique autonomes, orientés vers divers procédés numériques et teintés par l’écriture et le rock. Constamment mise en scène, l’artiste conserve l’ambiguïté sur la nature de son personnage, ne sachant même plus elle-même s’il s’agit de fictions ou de véritables actualités intimes.

Ses œuvres ont été présentées lors d’expositions individuelles à Toqué Rouge ainsi qu’au Lobe (Chicoutimi) dans le contexte de la longue résidence d’été (2007). Son dernier projet Les longs jeux a été présenté à Espace Virtuel (Chicoutimi) en hiver 2009. Son travail vidéographique a été diffusé lors d’expositions collectives (L’œuvre de l’Autre, Chicoutimi) et lors du festival Vidéastes Recherchés (Québec). Rincebook est sa première réalisation sous forme de cahier d’artiste.

Pour commander :

Stéfanie Tremblay
rincebook, 30 jours jamais hors ligne
68 pages, texte en français seulement, 6 1/2 X 9 1/2 po.
ISBN 978-2-923612-23-2 2010
Prix: 20.00$ + Transport au Canada 3.00 + tps 1.15 + tvq 0.24 = Total: $24.39

mardi 16 novembre 2010

Giorgia Volpe

Giorgia Volpe
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Ma pratique se nourrit de gestes et d’objets issus de l’univers domestique. Elle me conduit à des expérimentations polymorphes : projets in situ, installation vidéo, photographie et dessin. Pour réaliser mes œuvres, je convoque régulièrement des techniques artisanales traditionnelles comme le tressage, la broderie, le tricot, la vannerie, la courtepointe, la cartographie, etc. À travers la métaphore du textile, j’accumule dans le quotidien des gestes porteurs de mémoire pour en faire un lieu de passage entre un espace réel et imaginaire.

Née à Sao Paulo (Brésil), Giorgia Volpe, artiste en arts visuels et médiatiques, vit et travaille à Québec depuis 1998. Son travail a été présenté au Brésil, au Canada, aux États-Unis, au Mexique, à Cuba et en Europe. Elle a participé à l’exposition C’est arrivé près de chez vous, L’art actuel à Québec, au Musée National des Beaux-Arts du Québec. Elle a réalisé de nombreuses expositions individuelles et collectives, des projets de résidence ainsi que des interventions publiques: entre autres au Symposium International de Gravure et d’Image (Edmonton), au Centre Vu, à la Chambre Blanche, au Lieu, à la Bande Vidéo, à Engramme, à la Manif d'art (Québec), à Praxis (St-Thérèse), au 3e Impérial (Granby), à Dare-Dare, à Paysage Éphémère, à la Fonderie Darling (Montréal), à l'Espace F (Matane), à Vaste et Vague (Carleton). Ses œuvres font partie de plusieurs collections d’art contemporain au Brésil et au Canada.

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Giorgia Volpe
Artist in Residence

My artistic approach is inspired by the gestures and items that go to make up domestic, household reality. This leads me to engage in polymorphous experimentation through in situ installations, photography and drawing. To create my work, I regularly make use of techniques derived from traditional crafts such as weaving, embroidery, knitting, wickerwork, quilting, card making, etc. Using fabric as metaphor, I assemble those gestures from daily household life which are rich with memory, creating a passageway between a real and imaginary space .

Born in Sao Paulo, Brazil, Giorgia Volpe has been living and working in Quebec since 1998 as an artist in the visual and media arts. Her work has been presented in Brazil, Canada, the United States, Mexico, Cuba and Europe. She participated in the C’est arrivé près de chez vous, L’art actuel à Québec exhibition presented at the Musée National des Beaux-Arts du Québec. She has been featured in numerous solo and group exhibitions and participated in residency projects and public debates in such venues as the International Symposium on Printmaking and Images in Edmonton, the Centre Vu, La Chambre Blanche, the Lieu, La Bande Vidéo, Engramme, the Manif d'art (Quebec), Praxis (St-Thérèse), the 3e Impérial (Granby), Dare-Dare, Paysage Éphémère, the Darling Foundry (Montreal), Espace F (Matane), Vaste et Vague (Carleton). Her work is has been included in several contemporary art collections in Brazil and Canada.

lundi 15 novembre 2010

LANCEMENTde ces trois PUBLICATIONS


Éditées par le Centre SAGAMIE

À la Librairie LE PORT DE TÊTE
262, Est Mont-Royal, Montréal, 514 678-9566

Ce vendredi 19 novembre 2010 à 17h

Josée PELLERIN, Être là
Dgino CANTIN et Charles GUILBERT, Les Bûcherons de l'impossible
Lucie DUVAL, Histoires à tirer par les oreilles


Josée PELLERIN, Être là
Auteurs: Jean-François Caron et Johanne Jarry
Que de fois avons-nous fait l’expérience d’une ville réelle par le biais de la fiction et ce, bien avant de s’y trouver? De quelle manière le cinéma médiatise-t-il la ville et de quelle nature est l’expérience réelle que nous en faisons? De telles stimulations de l’imaginaire ne finissent-elles pas par altérer notre regard porté sur le monde environnant? Les deux séries photographiques Défilé et Si par une nuit d’hiver présentées dans Être là portent sur cette exploration des villes réelles et fantasmées.

Titulaire d’une maîtrise en arts visuels et d’une formation en multimédia, les œuvres de Josée Pellerin furent présentées lors d’événements au Québec, au Canada, aux États-Unis, en France et au Mexique. En 2005, elle effectuait une résidence d’artiste à Buenos Aires, Argentine et suite à ce séjour, elle publiait aux Éditions J’ai Vu, un livre d’artiste intitulé Heureusement qu’il y avait le monde autour de moi. Être là s’inscrit dans le prolongement thématique de cette première parution. L’artiste remercie le Conseil des Arts et des Lettres du Québec pour son appui financier

Josée Pellerin, Être là / Being there
Auteurs: Jean-François Caron et Johanne Jarry
82 pages, texte intégral en français et en anglais, 9 X 6 3/4 po.
82 pages, full text in French and English, 9 X 6 3/4 in.
978-2-923612-18-8 2010
Prix: 20.00$ + Transport au Canada 3.00 + tps 1.15 + tvq 0.24 = Total: $24.39

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Dgino CANTIN et Charles GUILBERT, Les Bûcherons de l'impossible
Que vois-tu en secret? Aimes-tu marcher avec un lacet détaché? Est-ce que tu te trouves assez nu quand tu es nu? De quelle manière regardes-tu la mer? Aimes-tu dessiner des mains qui dessinent? Qui n’es-tu pas? Voilà quelques questions posées dans Les bûcherons de l’impossible. Avant tout, ce projet est celui d’une rencontre fabriquée de toutes pièces à l’aide de mots, de crayons, d’encre et de pixels. Se connaissant très peu mais ayant envie de mener un projet commun, Dgino Cantin et Charles Guilbert eurent l’idée d’un livre de questions potentiellement indiscrètes auxquelles tous deux devraient répondre par un texte et un dessin. Ici la connaissance de l’autre ne se fait pas de manière intrusive, mais plutôt de guingois, dans un registre métaphorique. Les confidences se font et les identités se révèlent dans un indispensable détour par l’imaginaire.

CHARLES GUILBERT écrit, dessine, filme et chante. Intéressé par le quotidien et par les rapports humains, il cherche à saisir l’étrangeté du réel à travers le langage. Il a notamment publié Les Inquiets (récit) aux Herbes rouges et Le beau voyage éducatif (journal) aux éditions Dazibao. En 2004, il recevait, pour l’ensemble de son travail en vidéo avec Serge Murphy, le prix Bell Canada décerné par le Conseil des Arts du Canada. Ses œuvres ont été présentées dans plusieurs pays d’Europe, au Japon, au Mexique, au Canada et au Québec, notamment au Musée d’art contemporain de Montréal, à la Biennale de Montréal et à la Manif d’art de Québec.

DGINO CANTIN dessine, photographie, numérise et assemble des objets. Il s’intéresse aux zones de flottement poétique qui peuvent naître de différentes associations. Pour sa première exposition, Pour la suite des choses, il reçoit le prix Videre Relève (prix d’excellence des arts et de la culture de la ville de Québec). Il participe ensuite à des résidences de création au Québec et en France. Ses installations ont été présentées lors d’évènements collectifs et d’expositions individuelles, notamment chez VU, à Caravansérail, à la biennale d’art contemporain Itinéraires ainsi qu’à la Manif d’art de Québec.

Les Bûcherons de l’impossible
Artistes et auteurs: Dgino Cantin et Charles Guilbert
Livre d’artiste, textes en français seulement
120 pages, 8 X 9.5 po.
ISBN 978-2-923612-20-1 2010
Prix: 25.00 + Transport au Canada 3.25 + tps 1.41 + tvq 0.26 = Total: $29.92


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Lucie DUVAL, Histoires à tirer par les oreilles
Ce projet de livre s’est développé autour d’un objet usuel suscitant chez moi diverses réflexions. Gants pour travailleurs " made in China " retrouvés en paquets dans toutes les quincailleries. Mondialisation oblige, tout se fabrique à moindre coût en Chine au détriment des travailleurs d’ici. L’objet devient contradictoire : gants de travailleurs (faits en Chine) versus chômeurs d’ici.

Ces cent cinquante lapins ont été fabriqués au rythme d’environ un par jour. En plus de ce qui a été écrit sur ma motivation, une chose nouvelle est apparue. Inconsciemment, le lapin fabriqué tel jour révèle quelque chose de mon état à ce moment, de mon regard sur le monde. Journal de bord.

Cette publication n’est pas un catalogue, mais un objet où les images et les mots vont s’entrecroiser, non sans chocs, où un soin particulier est apporté à la façon de " donner à voir ". Ne jamais oublier que ces lapins sont en quelque sorte des mutilés. Sous une première apparence candide, naïve et doucereuse, il a fallu couper des doigts (ceux des gants), coudre, raccommoder (ce qui est non sans rappeler certaines conditions de travail dans les manufactures).

LUCIE DUVAL est une artiste en arts visuels. Depuis de nombreuses années, son travail s’articule autour d’une interférence entre ce qui est lu et ce qui est vu, un parcours où les mots se jouent des objets et des images. Elle est née à Mont-Laurier, vit et travaille au Québec. Elle a étudié à l’École des beaux-arts de Toulouse et a obtenu, en 1983, le Diplôme national supérieur d’expression plastique (DNSEP). Elle a exposé régulièrement en Amérique du Nord, en Europe et en Asie. Ses œuvres font partie de la collection de prêts d’œuvres d’art du Conseil des Arts du Canada et du Musée national des beaux-arts du Québec. Elle est représentée par la galerie Isabelle Gounod à Paris. C’est la première fois qu’elle manipule le livre en tant qu’objet d’art.

Lucie Duval, Histoires à tirer par les oreilles
170 pages, 6 3/4X 8 3/4po.
English translation of the titles at the end of the book
ISBN 978-2-923612-19-5 2010
Prix: 30.00$ + Transport au Canada 5.00 + tps 1.75 + tvq 0.39 = Total: $37.14

lundi 8 novembre 2010

15ième CHRONIQUE NUMÉRIQUE

Actuellement en kiosque:

15ième CHRONIQUE NUMÉRIQUE

à lire dans le magazine Art Le Sabord numéro 87.

Cette chronique de Barbara Garant intitulée Ne veulent pas dormir,présente le travail de trois artistes ayant réalisé une résidence de création au Centre SAGAMIE:

Dgino Cantin, Jean-Jacques Ringuette et Lucie Duval


Les CHRONIQUES NUMÉRIQUES sont issues d’une collaboration étroite entre le Centre SAGAMIE et les Éditions d’art Le SABORD. Ainsi, à chaque numéro du magazine Art Le SABORD, un auteur est invité à présenter le travail de trois artistes ayant réalisé une résidence de création au Centre SAGAMIE. Ce partenariat de publication permet la diffusion et la documentation de l’art actuel tout en favorisant sa compréhension auprès d’un vaste lectorat.

Situé à Alma au Lac-Saint-Jean, SAGAMIE est un centre de recherche, de création et de production ouvert à l’ensemble des artistes dont le champ de pratique est lié aux enjeux de l’image contemporaine. SAGAMIE est particulièrement reconnu pour son expertise d’accueil d’artistes en résidence de création/production, ses activités d’édition et de diffusion. Le centre se spécialise dans le traitement numérique de l’image et l’impression numérique grand format dans un contexte de recherche en art actuel.

Grâce au soutien du Conseil des arts et des lettres du Québec, du Conseil des arts du Canada et de la Ville d’Alma, le Centre SAGAMIE offre l’un des plus importants programmes d’artistes en résidence au Canada en accueillant annuellement plus de 40 artistes du Québec, du Canada et de l’étranger. Ces résidences de création visent à soutenir proactivement les artistes dans le développement de nouvelles œuvres, la production de projets artistiques innovants et intégrateurs des outils numériques de production au large spectre de leurs pratiques en art actuel. Les artistes sont accueillis pour des séjours intensifs de création et sont soutenus dans leurs explorations, avec expertise et sensibilité, par une équipe spécialisée de techniciens/artistes, dans un vaste laboratoire informatique comprenant quatre imprimantes numériques grand format.

Pour commander ce numéro ou pour vous abonner au magazine Art Le SABORD :
(819) 375-6223 art@lesabord.qc.ca http://www.lesabord.qc.ca

mercredi 27 octobre 2010

Ana Rewakowicz


Ana Rewakowicz
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Ana Rewakowicz est une artiste multidisciplinaire née en Pologne et vivant présentement à Montréal. Elle détient un Baccalauréat en Arts Plastiques (BFA) du Ontario College of Art and Design de Toronto et une Maîtrise en Arts Plastiques (MFA) de l'Université Concordia de Montréal. Elle travaille à partir d'éléments gonflables, habitacles ou vêtements qu'elle assimile à une "architecture" dite "portable" et explore les relations entre le corps, la temporalité et l'environnement. Relevant de plusieurs disciplines comme l'invention, le design, l'architecture et la performance, son art a été largement diffusé à l'échelle nationale et internationale. Ses plus récentes expositions incluent notamment, le Centre d'art contemporain CSW Laznia, de Gdansk en Pologne (2010), le Pori Art Museum de Finlande (2010), la Maison européenne de la photographie de Paris (2009), l'événement Freeze, d'Anchorage en Alaska aux États-Unis (2009), la Biennale de Liverpool au Royaume-Unis (2008), l'événement Stiftensen 3,14 de Bergen, en Norvège (2008), Manif d'art 4 - La biennale en arts actuel de Québec, Canada (2008), Waino Aaltosen Museo, Turku, Finland (2007), la Kunstverein Wolfsburg, Allemagne (2006), le Musée d'art contemporain de Montréal, Canada (2005) et ISEA 2004, le 12e symposium international d'art électronique de Tallinn en Estonie.

Ayant fait l'expérience de passer d'une culture à une autre, avec ce que cela comporte en termes d'adaptations linguistiques et sociales, je m'intéresse la notion d'état transitoire, et aux liens entre cet état et les questions d'identité et de sentiment d'appartenance, et le fait de vivre dans une société à développements globaux et technologiques. Depuis dix ans, j'explore ces questions au moyen d'objets gonflables qui épousent la forme de vêtements et d'habitations. Contrastant avec le caractère stable et massif de l'architecture et de la sculpture monumentale, mes costumes et mes structures sont mobiles, remplis d'air et réceptifs aux lieux et aux individus qui les activent. Me servant de matériaux tel le caoutchouc latex, le polyvinyle, le polyuréthane, le papier d'aluminium réversible, du tissu, des ventilateurs et des panneaux solaires, j'ai recours à la technologie pour créer des expériences intimes, mais paradoxalement publiques, qui sont formellement inspirées de leur fonction et de l'idée du parcours du nomade contemporain du déraciné.

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Ana Rewakowicz
Artist in Residence

Ana Rewakowicz is a multidisciplinary artist born in Poland, currently living in Montréal. She received her BFA (Bachelor of Fine Art) from Ontario College of Art and Design, Toronto and MFA (Master of Fine Art) from Concordia University, Montréal. She works with inflatables and explores relations between temporal, portable architecture, the body and the environment. Her art crosses into many disciplines including invention, design, architecture and performance and has been shown nationally and internationally. Her most recent exhibitions include: CSW Laznia, Gdansk, Poland (2010), Pori Art Museum, Finland (2010), La Maison Europénne de la Photographie, Paris, France (2009), FREEZE, Anchorage, Alaska, US (2009), Liverpool Biennial, UK (2008), Stiftensen 3,14, Bergen, Norway (2008), Manif d'art 4 Biennal, Québec, Canada (2008), Waino Aaltosen Museo, Turku, Finland (2007), Kunstverein Wolfsburg, Germany (2006), Musée d'art contemporain de Montréal, Canada (2005) and ISEA 2004 Tallinn, Estonia.

Having moved from one culture to another and lived through cultural and language adaptations, I am interested in the issue of transience and how it relates to the notions of identity, belonging, and living in a society of global and technological developments. Over the last ten years I have been working with inflatable objects exploring these concerns through clothing and habitation. In contrast to the stable mass of monumental sculpture and architecture, my costumes and structures are air-filled, mobile and concerned with places and people that activate them. Incorporating materials such as rubber latex, polyvinyl, polyurethane, reversible foil, fabric, fans and solar panels, I harness technology to build intimate yet paradoxically public experiences, and fashion them based on function and the idea of travel of the contemporary nomad and the displaced.

vendredi 22 octobre 2010

Noémie Payant-Hébert


Noémie Payant-Hébert
RUNNING RABBITS : CHANTIER D’AVENIR
English follows

VERNISSAGE
le jeudi 28 octobre à 17h00
EXPOSITION du 28 octobre au 16 décembre 2010

L’installation filmique Running Rabbits : Chantier d’avenir s’applique à concilier les discours et langages propres au cinéma, à la vidéo et à l’installation et cherche à incarner l’insaisissable fiction cinématographique. Inspirée des univers du chantier forestier et du lot à bois comme trame d'un drame en suspend, l'œuvre constitue ainsi une tentative de leur donner un relief cinématographique, hors-cadre.

Intéressée par la notion de projection d’images animées comme façon de créer ou de proposer la fiction dans des réalités matérielles, Noémie Payant-Hébert utilise dans cette œuvre le son et la vidéo notamment sous l’angle du paysage numérique et de l’habillage sonore.

Chantier d'avenir, nos forêts sont bâties et démolies, malgré tout, il s'agira toujours de combler et d'évacuer des ambitions rageuses de changement, des craintes de solitude, des envies de découverte, et des besoins d'appartenance.

Ce projet fait suite à une résidence de création au centre de production Daïmon et est réalisé avec le soutien du Conseil des arts et lettres du Québec.

Noémie Payant-Hébert détient une maîtrise en arts orientée vers la vidéo, l’installation et le décor et un baccalauréat en cinéma et vidéo de l’Université du Québec à Chicoutimi. Intéressée à développer la notion de cinéma gris, elle cherche par sa pratique une conciliation possible entre les langages filmiques et plastiques. Son travail a été présenté lors d’expositions solo et collectives notamment au Québec et dans divers festivals consacrés aux courts-métrages (Festival Regard sur le court métrage au Saguenay, Vidéastes Recherchés et l’EICV Montréal) elle est aussi l’une des 4 membres actifs et fondateurs du collectif d’artistes Cédule 40 (La Glissoire,Alma 2010, Biennale d’art ORANGE de St-hyacinthe 2009, Centre Sagamie, Alma 2010, Québec 400e,2008, Festival international de Jardins de Métis, 2006-2010). Travaillant aussi en décors et accessoires, elle a participé à diverses productions cinématographiques et télévisuelles: "Trajectoires" (Geneviève Poulette, Montréal 2007), "Fumée sans feu" (Roger Laliberté, Saguenay 2006), "Rumeurs" et "Un monde à part" (2005, Sphère Média Montréal).

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Noémie Payant-Hébert
RUNNING RABBITS : CHANTIER D’AVENIR
English follows

Opening
Thursday, October 28, 5 p.m.
Exhibition October 28 - December 16, 2010

The film installation Running Rabbits: Chantier d’avenir is an attempt to reconcile the dialogues and languages of film, video and installation and to give shape to the elusive quality of cinematographic fiction. The work presents an apparently suspended drama based on the realities of the logging camp and wood lot, which are endowed with a cinematographic dimension extending beyond the frame.

Driven by a keen interest in creating or suggesting fictitious narratives through the projection of animated images upon material objects, Noémie Payant-Hébert employs sound and video in this work, particularly through the use of digital landscapes and music loops.

Ongoing worksites, our forests are raised up and cut down, an activity which will remain tied to the satisfaction and exhaustion of raging ambition for change, fear of solitude, thirst for discovery and need to belong.

The present project was completed during a creative residency at the Daïmon production center and with the support of the Conseil des arts et lettres du Québec.

Noémie Payant-Hébert completed a Master's degree in art, with a special focus on video, installation and set design, and a bachelor's degree in film and video at the Université du Québec à Chicoutimi. Interested In developing the concept of "cinema gris", she attempts to reconcile, through her work, the different languages of film and plastic art. Her work has been featured in solo and group exhibitions, most notably In Quebec and short film festivals (Festival Regard sur le court métrage au Saguenay, Vidéastes Recherchés and EICV Montréal). She Is also one of the four active and founding members of the artists' collective Cédule 40 (La Glissoire,Alma 2010, Biennale d’art ORANGE In St-Hyacinthe 2009, Centre Sagamie, Alma 2010, Quebec 400e,2008, Festival international de Jardins de Métis, 2006-2010). Also working in set design and accessories, she has participated in numerous film and television productions: "Trajectoires" (Geneviève Poulette, Montreal 2007), "Fumée sans feu" (Roger Laliberté, Saguenay 2006), "Rumeurs" and "Un monde à part" (2005, Sphère Média Montreal).

lundi 18 octobre 2010

Alexandre Payer


Alexandre Payer
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Historique
Le travail d’Alexandre Payer, artiste multidisciplinaire diplômé en arts visuels de l’Université du Québec à Montréal (2009), récipiendaire de plusieurs prix académiques, surprend par son humilité et son ingéniosité quand au détournement du matériau. Par la charge théorique qu’il infuse dans ses pièces non sans un brin d’humour, il invite le public à participer à l’échafaudage d’une pseudo-science, à la production de vérités inattendues. Ses récents projets gravitent autour d’initiatives indépendantes de laboratoires d’échanges entre artistes comme Produire et expirer : La vie dans le praxiodrôme présenté à l’espace polyvalent de La Baraque à Montréal (2009), ou encore d’ateliers de création ouverts au public comme Artnivores, la dernière Biennale de sculpture de St-Jean-Port-Joli (2010).

Approche artistique
Essentiellement transdisciplinaire, l’œuvre d’Alexandre Payer s’oriente autour de la transformation ou le déplacement d’objets et d’infrastructures courantes afin de mettre de l’avant leur faculté à évoquer une métaphore plutôt que leur usage. Les altérations sont toujours effectuées avec transparence afin de montrer que celles-ci ne relève pas de la tromperie ou du leurre, mais représentent plutôt des tentatives d’entrer humblement en dialogue avec la culture. En passant ainsi par l’installation pour tester certains concepts culturels l’artiste les revisite, rouvrant la discussion sur leur véritable nature et fonction, débat auquel tous peuvent ensuite participer.

À chaque nouvelle entreprise, ce jeune artiste se confronte volontairement à une discipline ou un lieu différent dont il doit manipuler les ressources afin d’en révéler les modalités insoupçonnées, la portée symbolique cachée. Son travail devient alors celui metteur en scène qui réorchestre les éléments qu’on lui donne afin de produire du sens, de souligner les forces et les tensions du système dans lequel il est appelé à évoluer.

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Alexandre Payer
Artist in Residence

Background
Alexandre Payer is a multidisciplinary artist with a degree in visual arts from the Université du Québec à Montréal (2009) and his work, which has garnered numerous academic awards, is a surprising blend of humility and ingenuity in its novel use of materials. Through the often humorous introduction of a theoretical component in his work, he invites the viewing public to participate in the elaboration of a pseudo-science and the uncovering of unexpected truths. His most recent projects, such as Produire et expirer : La vie dans le praxiodrôme, presented at the multi-purpose locale of La Baraque in Montreal (2009), have revolved around independent work undertaken in artistic exchange workshops or creative workshops open to the public, such as in Artnivores, the last Biennale de sculpture in St-Jean-Port-Joli (2010).

Artist’s Statement
Alexandre Payer’s work is essentially trans-disciplinary and seeks to transform and shift current objects and infrastructures and reveal their ability to evoke metaphor rather than use. The transformations are always presented in a transparent manner to show that they are not based on trickery or deception but are rather representations of a humble attempt to establish a dialogue with the culture. Using the installation to examine certain cultural concepts, the artist then revisits them, reopening the debate on their true nature and function, a debate which everyone can participate in.

With each new undertaking, this young artist willingly confronts a new discipline or space whose resources he must then manipulate in such a way as to bring to light their unsuspected modalities and hidden symbolic significance. His role becomes that of the director who rearranges the elements at hand in order to imbue them with meaning and expose the forces and tensions contained in the system within which he operates.

vendredi 15 octobre 2010

Claire Beaulieu


Claire Beaulieu
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Engagée dans une démarche multidisciplinaire en peinture, sculpture et installation, elle crée des espaces narratifs inspirés par la biologie, la botanique, l’astronomie, le sacré et le profane. Ces dernières œuvres sont investies des problématiques liées à l’utilisation du verre et sa mise en lumière. La figure humaine est traitée comme une icône archétypale. Les codes sociaux ou religieux sont revisités pour laisser place à une réflexion sur notre humanité. Dans cet espace, une perle de verre peut être perçue comme élément d’un collier, un atome, une cellule, un astre, un lieu de rencontre, une marque du temps qui passe… Ces différentes échelles visuelles se confondent pour créer un espace qui magnifie et transforme le réel, un espace métaphorique et poétique.

Son travail a fait l’objet de plusieurs expositions solos au Québec, au Canada et à l’étranger, dernièrement à Chicago, San Francisco et au Roswell Museum au Nouveau-Mexique. Elle a aussi présenté son travail dans le cadre d’expositions duos et de groupes, entre autres à New York, Mexico, Paris, Bâle, Montréal.

Claire Beaulieu détient une maîtrise en Arts plastiques de l’Université du Québec à Montréal. Elle a fait plusieurs stages de perfectionnement en France, aux États-Unis et au Mexique. Boursière à maintes reprises du Conseil des arts et lettres du Québec et du Conseil des arts du Canada, elle a aussi été sélectionnée pour participer à plusieurs résidences d'artistes internationales, dont la prestigieuse Villa Montalvo, en Californie et a occupé pendant un an le studio du Québec à Bâle, en Suisse.

L’artiste a réalisé des oeuvres dans le cadre de la politique québécoise du 1% pour l’art public. Son travail a fait l’objet de plusieurs publications dont récemment, 25th years of New glass Review, publié par le Corning Museum of Glass (état de New York). Ses oeuvres font partie de plusieurs collections publiques et privées au Canada et à l’étranger.

Originaire d’Arvida, elle vit et travaille à Montréal. En plus d’enseigner au Cegep du Vieux Montréal depuis 1996, elle a enseigné au Cegep André-Laurendeau, à l’Université du Québec à Hull et à l’Université de Montréal.

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Claire Beaulieu
Artist in Residence

Employing a multidisciplinary approach which combines painting, sculpture and installation, she creates narrative spaces inspired by biology, botany, astronomy, the sacred and the profane. These last works confront the challenges of working with glass and its response to light. The human form is treated as an archetypical icon. Fresh reflections on our humanity ensue from a reexamination of social or religious codes. Within this space, a glass pearl may be variously perceived as part of a necklace an atom, a cell, a star, a point of confluence, an indication of the passing of time… These different visual levels combine to create a space which magnifies and transforms what is real, a space of metaphor and poetry.

Her work has been featured in several solo exhibitions in Quebec, Canada and abroad, most recently in Chicago, San Francisco, and at the Roswell Museum in New Mexico. She has also presented her work as part of group exhibitions in cities such as New York, Mexico City, Paris, Basle, and Montreal.

Claire Beaulieu completed a Master’s degree in visual arts at the Université du Québec à Montréal. She went on to perfect her craft in France, the United States and Mexico. She has been the recipient of grants from the Conseil des arts et lettres du Québec and the Canada Council for the Arts and was selected to participate in several international artist residencies, including the prestigious Villa Montalvo in California and the Quebec studio in Basle, Switzerland.

This artist’s work has been featured as part of the Quebec 1% for public art initiative and has appeared in numerous publications, most recently the 25 Years of New Glass Review, published by the Corning Museum of Glass in New York state. Her work is also included in public and private collections in Canada and abroad.

Originally from Arvida, she now lives and works in Montreal. She has been teaching at the Cegep du Vieux Montréal since 1996, and has also taught at the Cegep André-Laurendeau, the Université du Québec à Hull and the Université de Montréal.

mercredi 13 octobre 2010

CORINE LEMIEUX


CORINE LEMIEUX
en cours de route

Anne-Marie Ninacs, auteure

LANCEMENTde la PUBLICATION
Éditée par le Centre SAGAMIE

Ce jeudi 14 octobre 2010 à 17h00
À la Galerie JOYCE YAHOUDA Gallery
372, rue Sainte-Catherine Ouest #516, Montréal, 514 875-2323

Exposition 14 octobre - 11 décembre 2010
Exhibition October 14-December 11, 2010

English follows
Dans sa pratique photographique, Corine Lemieux choisit de composer avec les situations telles qu’elles se présentent à elle lors de rencontres ou d’activités de la vie courante. Elle produit des séries qui interrogent la complexité des relations humaines (séries accolades, liens, réunions, portraits, croisements, liaisons), le caractère insaisissable des phénomènes (séries obstacles, flous, hors-champs, reflets, ombres, lumière), les transitions et les morts (séries cadavres, blessures, natures mortes, offrandes), les lieux avec lesquels nous cohabitons (séries environnements, ambiances, maison, atelier) et encore une série de mots trouvés qui nomment en quelque sorte toutes ces réalités. Ce sont ces séries ouvertes, dont les premières images ont été prises en 2001, qui constituent l’ensemble en cours de route.

La pratique artistique de Corine Lemieux s’articule essentiellement autour des notions de transformation, d’interaction et d’échange. Elle explore le caractère composite et mouvant de l’identité. Ses sculptures, dessins et photographies sont une invitation à considérer les perpétuelles transformations qui affectent les diverses matières ou relations interpersonnelles.

Biographie
Née à Montréal en 1973, Corine Lemieux est une artiste pluridisciplinaire qui vit et travaille è Montréal. Elle détient un Baccalauréat en arts visuels de l’Université du Québec à Montréal. Son travail a été présenté dans plusieurs lieux de diffusion au Québec, au Canada et en Italie. Elle a exposé notamment à Skol (Montréal, 1998), à la Galerie Clark (Montréal, 1999), à l’Œil de Poisson (Québec, 1999), à l’Espace Virtuel (Chicoutimi, 2001), à la Galerie 101 (Ottawa, 2002), à Optica (Montréal, 2003) et à la Galerie Joyce Yahouda (Montréal, 2006). En 2002, elle a participé à l'exposition Amériche présentée à Milan en Italie, à La Fabbrica Del Vapore. Parallèlement à sa pratique individuelle, Corine Lemieux a formé, de 2004 à 2009, le collectif VIA avec les artistes Sylvie Cotton et Massimo Guerrera; ensemble, ils ont entre autres participé au Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul (2007) et à l’État d’urgence organisé par l’ATSA (2008).

Corine Lemieux remercie le Centre SAGAMIE et Anne-Marie Ninacs
Le livre en cours de route est publié par le Centre SAGAMIE
Avec des textes de Corine Lemieux et Anne-Marie Ninacs


Pour commander / To order:

Corine Lemieux en cours de route
Auteurs: Corine Lemieux et Anne-Marie Ninacs
128 pages, texte intégral en français et en anglais, 11X7po.
128 pages, full text in French and English, 11X7in.
ISBN 978-2-923612-21-8 2010
Prix: 30.00$ + Transport au Canada 5.00 + tps 1.75 + tvq 0.39 = Total: $37.14

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CORINE LEMIEUX en cours de route
Anne-Marie Ninacs, author
Published by Centre SAGAMIE

Opening and book launch
Thursday, October 14, 2010, 5pm

at JOYCE YAHOUDA Gallery
372, Sainte-Catherine street, West #516, Montreal, 514 875-2323
Exhibition October 14-December 11, 2010

In her photography, Corine Lemieux chooses to make do solely with what already exists, with situations as they occur in daily encounters or activities. She produces series, always linked to questions of the complexity of human relationships (accolades, links, gatherings, portraits, liaisons), the ungraspable nature of phenomena (obstacles, blurs, out-of-focus, reflections, shadows, light), transition and death (corpses, wounds, still lifes, offerings), the space we cohabit (environments, ambiances, house, studio) and finally a series of found words that in a certain way name all these realities. These are the open-ended series, begun in 2001, that constitute the along the way ensemble.

Lemieux’s artistic practice focuses on notions of transformation, interaction and exchange. She explores the composite, moving characters of identity. Her sculptures, drawings and photographs invite the viewer to consider the perpetual transformations affecting materials and interpersonal relationships.


Biography
Born in 1973, Corine Lemieux is a multidisciplinary artist living and working in Montreal. She studied in the Université du Québec à Montréal. Corine Lemieux’s work has been exhibited throughout Quebec, Canada and Italy, notably at Skol (Montreal, 1998), Clark Gallery (Montreal, 1999), l’ Œil de Poisson (Quebec City, 1999), l’Espace Virtuel (Chicoutimi, 2001), Gallery 101 (Ottawa, 2002), Optica (Montreal, 2003) and Joyce Yahouda Gallery (Montreal, 2006). In 2002, she participated in the Amériche exhibition presented in Milan, Italy, at La Fabbrica Del Vapore. She formed with the artists Massimo Guerrera and Sylvie Cotton the collective VIA from 2004 to 2009. VIA participated in events that included the International Symposium of Contemporary Art in Baie-Saint-Paul (2007) and L’État d’urgence, organized by ATSA (2008).

Corine Lemieux wishes to thank Centre SAGAMIE et Anne-Marie Ninacs
The book en cours de route is published by Centre SAGAMIE
With texts of Corine Lemieux and Anne-Marie Ninacs

Pour commander / To order:

Corine Lemieux en cours de route
Auteurs: Corine Lemieux et Anne-Marie Ninacs
128 pages, texte intégral en français et en anglais, 11X7po.
128 pages, full text in French and English, 11X7in.
ISBN 978-2-923612-21-8 2010
Prix: 30.00$ + Transport au Canada 5.00 + tps 1.75 + tvq 0.39 = Total: $37.14

mardi 12 octobre 2010

AUDE MOREAU

AUDE MOREAU
LANCEMENTde la PUBLICATION Le fil d’Ariane
Éditée par le Centre SAGAMIE

Jeudi 14 octobre 2010 à 19h00

Au Centre CLARK
5455, avenue De Gaspé, local 114
514.288.4972
La publication Le fil d’Ariane éditée au Centre SAGAMIE d'Alma, retrace le parcours d’une intervention d’Aude Moreau qui a commencé en 2000 entre les murs de la Centrale, galerie Powerhouse, à Montréal, et a pris fin en 2002, quelque part entre Venise et Héraklion. À travers les fragments photographiques et textuels documentant ce double parcours, le livre ferme la boucle sur l’ensemble du processus en publiant la version inédite du voyage. Il est accompagné d’un texte de Bernard Schütze qui situe l’ensemble du processus de disparition au coeur du dénouement de l’action de l’artiste.

Aude Moreau a présenté ses projets au Québec, en France, aux Etats-Unis et au Luxembourg. Ses plus récentes expositions individuelles ont eu lieu au centre d’exposition Plein sud (2010), au Casino Luxembourg forum d’art contemporain (2009) et à la Fonderie Darling (2008). Elle a également fait partie des expositions collectives : Art souterrain - Nuit blanche de Montréal (2010), La Biennale Nationale de Sculpture Contemporaine de Trois-Rivières (2010) et Orange événement d’art actuel de Saint-Hyacinthe (2006). Ses oeuvres font partie de la Collection Prêt d’œuvres d’art du Musée national des Beaux-arts du Québec (acquisition 2008) et de la Banque d’œuvres d’art du Canada (acquisition 2009). Elle a reçu à plusieurs reprises le soutien du Conseil des Arts et des Lettres du Québec et du Conseil des Arts du Canada. Des comptes rendus critiques sur sa pratique ont été publiés dans les revues Esse, Espace sculpture, Art el sabord. Aude Moreau vit et travaille à Montréal.


Pour commander / To order:

AUDE MOREAU, Le fil d’Ariane
ISBN 978-2-923612-05-8 2010
Auteur: Bernard Schütze
120 pages, texte intégral en français et en anglais (full text in French and English)
Prix: 25.00 + Transport au Canada 3.25 + tps 1.41 + tvq 0.26 = Total: $29.92

Prix spécial sur place le soir du lancement : 20.00$

mardi 5 octobre 2010

Eric Sauvé

Eric Sauvé
Artiste en résidence / Artist in Residence
(English follows)

Le travail d’Eric Sauvé prend souvent comme point de départ la collecte/accumulation de résidus ou d’artefacts qu’il transforme, manipule, réassemble. Pour ce projet, il prend comme matériau les tags de graffeurs qu’il a recensés dans les rues de Montréal. Toujours intéressé d’orchestrer ou d’accentuer des zones d’ambivalence, l’artiste est interpellé par le double désir d’anonymat et de renommée des graffeurs, vandales pour certains et virtuoses pour d’autres.

Dans ce projet, il traite les tags comme motif ornemental, en monochromie de blanc rappelant l’élégance restreinte des tapisseries de soie, soulignant la finesse calligraphique des signatures ainsi aseptisées.

Eric Sauvé vit à Montréal. Son travail a été exposé dans nombreuses galeries et centres d’art au Canada, en Espagne et en France. Parmi les lieux publics qu’il a investis de façon éphémère et permanente on compte le Château de Tours, France, Theatre Junction à Calgary, le Centre d’arts Orford, le Théâtre Usine C et l’Esplanade de la Place des Arts à Montréal.

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Eric Sauvé
Artist in Residence

The work of Eric Sauvé often takes as its starting point the collection and accumulation of artifacts and residual objects which he subsequently transforms, manipulates and reassembles. For the present project, he has taken as his raw material the tags of graffiti writers which he has gathered from the streets of Montreal. Always intent on orchestrating or accentuating zones of ambivalence, the artist is intrigued by the two-fold desire for anonymity and fame exhibited by graffiti artists, considered vandals by some and virtuosos by others.

In this project, he portrays tags as ornamentals motifs, in white monochrome recalling the restrained elegance of silk tapestries and revealing the subtle calligraphy of these sanitized signatures.

Eric Sauvé lives in Montreal. His work has been exhibited in numerous galleries and art centers in Canada, Spain and France and has been installed, both ephemerally and permanently, in such public spaces as the Château de Tours in France, Theatre Junction in Calgary, the Arts Center in Orford, and the Théâtre Usine C and Esplanade at Place des Arts.

Lecture publique et musique improvisée

Lecture publique et musique improvisée
Le jeudi 7 octobre 2010 à 17h00
Au Centre SAGAMIE, 50 rue St-Joseph, Alma

La compagnie de théâtre Les Têtes Heureuses présente en avant-première au Centre SAGAMIE, des extraits de la pièce Soudain l’été dernier de Tennessee Williams, en compagnie de musiciens du Collèged’Alma qui improviseront une bande sonore. La pièce sera ensuite présentée du 21 octobre au 7 novembre au Petit théâtre de l’UQAC et, le 12 novembre, à l’Auditorium d’Alma.

Soudain l’été dernier est certainement un chef-d’œuvre dramatique du XXe siècle par la puissance de l’imagination, la force de la langue, la liberté de la forme et la modernité de son propos. C’est avec fierté que Les Têtes Heureuses s’attaquent à cette pièce-phare de la dramaturgie américaine. La compagnie produit du théâtre professionnel dans la région depuis 1982. Elle fait d’abord travailler des artistes d’ici, mais aussi d’ailleurs au Québec.

La Nouvelle-Orléans. Une femme, immensément riche, a perdu son fils unique. Il est mort au loin, de manière violente, l’été dernier. Que s’est-il vraiment passé? L’enquête va mettre en présence des personnages hors norme, tous saisis par une certaine folie.

Tennessee Williams fait de cette matière l’un de ses chefs-d’oeuvre, porté par une extraordinaire tension dramatique. Du coup, il fournit un portrait terrifiant de la société américaine, toujours hantée par ses mêmes démons: l’argent, le sexe, la violence, Dieu. Une tragédie authentique pour le temps présent.

Le texte français a été établi par Rodrigue Villeneuve à partir du texte original anglais et des traductions de Jean-Michel Déprats et Marie-Claire Pasquier (2010) et de Jacques Guicharnaud et Michel Arnaud (1962).

Mise en scène
Rodrigue VILLENEUVE

Comédiens
Lucille PERRON
Martin GIGUERE
Maude COURNOYER
Dominique BRETON
Éric RENALD
Dave GIRARD

Scénographie
Michel GAUTHIER
Costumes
Yasmina GIGUERE
Lumières
Alexandre NADEAU
Conception sonore
Patrice LEBLANC

Photo: Boran Richard